jueves, 29 de marzo de 2012

"Heart Land", supervivientes con olor a Nenuco

Entre “El Señor de las Moscas” y “28 Días Después”, toma ya!, de este modo se presenta esta interesantísima película independiente titulada “Heart Land”, que cuenta la historia de cómo un apocalipsis zombie afecta un grupo de niños.

La película ha presentado su primer tráiler, aunque todavía se encuentra en fase de pre-producción, está dirigida por Matthew A. Collins y cuenta con un reparto compuesto únicamente por tiernos niños y hambrientos zombies. Los pequeños supervivientes tendrán que luchar para mantenerse con vida y portar armas de fuego, enfrentándose a un mundo hostil, plagado de hordas de zombies y de enfermedades. Se espera que la cinta esté finalizada entre finales de 2012 y principios de 2013.

Según dijo el propio Collins, la idea para la película le vino de un sueño, y también señaló que la historia proviene de su fascinación sobre lo que sucede cuando los niños no son supervisados por adultos. Lo que no queda demasiado claro, es si el corto  “I Love Sarah Jane” que dirigió Spencer Susser, y que se presentó en Sundance hace unos años, tuvo algo que ver con la brillante idea o con el sueño que le inspiró.

Niños viviendo sin adultos, al más puro estilo de “El Señor de las Moscas”, una versión oscura de la historia de “Peter Pan” donde los niños deben defenderse contra zombies en vez de piratas, y mucha inocencia y más tensión, para una perspectiva diferente a una historia de supervivencia. Como ya os dije, la cinta se ha comenzado a rodar hace poco tiempo, así que de momento no hay fechas, aunque si un bonito téaser tráiler.

A continuación tenéis la sinopsis, para mi gusto peca de extensa y cuenta demasiado, así que si sois de los que os gustan las sorpresas, os recomiendo que paséis de leerla y que veáis directamente el tráiler promocional, que como bien indican al principio de éste, las imágenes utilizadas ni siquiera tendrían por qué pertenecer a la película. Sea como sea, le seguirémos la pista una vez finalicen el rodaje.

La historia gira en torno a Jonah, un muchacho de 11 años que siempre ha sido bastante maduro. Después de la trágica muerte de su madre, se fue a vivir con su abuelo, quien desde muy pequeño le enseñó a disparar y a sobrevivir en la naturaleza. Pero un día en el que estaban cazando ciervos, Jonah se ve obligado a tomar una gran decisión con su abuelo, quien de pronto se derrumba en el suelo y sufre convulsiones ante sus ojos. El muchacho piensa que lo ha perdido para siempre, sin embargo, se levanta de nuevo y se muestra hambriento, se ha convertido en un no-muerto.De este modo, Jonah abandona la infancia y se adentra en la madurez usando el mismo rifle que le había regalado su abuelo y que les había acompañado durante años. Semanas más tarde, Jonah se encuentra viviendo con otros niños supervivientes a la pandemia zombi. Allí conoce a Wendy, una adolescente de 15 años que, al ser la más veterana, se convierte en algo así como madre de la tribu, y quien se encarga de la seguridad y de ir a diario en busca de comida y munición. En una de sus salidas en busca de provisiones, Jonah se encuentra con otro grupo de chicos, liderados por el enigmático y “niño soldado” sin escrupulos llamado Pete. A medida de que los grupos se fusionen, la lucha por el poder entre Pete y Wendy causará un conflicto entre los dos grupos de niños. ¿Podrán estos muchachos dejar de lado sus diferencias con el fin sobrevivir juntos al apocalipsis zombi o se convertirán en sus peores enemigos?...

miércoles, 28 de marzo de 2012

"New Order", la amenaza más grande para la humanidad

A medio camino entre una película de ciencia ficción y un experimento social, se encuentra “New Order”, un largometraje apocalíptico que supone el debut de Marco Rosson, quien se estrena dirigiendo y escribiendo esta cinta de bajo presupuesto ambientada en el futuro y que mezcla varios elementos, tales como llamativas y experimentales imágenes visuales, la grabación en primera persona y el conocido mockumentary a modo de video-diario.

Para protagonizar esta cinta de ficción han optado por el veterano actor italiano Franco Nero (“Django”, “La Jungla de Cristal 2”), quien dará vida a un médico que trata de encontrar la cura para una enfermedad que ha terminado con la mayoría de la población mundial, pero cuando experimente con cinco de los supervivientes, la situación se acabará saliendo de control. La cinta se presentó el mes pasado en el Italia Film Fest de Los Ángeles, USA y se espera que se llegue a los cines italianos a finales de año.

Año 2033, una infección, un virus o un ataque bacteriológico acaba con casi el 90% de los la población mundial. Las ciudades ya no son un lugar seguro para vivir, cientos de miles de cuerpos en descomposición están extendiendo nuevas enfermedades.Tres años más tarde, lo que queda del gobierno global y militar han creado una ciudad llamada New Birth City, un lugar donde los supervivientes pueden sobrevivir mientras buscan la cura.

La investigación comenzó siendo dirigida por dos profesores de Oxford, pero dos años después uno de los profesores murió, dejando solo en la investigación al Dr. Cornelius Van Morgen (Franco Nero), un biólogo de renombre mundial. En uno de sus experimentos, el Dr. Cornelius eligió a cinco personas de entre los supervivientes y les ubicó en una antigua casa de campo, lugar en donde su compañero fallecido había instalado un laboratorio de investigación. Trabajando con los apuntes de su socio y observando a los cinco supervivientes el Dr. Cornelius Van Morgen continúa la desesperada búsqueda de una cura o vacuna. Los cinco se convierten en cobayas humanas para recopilar información médica y neurológica y registrar sus eventos diarios con la esperanza de encontrar algún tipo de respuesta. Al poco tiempo, uno de ellos comenzará a mostrar una actividad neurológica extraordinaria que le permite tener poderes paranormales, pero también consecuencias fatales...

Crítica: John Carter

Edgar Rice Burroughs era un escritor mundialmente conocido por sus historias fantásticas y por ser el padre de Tarzán. Además de este mítico y entrañable personaje, también fue el creador de otro personaje tan carismático o más que el Rey de los Monos: John Carter.

Tras no pocos intentos de trasladar las aventuras y desventuras de este casi inmortal guerrero del papel al celuloide, por fin llega a las pantallas la primera (y probablemente última debido a su escasa recaudación –y excesivo coste-) adaptación de John Carter, personaje nacido en la novela ‘Una princesa de Marte’, la primera de una serie de novelas marcianas creadas por la imaginativa mente de Burroughs.

Lo primero que hace uno tras conocer la noticia de que se va a trasladar un personaje mítico literario a la gran pantalla es temblar (en especial si eres un fan acérrimo del personaje y/o de las novelas).

Lo segundo que hace uno tras conocer que es la Disney la que está detrás de todo el meollo es... temblar. Pero por fortuna uno sigue indagando y comprueba que la todopoderosa Disney no está sola y que la brillante Pixar también participa en el marciano asunto.

Es más, el director de la película es Andrew Stanton, director de películas tan notables como ‘Bichos, una aventura en miniatura’ (‘A Bug’s Life’, co-dirigida con John Lasseter, 1998) , ‘Buscando a Nemo’ (‘Finding Nemo’, co-dirigida con Lee Unkrich, 2003) y ‘Wall-E’ (‘Wall-E’, 2008), todas ellas del imperio Pixar.

Al igual que en las citadas cintas de animación, en John Carter también podemos encontrar brillantes secuencias de acción, momentos asombrosos y, aquí viene lo malo, irregularidad y bajones de ritmo.

Lo que no se le puede negar al director es su capacidad y pericia a la hora de hacer disfrutar y divertir al espectador, especialmente a los más jóvenes, que es primordialmente el público al que va dirigida la película.

Y otra cosa más, tampoco olvidemos que el objetivo de la película es precisamente entretener de la manera más lúdica posible al gran público. Una vez más, aquí no hemos venido para reflexionar y pensar sobre cuestiones profundas y existenciales.

Y por supuesto, y como no podía ser de otra manera, visualmente es apabullante.

No es tan buena como uno desearía pero tampoco es tan mala como uno esperaría.

Lo que más me ha gustado: el universo creado en Marte -sus habitantes, sus criaturas...-, su tono pulp y desvergonzado; esa vuelta a la aventura de antaño.

Lo que menos me ha gustado: saber que se podría haber sacado todavía más jugo al asunto.

martes, 27 de marzo de 2012

"Truth or Dare", el juego de la venganza

Desde la tierra del té, el punk y el fish & chips, nos llega “Truth or Dare” un thriller de horror que se presentó en el pasado AFM y que ahora es noticia porque está a punto de salir directamente al mercado doméstico norteamericano.

Robert Heath dirige esta cinta que cuenta la historia de cinco jóvenes amigos que una noche de fin de año se disponen a jugar al famoso juego de “verdad o reto” (también conocido como “el juego de la botella”), ya sabéis, ese que sale en miles de películas americanas y al que probablemente todos hemos jugado alguna vez, seguramente bajo los efectos del alcohol que guardaba aquella botella que una vez vacía se hace rodar en el suelo y en el que se hacen preguntas indiscretas o desvergonzados retos, según elija el jugador. No hace falta ser un hacha para imaginarse que en la película, este juego terminará trágicamente, ya que sus participantes acabarán siendo víctimas de un sociópata que no dudará en cambiar las reglas para que se convierta en un juego mortal. Mucha tensión y una historia tal vez no demasiado original de venganza, es lo que se esconde tras “Truth or Dare”.

El reparto incluye un buen número de promesas británicas como David Oakes (“Los Pilares de la Tierra”), Jennie Jacques (“Cherry Tree Lane”), Liam Boyle (“Awaydays”) y Jack Gordon (“Camino Sangriento 3”). Abajo, tras la sinopsis, tenéis el tráiler.

Un grupo de amigos de la universidad celebran el final de curso del grupo “alfa”. Después de pasarse la noche bebiendo y tomando algunas drogas, deciden jugar al juego de “verdad o reto”, pero uno de ellos no se toma demasiado bien la derrota y además es humillado, lo que finalmente generará un giro aterrador en los eventos. Algunos meses más tarde, los amigos se reúnen de nuevo para hacerle una fiesta sorpresa a su amigo Félix, pero al llegar al lugar –un antiguo pabellón de caza- se encuentran con un desconocido que dice ser el hermano mayor de su amigo, quien les explica que Félix llegará tarde para la fiesta. El grupo decidirá unirse a él y esperar a su amigo mientras se emborrachan, momento en el que el desconocido les obligará a jugar a un juego a vida o muerte…

lunes, 26 de marzo de 2012

"Nenek Gayung", la receta del caldo de la abuela

Vamos a ver, si un día vais por la calle y de pronto os topáis con una siniestra señora mayor que en una mano lleva un gran cucharón y en la otra una esterilla, más vale que ni la miréis a los ojos, porque esa señora no es que vaya preparada para plantarse en las fiestas de su barrio a comer una chocolatada y ponerse morada, esa mujer lo que querrá es hacer un sabroso caldo con vuestra carne y vuestros huesos.

Y después de este sabio consejo, os voy a presentar una nueva película de terror con algunas pinceladas de comedia negra, que llega desde Indonesia y que se titula “Gayung Nenek”. Dirigida por Nuri Dahlia (sinceramente, desconozco si en Indonesia ese nombre es de hombre o de mujer), la cinta nos contará las andanzas de una vieja bruja que se dedica a dar vueltas por Yakarta en busca de personas a las que invitar a su casa y ofrecerles un plato de sopa bien caliente. Lo que no sabe la gente que acepta la invitación, es que ellos serán el principal ingrediente de esa suculenta sopa.

Si la historia os parece sacada de un cuento infantil de esos que sirven para asustar a los niños para que desconfíen de los mayores, os tengo que decir que habéis acertado de pleno, ya que se basa en un cuento popular indonesio, el cuento que da nombre a la película, “Gayung Nenek” (algo así como “la abuela ojo por ojo”).

La película se estrenará en los cines de Indonesia el próximo 19 de abril. Sea como sea, hay que reconocer que el recién estrenado téaser tráiler que podéis ver a continuación, les ha quedado bastante apañado, así que buen provecho.

domingo, 25 de marzo de 2012

"Cosmopolis", las 24 horas más locas de Cronenberg

Joooder, con los dientes largos me ha dejado el primer tráiler del nuevo film de David Cronenberg. Tras “Un Método Peligroso”, parece que el cineasta vuelve a sacar su lado más violento y complejo con una propuesta que parece un batiburrillo de tres de sus obras: “Crash”, “ExistenZ” y “Una Historia de Violencia”, ahí es nada.

Treinta segundos son tiempo suficiente para darnos cuenta de que “Cosmopolis”, adaptación de una novela homónima de Don DeLillo, no servirá para alimentar a las fervientes masas de adolescentes seguidoras de la saga “Crepúsculo”, en lo nuevo de Cronenberg, Robert Pattinson marca distancias con su papel de vampiro melindroso y se mete en la piel de un joven crápula que cansado de su tediosa vida llena de lujo y comodidad, decide explorar el lado más salvaje de la vida. Violencia, sexo, muchos excesos y descontrol para una oscura cinta de Cronenberg en la que Pattinson estará acompañado de otras caras conocidas como Paul Giamatti (“Cold Souls”, “La Joven del Agua”), Samantha Morton (“John Carter”) o Juliette Binoche (“El Paciente Inglés”).

Por cierto, Cronenberg ha declarado que Pattinson sorprenderá a mucha gente con su interpretación, y que es uno de los mejores actores que ha tenido a sus órdenes, pues esperamos que así sea. “Cosmopolis” se estrenará en Cannes y luego llegará a los cines de Francia el 23 de mayo. De momento no hay fecha para España.

Cosmopolis se centrará en Eric Packer, un joven multimillonario que lo tiene todo y que cruza todo Manhattan en una limusina buscando un sencillo corte de pelo. Durante su viaje de 24 horas, vivirá una odisea de excesos de toda clase y quedará atrapado en un atasco producido por diversos acontecimientos: la llegada del Presidente a la ciudad, el funeral de un ídolo de la música, el rodaje de una película y una violenta manifestación…

Crítica: El Ansia

Esa noche de invierno de 1983 decidí salir de casa para ir a ver a Bauhaus, los cuales tocaban en mi garito favorito. Pero antes debía arreglarme un poco para sentirme realmente bien. Como siempre, decidí vestirme de negro de los pies a la cabeza, un corpiño, unos pantalones bien ceñidos, una cómoda chaqueta con hombreras. Mientras en mi estéreo sonaba “Funtime” de Iggy Pop, me pinté a conciencia los ojos con lápiz negro, luego me crepé el pelo echando mano del cepillo y una buena dosis de laca, me calcé las botas, me enfundé los guantes de látex negro, metí la cajetilla de Pall Mall en el bolsillo de mi chaqueta, y finalmente me puse unas gotas de Anaïs Anaïs de Cacharel en el cuello. Ya estaba lista para disfrutar de la noche, salí de casa…

En la vida, uno se encuentra con películas que no podrá olvidar jamás, que tras verlas siente como si estuvieran dedicadas a uno mismo, como si hubieran sido creadas para su propio disfrute y deleite. Y cuando esto ocurre, te sientes embriagado por el placer del séptimo arte. “El Ansia” es una de esas películas de las que hablo.

En 1982, Ridley Scott estrena “Blade Runner”, un año más tarde su hermano pequeño, Tony Scott, trata de conseguir los derechos para adaptar a la gran pantalla la novela “Entrevista con un Vampiro” de Anne Rice, pero Scott no convence a la Metro Goldwyn Mayer (todos sabemos que sería Neil Jordan quien llevaría al cine “Entrevista con el Vampiro” en 1994), pero la compañía le insiste que realice otra adaptación literaria, la de “El Ansia” de Whitley Strieber, una novela que había sido publicada hacia muy poco tiempo.

Así fue como Tony Scott debutó con su primera película, “El Ansia” (“The Hunger” 1983), una obra cuidada hasta el mínimo detalle, en la que curiosamente Scott utilizó los conceptos visuales de diseño que había desarrollado para su anhelado proyecto de “Entrevista con el Vampiro”. La película cuenta una historia de amor y sangre, una original historia de vampiros sobre una mujer, bendecida con la belleza, pero maldecida en el amor, una mujer o tal vez diosa egipcia, que se hace llamar Miriam Blaylock a la que da vida una elegante y soberbia Catherine Deneuve, la cual convierte a sus amantes en vampiros inmortales. Unos vampiros que mientras se alimenten de sangre humana no envejecerán, pero esto solo ocurrirá mientras ella siga enamorada de ellos, si el amor se desvanece, sus amantes también lo harán, y será cuando comiencen a envejecer de manera fulminante y prematura hasta prácticamente consumirse. ¿Y actualmente quien es el amante de la vampiresa? Pues ni más ni menos que el Duque Blanco, el camaleónico David Bowie ("Dentro del Laberinto") que aquí se encuentra como pez en el agua (motivo por el que seguramente nos brinda una de sus mejores interpretaciones), hasta que por cosas del amor, o más bien del desamor, su personaje comience a vivir una auténtica pesadilla, y sea consciente de que se está convirtiendo en un lastre para la sofisticada vampira, a quien un día juró amor eterno.

Pero a rey muerto, rey puesto, y acompañada de la ópera “Lakmé” de Delibes, aparecerá la inteligente y atractiva Sarah, interpretada brillantemente por una joven Susan Sarandon, y con ella llegará el escándalo, una emocionante historia de amor entre dos mujeres, que transmiten tal pasión que por momentos parecerá traspasar la pantalla. Pero las mujeres, vampiresas o no, somos algo complicadas y semejante relación se irá transformando en un trágico desenlace.

“El Ansia” es una película que te atrapa lentamente hasta alcanzar efectos hipnóticos, como si te chupara la sangre y fueras perdiendo el sentido. Con Manhattan como telón de fondo, cortinas blancas, flashbacks, investigaciones científicas, erotismo lésbico y cámara lenta para, probablemente, una de las películas de vampiros más románticas y reflexivas que se hayan hecho en la historia del cine. Pero tengo que advertiros que ésta no es la típica película de vampiros, de hecho en la cinta no se menciona ni una sola vez la palabra “vampiro”, aquí los protagonistas son personas adultas que ni se esconden del sol, ni lucen prominentes colmillos, sino que parecen personas normales y corrientes, aunque eso si, poseedoras de un fuerte magnetismo y mucha elegancia, que no pierden las formas hasta que sienten sed, momento en el que no dudarán en mancharse de sangre hasta las cejas.

Con una atmósfera cargada y plomiza, una estética exquisita, una fotografía cuidada al detalle, recargados efectos sonoros, y un guión que habla sobre la vida, la muerte, el amor, la soledad y el egoísmo, Tony Scott demostraba que la película que había hecho su hermano hacía tan solo un año, “Blade Runner”, le había calado hasta los huesos. Hasta la fecha, Scott no ha llegado a tocar el cielo como lo hizo su hermano más allá de Orión, se puede decir que ha llevado una carrera “entretenida”, repleta de cine de acción y de un buen número de películas protagonizadas por Denzel Washington (“Dejá vù”). Personalmente creo que Tony Scott tiene mucho potencial para hacer otro tipo de cine al que nos tiene acostumbrados, claros ejemplos son “Amor a Quemarropa” y la que nos ocupa, “El Ansia”, un cine donde lo romántico y la violencia se unen para convertirse en “cine de culto”.

Aún no he tenido la ocasión de leer la novela original que escribió Whitley Strieber en 1981 (curiosamente en España no se editó hasta el 2003), y digo aún porque es algo que tengo pendiente, pero aunque me considere una admiradora de la película, me gustaría pensar que en esas páginas encontraré cosas que no me supo dar la versión cinematográfica, quiero encontrarme más desesperación por parte de John (Bowie), quiero más situaciones incómodas por parte de Sarah (Sarandon) y su marido cuando éste empieza a sospechar que le es infiel, quiero más detalles de la obsesiva relación que comienza entre Sarah y la ancestral vampiresa, en definitiva…quiero más enredos y más tensión.

Aquella misma noche, en la pista de baile, conocí a una agradable pareja. Fueron muy amables y me invitaron a cenar a su casa a la noche siguiente, es curioso, lo recuerdo como si hubiese sido ayer…

Lo mejor: El principio con Bauhaus tocando el tema "Bela Lugosi’s Dead". El trío protagonista, sin olvidarnos del pequeño cameo que hace Willem Dafoe. La fotografía, los efectos de maquillaje, el momento erótico lésbico entre Catherine Deneuve y Susan Sarandon, y la banda sonora (no en vano, la banda alemana Lacrimosa utilizaría algunos fragmentos para incorporarlos a su canción titulada “Copycat”).

Lo peor: Que a algunos les parecerá lenta y pesada, aunque en mi opinión, eso forma parte su encanto. Que David Bowie apenas aparezca en la segunda mitad de la película.

Crítica: Chronicle

Con estilo documental y un realismo muy, pero que muy conseguido, el debutante Josh Trank presenta su increíble carta de presentación: una película de jóvenes con superpoderes que no saben muy bien cómo administrar semejantes poderes.

Ya se lo decía el tío Ben a Peter: “un gran poder, conlleva una gran responsabilidad”.

Tres estudiantes de secundaria se encuentran con un misterioso objeto en el subsuelo de un bosque. Al entrar en contacto con dicho objeto, los tres jóvenes comenzarán a desarrollar una serie de habilidades sobrehumanas.

Sencilla y muy vista premisa que sin embargo demuestra (una vez más) que en esto del cine, es más importante el cómo que el qué (al menos desde mi muy humilde punto de vista).

El estilo mockumentary, el realismo de sus imágenes, lo estupendamente bien empleados e integrados que están los efectos especiales en la trama, las naturales y frescas interpretaciones de su joven reparto, su magnífica puesta en escena... todo, absolutamente todo está inteligentemente colocado en su sitio, incluso su escueta duración ayuda.

Es uno de esos milagros que suceden de vez en cuando, una vez cada dos o tres años (a veces incluso más).

Recordemos que esta moda del mockumentary fue reiniciada, -ya existía desde tiempos inmemoriales, ¿o acaso alguien se ha olvidado de la mítica y “entrañable” ‘Holocausto Caníbal’ (‘Cannibal Holocaust’, Ruggero Deodato, 1979)?, por poner un ejemplo-, con la archiconocida ‘El Proyecto de la Bruja de Blair’ (‘The Blair Witch Project’, Daniel Myrick & Eduardo Sánchez, 1999).

Desde entonces y hasta ahora, los productores han podido comprobar una y otra vez lo tremendamente rentable que puede llegar a ser producir una película de estas características.

Muchas han terminado viendo la luz, algunas mejores -‘El Último Exorcismo’ (‘The Last Exorcism’, Daniel Stamm, 2010)-, otras peores, -la citada ‘El Proyecto de la Bruja de Blair’-, pero siempre todas interesantes.

A mi modo de entender el cine, ‘Monstruoso’ (‘Cloverfield’, Matt Reeves, 2008) es la joya de la corona del mockumentary.

‘Chronicle’ (Id; Josh Trank, 2012) vendría a ser el ‘Monstruoso’ del presente año.

Es una gran película de ciencia ficción que no cuenta nada nuevo, pero lo hace de una manera tan atractiva, tan fresca y tan sugerente, que uno no puede más que rendirse a sus encantos y disfrutar de esta pequeña y nueva joya del género fantástico.

Es la versión de imagen real de ‘Akira’ (Id; Katsuhiro Otomo, 1988) que nos han estado negando durante las últimas dos décadas.

Lo que más me ha gustado: todo, pero en especial ese memorable clímax final. Impresionante.

Lo que menos me ha gustado: pues no se me ocurre nada.

viernes, 23 de marzo de 2012

"Would You Rather", Combs invita a Sasha Grey a jugar

Orden en la sala!, que haya calma por favor…Acaba de ver la luz el tráiler y el póster de “Would You Rather”, una atractiva propuesta que dirige David Guy Levy (“A Love Affair of Sorts”), y cuyo protagonista principal es el tan querido por todos Jeffrey Combs (“Re-Animator”“The Black Cart”, “Dark House”, “Parasomnia”), pero nuestro mad doctor favorito no vendrá solo, entre sus acompañantes estarán Brittany Snow (“Prom Night”), Eddie Steeples ("Me llamo Earl"), John Heard (“Despertares”) y la estrella del porno Sasha Grey, que como todos vosotros sabréis, ahora trabaja en toda clase de películas, incluidas las del género de terror, aunque espero fervientemente que la que nos ocupa sea mejor que aquel fiasco titulado “Smash Cut”.

Si os suena el estilo del póster que tenéis arriba, es porque lo ha dibujado Tom Hodge, el mismo que se encargó de los de “Hobo With A Shotgun” y “The Innkeepers” , demostrando una vez más que es un hacha dibujando pósters de películas.

“Would You Rather” cuenta la historia de una siniestro juego, uno perpetrado por un hombre rico y mezquino, un maestro de ceremonias (no podía ser otro que Combs) que invitará a sus huéspedes a cenar. De postre, les propondrá jugar a un juego en el que el ganador se podrá llevar una incalculable cantidad de dinero, pero según progrese el juego, más sádico y mortal se irá convirtiendo. A juzgar por el tráiler, la película será un festín sangre, tensión y violencia, en donde se sacará lo peor del ser humano, lo más ruin, porque cuando hay dinero de por medio, algunas personas pierden el juicio, y esto apunta que será algo parecido a echar una partida al Trivial Pursuit con unos cuantos psicópatas que solo piensan en llevarse los quesitos de todos los colores. La cinta aun está en proceso de post-producción, así que aún no se saben fechas, aunque su estreno se espera para este 2012. El traíler, como siempre, lo tenéis abajo.

A raíz de la muerte de su padre, Iris (Brittany Snow) se esfuerza por ganarse la vida mientras cuida a su hermano pequeño, un enfermo terminal. Shepard Lambrick (Jeffrey Combs), un aristócrata aparentemente filantrópico, expresa su interés en ayudarles. Cuando Lambrick la invita a una exclusiva cena en su casa, ella acepta, pero a esa cena también asisten otros siete individuos tan desesperados como ella. Pronto se encontrarán atrapados en la mansión de Lambrick y serán obligados a un juego sádico llamado "Would You Rather" (¿Qué preferirías?), donde el ganador será premiado con una incalculable cantidad de dinero. Mientras el juego progresa, Iris y los otros jugadores se verán frente a un dilema que irá creciendo y convirtiéndose en algo cada vez más mortífero...

Crítica: Evidence

Desde la precursora “Paranormal Activity”, las salas se han llenado de películas de este estilo, cine-realidad. Cabe decir que el 90% de ellas son un asco, pero de vez en cuando alguna lo clava. Podríamos decir que “Evidence “ es una de ellas.

La historia es harto conocida. Un grupo de amigos se interna en el bosque para hacer un documental. Cuando empecé a verla pensé: No, joder. Otra peli de un documental en el bosque donde pasan cosas malas. Pero bueno, creedme cuando digo que no habéis visto antes una película como “Evidence”. Incluso se hace difícil hacer una buena crítica sobre ella porque no querría joderos el visionado antes de tiempo. Así que voy a hacer lo que pueda con esta cinta, que es muy, muy loca.

El tinglado está muy bien montado, con personajes que son cercanos y naturales; creíbles. En seguida se crea empatía con ellos, los conoces, conectas. En películas de este tipo, de cámara a hombro, es súper importante. Y aunque están muy dibujados, es aquí quizá donde la montaña rusa cae en algunos escollos, algunas incongruencias. Si se hubieran desarrollado un poco más los personajes, podríamos haber llegado a entender mejor algunas de las relaciones que se ven en la cinta, pero bueno, tampoco es que sea el foco principal de la película. No se andan por las ramas en el tema emocional.

En la segunda parte de la película, las cosas siniestras y extrañas empiezan a pasar. Muy bien ejecutadas estas cosas raras. El tipo de momentos que te hacen temblar. Y entonces ocurre. El tercer acto llega y todo se vuelve muy, muy crazy.

¿Por dónde empezar? Todos hemos visto películas en las que el final es un golpe de efecto, enrevesado. Una vez la revelación retorcida llega, podemos llegar a una conclusión propia, una opinión nuestra. Pero no con esta película. Al menos no hasta el muy último final. Las cosas se van retorciendo más y más sin piedad. No hay un solo segundo en, al menos, treinta y cinco minutos de la cinta en que puedas despegar los ojos de la pantalla. Porque si lo haces, no vas a entender que está pasando. “Evidence” es perfectamente el tipo de película que describirías como: ¡qué huevos me estás contando! ¿Qué es eso? Parece que has llegado a ese punto en el que piensas: ah, vale. Es esto, pero no. Porque el caos se apodera de cada escena y todo da un giro de 180 grados que te deja con el culo al aire.

Sabemos, por demasía; que lo que mucha gente odia de este tipo de películas-falso-documental es que no se ve realmente que pasa. O no se ve, en realidad; nada de nada. De ahí que sean de bajo presupuesto y que no tengan que trabajar con el rollo de: aquí se ve que esto es cartón piedra o aquí no hay suficiente carga de miedo. El juego de la cámara que enseña y oculta a la vez. Bueno, pues tranquilo, que en “Evidence” te vas a hartar de ver todo lo que está pasando porque te lo tiran a la cara una y otra vez. Desde el segundo acto hasta los créditos del final, que no puedes perdértelos tampoco, porque tienen mucha importancia en la trama.

Resumiendo y concluyendo, “Evidence” es una película de esas en las que te pones a pensar cuando ya has terminado de verla, más adelante, al día siguiente. No sabes muy bien que creer, porque es un caos tan loco que el final está perdido en tu subconsciente. Mucha gente no sabrá que decir al respecto. Es una auténtica locura. Pero supongo que ahí reside su encanto. En este juego de ideas, como un brainstorming sobre la mesa en el que todo vale. Hay que armarse de valor y sentarse a verla. Disfrutar de sus planos y comentar qué opinas sobre ella cuando la hayas terminado.

jueves, 22 de marzo de 2012

"'For Blood or Justice", horror noir en la carretera

Cuando uno se dispone a viajar por carreteras desconocidas, puede acabar en la ciudad equivocada, y entonces las cosas se pueden poner muy feas. Un buen ejemplo de ello es la interesante “For Blood or Justice”, una road movie repleta de violencia, sangre, dispares personajes y mucho asfalto, que escribe y dirige Todd Kniss.

Para la ocasión, el director ha querido dotar a su obra de varios elementos a cada cual más interesante, lo primero ha sido echar mano de ese malsano “folklore macabro” que mezcla horror y ciencia ficción, una combinación utilizada durante siglos, antes incluso que los cuentos clásicos de Edgar Allan Poe, Mary Shelley y Bram Stoker. Donde los demonios de otros mundos y el terror psicológico se encuentran para evocar a la más fuerte de las sensaciones humanas: El miedo.

Para rematar, Todd Kniss ha optado por añadir en la historia a un personaje protagonista inspirado en aquellos tipos duros de las novelas policíacas, aquellos temerarios representantes de la ley que persiguen a villanos implacables sin pausa, y que han cautivado a miles de lectores durante décadas. Y lógicamente, si hay un representante de la ley, tendrá que haber villanos, y ahí es donde encontraremos a personajes tan excéntricos como: renegados representantes de la ley, demonios, criminales despiadados, desquiciadas strippers, y violentos luchadores, todos ellos inmersos en lo sobrenatural.

Según palabras del director, “For Blood or Justice” se basará en un amplio abanico de hechos reales e históricos, para así crear una compleja historia con personajes ficticios que se forjará en un mundo único, donde los nuevo y lo viejo se fusionará con la ficción, una atractiva y nueva propuesta de un sub-género denominado como “horror noir”.

Situada en las abrasadas tierras de Texas y las calles de México en el año 1977, “For Blood Or Justice” se inspira en las novelas de Elmore Leonard y en los clásicos de John Carpenter.

Dicho esto no sé que haréis vosotros, pero yo no me la pienso perder. Por desgracia, aun se encuentra en fase de post-producción y de momento no tiene ninguna fecha de estreno, pero al menos ya podemos ver el téaser tráiler, y ya os aviso que estáis tardando en poneros a ello.

“For Blood Or Justice” cuenta la historia de Cotton De La Croix, un excéntrico hombre de la ley de Texas, el cual que no se detendrá ante nada con tal de llevar a Alex y Ángel, un par de alborotadores y asesinos psicóticos, a la justicia. Pero cuando cruza ilegalmente la frontera hacia México no se encontrará solo fuera de su jurisdicción, sino también en la cabeza de un bizarro y horrible mundo. Frente a un vengativo ex-luchador, una desquiciada bailarina de striptease, un detective mexicano y un científico loco con un laboratorio lleno de criaturas asesinas, De La Croix deberá utilizar todas sus habilidades para detener una marea incesante de muerte y destrucción.

miércoles, 21 de marzo de 2012

"Sound of my Voice", víctimas de las sectas

El nombre de Brit Marling es uno de los que más suenan en el panorama actual de cine independiente gracias a su interpretación, y labores de guionista, en "Another Earth". Ahora, la podrémos ver haciendo el papel de una enigmática líder de una secta en la película “Sound of my Voice”, un dramático thriller  de ciencia ficción dirigido por Zal Batmanglij (hermano de Rostam Batamglij, líder de los “Vampire Weekend”, uno de los principales referentes del indie-rock contemporáneo), que cuenta con un guión co-escrito por el propio director y la protagonista, que para la ocasión vuelve a repetir la doble tarea.

La cinta nos presenta a una pareja de documentalistas que se infiltran en una secta liderada por una enigmática y poderosa mujer (Marling) con el propósito de exponer el fraude, pero a medida que van conociendo los entresijos de la organización, los protagonistas comenzarán a cuestionarse sus creencias y a olvidar su objetivo inicial.

El film se estrenó en la pasada edición del Festival de Sundance, donde recibió excelentes críticas, tachándola de oscuro thriller que habla sobre el siempre morboso mundo de las sectas. El reparto lo completan Christopehr Denham (“Shutter Island”) y Nicole Vicius (“Last Days”). Por ahora no hay fecha para el estreno de “Sound of My Voice'”en España, pero su estreno en los cines de Estados Unidos está programado para el próximo 27 de abril y vendrá de la mano de la FOX. Abajo tenéis el tráiler.

Peter y Lorna, una pareja joven de Silver Lake, se adentra en el submundo de una secta que se reúne en el Valle de San Fernando (California). Su líder es una enigmática joven llamada Maggie. Ella nunca sale de su habitación en el sótano, pero los miembros siguen sus directrices ciegamente. Peter y Lorna buscarán desenmascarar el fraude de Maggie, mediante la colocación de cámaras ocultas en el sótano en el que vive para así liberar a los adeptos que siguen sus directrices…

Crítica: Extraterrestre

Nacho Vigalondo, el cántabro que nos dio una lección de cine con una vaca y una batbola, es un director de los que simplemente hacen la película que quieren. Fenómeno mediático, escritor, actor y director al mismo tiempo, con su segundo film, “Extraterrestre” (2011), Vigalondo nos ofrece una deliciosa comedia romántica adornada de invasión extraterrestre. Si con “Los Cronocrímenes” (2007) hacía una reflexión del deseo y la culpa, en “Extraterrestre” esos elementos los deja en segundo plano centrando la historia en los personajes; mezclando comedia con película de género fantástico.

Domingo por la mañana. Julio (Julián Villagrán) se despierta en la cama de Julia (Michelle Jenner), después de una noche de fiesta, de borrachera y sexo sin compromiso de la que apenas recuerdan nada. Todo ello coincide con una invasión alienígena global. No pueden salir de casa; un gigantesco OVNI flota sobre la ciudad de Madrid.

Vigalondo rescata su perfil más cómico en el que hay celos, deseo, espectáculo y grandes discursos que se sobreponen a los fantásticos efectos de la nave espacial (lo menos importante del film, por cierto). La historia nos presenta cinco protagonistas interpretados por un reparto del que Carlos Areces, en el rol de vecino pesado, arranca gran parte de las carcajadas al público. En sí, el reparto al completo funciona y las situaciones están bien hiladas de forma divertida e ingeniosa. Una comedia romántica que funciona y no empalaga; que tiene escasos toques de ciencia ficción, pero que divierte.

“Extraterrestre” garantiza carcajadas, un guión ágil e ingenioso y un reparto bien escogido y dirigido con los que se empatiza enseguida. Villagrán interpreta con talento al antigalán a la española, Areces al vecino pringado obsesionado con la vecina buenorra, Jenner a esta vecina buenorra y Raúl Cimas al novio de la vecina algo despistado y obsesivo. La situación se adorna con el platillo volante a lo “V” que flota inmóvil sobre la ciudad; un platillo que en este film es la batbola de su famoso corto “Una lección de cine”, porque no hay aliens en toda la película más allá de los que imaginan los personajes de este vodevil. Todo ello realizado con un escaso presupuesto en el que personalmente destaco la nave espacial, un tarro de melocotones, diez cajas de pelotas de tenis y todo el estilo minimalista que caracteriza la película.

Sin embargo, da la sensación que Vigalondo da un paso atrás con este film. Parece esconderse en el posicionamiento común de una parte del cine español que se conforma con realizar comedias, con más o menos fortuna. La película arranca con fuerza, se suceden constantes gags y las risas fluyen, pero llegados un momento, el público comprende que no hay más que risas, que simplemente estamos viendo otra comedia española con cuidados planos. En cuanto a los actores, nos brindan buenas interpretaciones aunque en algunos momentos resultan poco convincentes. Por ejemplo, a veces Carlos Areces hace de… Carlos Areces. Michelle Jenner, por su parte, en ocasiones no da la talla. Y el cameo de Miguel Noguera está más o menos gracioso, pero al verlo da la sensación que se provoca el susurro del espectador en la oscuridad de la sala de cine diciendo “¿sabes quien es ese?” o “ese es…”, como ocurre con la saga “Torrente”.

En fin, este marzo de 2012 se estrena “Extraterrestre”. Ir a verla porque el director es muy majo, Areces es muy gracioso, Jenner está muy buena y todos te hacen reír mucho, lo que te entretiene y eso ya es mucho en el panorama de la comedia española actual. Olvídense de la ciencia-ficción, es una excusa para ir al cine. “Extraterrestre” es otra vuelta de tuerca a las convenciones del cine fantástico.

Fuera de nuestras fronteras ha tenido buena acogida triunfando en festivales como Toronto y Austin (donde su protagonista, Julián Villagrán, fue premiado). En Sitges 2011 obtuvo el aplauso del público, aunque no fue la película más plausible. Pero Vigalondo es Vigalondo y siempre vale la pena ver alguna de sus obras.

Y usted, lector, ¿qué opina? ¿Le apetece una de amor con aliens (invisibles)? Ponerme comentarios. Me interesa mucho vuestra opinión.

LO MEJOR: El inicio con la absurda situación de una invasión alienígena después de una noche de fiesta y la entrada de Carlos Areces.

LO MENOS BUENO: Crea expectativas tan invisibles como los aliens por lo que cierto sector del público puede sentirse estafado. Un consejo: ir a verla sin complejos y con ganas de echar unas risas. Poco más.

martes, 20 de marzo de 2012

"Lizzie", vuelve la famosa asesina del hacha

Lizbeth Andrew Borden, conocida cariñosamente por el seudónimo de Lizzie, era una mujer soltera de cuarenta años que vivía en Massachussets junto a su padre y hermana. Cuando la madre de Lizzie murió, su padre Andrew Borden contrajo matrimonio con Abby Durfree. Pero ambas hermanas odiaban tanto a ésta mujer, que intentaban no cruzarse con ella por la casa.

El padre era un hombre tacaño y trataba a sus hijas como a niñas pequeñas, especialmente a Lizzie, no consentía que hablará con extraños y tampoco que saliese sola por las calles. El 4 de agosto de 1892, a las 11 de la mañana, Lizzie cogió un hacha y le dio cuarenta hachazos a su madrastra. Cuando vio lo que había hecho, le dio cuarenta y uno a su padre. El doble asesinato, el posterior juicio y el hecho de que nadie fue finalmente condenado por las muertes, han convertido al caso en una cause celébre en Norteamérica y sigue siendo un episodio plagado de dudas en el mundo de la criminología. Aunque Lizzie Borden fue absuelta de los crímenes, incluso en vida se la creyó culpable del asesinato de sus progenitores, por lo que su familia la abandonó dejándola completamente sola hasta el día de su muerte. Jamás se averiguó que ocurrió aquel día en la casa de los Borden, y jamás se sabrá.

Aprovechando el filón de esta historia verídica, nace “Lizzie” una película independiente de terror que cuenta la historia de una joven mujer que hereda una casa encantada, una casa en la que se cometió un doble y terrible asesinato, la casa de los Borden...

Dirigida por el debutante David Dunn Jr., la cinta cuenta con la actuación del famoso actor secundario Gary Busey (“Arma Letal”, “Depredador 2”), al que veremos encarnando a un personaje totalmente enloquecido y en busca de sangre. Posesiones, fantasmas, extraños comportamientos, siniestros muñecos,  y la aparición de una niña que sufrió una infancia traumática, son algunos de los ingredientes que nos encontraremos en “Lizzie”. La película se presentó en el pasado AFM y actualmente se encuentra buscando distribuidora. Aquí tenéis el tráiler:

domingo, 18 de marzo de 2012

"Corazon: Ang Unang Aswang", un folclore de miedo

En Filipinas está surgiendo una creciente ola de cineastas independientes que, con presupuestos pequeños pero total libertad, están creando un número cada vez mayor de proyectos desafiantes e interesantes. Contrariamente, en Filipinas el cine comercial está muy reglamentado y debe pasar muchos controles, un sistema arcaico regulado por las principales cadenas de televisión en donde cineastas y actores sufren las consecuencias de unos horarios y unos presupuestos realmente ajustados.

Richard Somes es un cineasta que comenzó su carrera encargándose de uno de los segmentos de la serie de horror titulada “Shake, Rattle And Roll”, más tarde dirigió dos largometrajes independientes, “Yanggaw” e “Ishmael”, y de ese modo llamó la atención de los peces gordos y consiguió introducirse en la industria dominante de Filipinas, una vez dentro, dirigió la friolera de de 249 capítulos para dos series de televisión desde el 2010. Ahora el director ha contado con el respaldo de los grandes estudios Star Cinema, para hacer frente a su nueva película, “Corazon: Ang Unang Aswang” (o simplemente “Corazon”) una cinta de terror que cuenta con un holgado presupuesto y que está ambientada durante la ocupación japonesa en Filipinas.

“Corazon” comienza como un drama cualquiera, una joven y feliz pareja que viven juntos en plena naturaleza y que además esperan un hijo. Pero tanta felicidad se acaba de pronto cuando aparecen los “Aswang”, unas temibles criaturas del folclore filipino. La cinta no es otra cosa que la visualización ficticia de cómo comenzó la leyenda y de cómo se convirtió en parte de su folclore. “Corazon: Ang Unang Aswang” se estrenó la pasada semana en los cines de Filipinas, abajo tenéis el tráiler.

Arrastrando el pasado trágico de la Segunda Guerra Mundial, Corazón (Erich Gonzales) sólo quería una cosa en la vida, concebir un hijo. Hace cinco años que se convirtió en la esposa de su amado Daniel (Derek Ramsay), después de pasarse mucho tiempo intentando inútilmente quedarse embarazada y de realizar extraños juramentos de fe con su marido, ahora ella cree que por fin su matrimonio ha sido bendecido con un bebé. Pero el día de su nacimiento, el niño nace sin vida. Es entonces cuando el mundo de Corazón se hace añicos y automáticamente pierde la fe, expulsando toda su ira contra el pueblo que cree responsable de todo su sufrimiento y su dolor…

Crítica: Psicosis 4: El Comienzo

A pesar del fracaso de crítica y público de la tercera parte, y del fallido intento de realizar una serie con elementos de la mitología de “Psycho” ("Bates Motel"), Universal, una vez más, decidió volver a exprimir un poco más la historia de Norman Bates en una televisiva cuarta parte conocida como “Psycho IV”.

Resulta curioso que esta última secuela de “Psycho” fuese concebida para la pequeña pantalla, porque en 1982 ya se había planteado la posibilidad de que “Psycho II” fuese realizada, en principio, directamente para televisión. Pero el excelente guión de Holland y el SI de Anthony Perkins, hicieron que sus responsables se replanteasen la idea, por lo que finalmente fue llevada a la gran pantalla.

Esta vez, Hilton A. Green, ayudante de dirección en la original y productor de las dos secuelas anteriores, decidió ser solo productor ejecutivo y dejar la producción a Universal. Decisión arriesgada que acabaría repercutiendo en la continuidad de la saga.

Para hacerse cargo del guión, se contó con el guionista de la película original, Joseph Stefano. Algo que en principio debería tranquilizar al espectador y traducirse en un salto de calidad respecto a la historia dentro de la saga frente a la tercera, o incluso segunda parte, tras el visionado de la película se queda en nada y viene a confirmar algo que ya anticipé en mi crítica sobre la primera parte, la genialidad del guión de “Psycho” se debe más a la novela escrita por Robert Bloch que a Stefano como guionista.

El guión tiene un serio problema de base, ignora completamente las secuelas previas. Llegados a este punto y después del esfuerzo de universal por seguir con la historia, más allá del éxito artístico o económico obtenido con la segunda y tercera parte, debería haberse traducido en intentar dar un final digno a la historia, pero ni eso interesó a sus responsables…

Otro fallo dentro del guión, es que, una vez tomada la decisión de ignorar a sus hermanas mayores, esto no termina de quedar claro en ningún momento. El espectador duda durante todo el metraje si Norman ha pasado 30 años en un Psiquiátrico o en tres ha conseguido volver a curarse tras lo acontecido en la tercera parte, lo cual carece de sentido.

Algo que tampoco seduce mucho y menos en personajes tan interesantes como Norman Bates o Hannibal Lecter, es conocer sus orígenes. Cuanto más conocemos sobre su pasado, más se pierde la magia o el interés hacía ellos por parte del espectador.

“Psycho IV” arranca en un programa radiofónico nocturno donde el tema del día es el matricidio, tras algunas llamadas recibidas con testimonios varios por parte de los oyentes, la voz de un nuevo invitado empieza a relatar la tormentosa relación que tuvo con su madre y los motivos que le llevaron a matarla.

Para sorpresa de los presentes y tras contrastar con un psiquiatra invitado en el programa, descubren que la voz pertenece a Norman Bates, quien tras salir del psiquiátrico y rehacer su vida, ha decidido volver a matar una última vez…

En el apartado de la interpretación solo cabe destacar a Olivia Hussey en el papel de Norma Bates, madre de Norman.

Aunque en nuestra mente la madre de Norman era una mujer anciana, Stefano se tomará algunas licencias como esta a lo largo del metraje.

Henry Thomas, quien da vida a un Norman adolescente, siempre ha sido un actor muy limitado incapaz de llevar a buen puerto un personaje tan complejo como el de Bates. En consecuencia, su interpretación es floja, carente de interés y por si fuera poco, ignora a la hora de dar vida a su personaje, todos los matices con los que Perkins dotó al personaje.

Pero lo más doloroso de la película no es un mal guión o su desastrosa y torpe dirección, sino el desinterés con el que Perkins aborda y da vida por última vez a su personaje fetiche.

Su interpretación, al igual que la de Thomas, carece de matices. Hecho que choca bastante debido a que el intérprete, a pesar de haber dado vida siempre al mismo tipo de personajes, conseguía imprimirles una serie de sutiles detalles interpretativos que en esta película brillan por su ausencia.

La dirección de Mick Garris, es tan impersonal como suele ser habitual en todo aquello dirigido por este realizador experto en adaptar al escritor Stephen King.

El lenguaje televisivo impera en toda la película sin que su responsable se moleste en introducir algún tipo de detalle de calidad cinematográfica. La puesta en escena y la dirección de actores es cuanto menos ridícula, destacando de forma negativa en las secuencias de asesinatos y en el tramo final del metraje.

Siempre he considerado a Garris un artesano en la técnica de saber hacer felices a los productores, cuyas inquietudes artísticas brillan por su ausencia.

En definitiva, una cuarta parte que cierra un círculo dentro de una de las sagas de terror más interesantes de la historia del cine, pero que no está a la altura de los mínimos esperados en un producto de estas características.

La historia del joven de jersey de cuello alto, atormentado por la relación con su difunta madre, había llegado a su fin, o tal vez no… siete años después, Universal se lanzó a realizar un remake del original, pero esa historia la contaré otra noche, cuando los truenos y los rayos campen a sus anchas en lo alto del cielo nocturno…

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