jueves, 30 de agosto de 2012

Crítica: El Doctor Frankenstein

 
80 ANIVERSARIO DE UN ICONO

Este año, 2012, se cumplen 80 años del estreno de “El doctor Frankenstein” (“Frankenstein”, 1931) de James Whale y es un buen momento para recordar una película histórica y su protagonista, el monstruo clásico de Frankenstein, todo un icono del siglo XX.

martes, 28 de agosto de 2012

Crítica: Los Mercenarios 2

La de hostias que me van a caer por lo que estáis a punto de leer, solo lo se yo. Así que partiendo de semejante crónica de una muerte anunciada, me desnudo para vosotros y entrego muy cuerpo y alma a la causa. Y es que hay momentos en la vida en los que uno se enorgullece especialmente de ser un hombre, momentos en los que tan solo un hombre, con su sensibilidad masculina, es capaz de experimentar ciertas sensaciones, determinadas emociones, concretos y profundos sentimientos. El visionado de “Los Mercenarios 2” (“The Expendables 2”), secuela de la película dirigida en 2010 por el propio Sylvester Stallone, es uno de estos momentos.

lunes, 27 de agosto de 2012

Crítica: Urotsukidoji: La Leyenda del Señor del Mal

APOCALIPSIS, GEMIDOS Y ULTRAVIOLENCIA

Según antiguas leyendas, nuestro universo se compone de tres mundos o dimensiones paralelas: el de los humanos (Ningenkai), el de los demonios (Makai) y el de los hombres bestia (Jyujinkai). Las creencias también hablan de la llegada de un ser supremo, el Chojin, que cada 3000 años nace, reencarnado en un ser humano, con el objetivo de unir los tres mundos conduciéndolos a la paz y a la armonía definitiva.

El maestro del mundo Jyunjinkai tiene a su mejor guerrero, Amano Jyaku, en busca de la identidad del Chojin o Overfiend, desde hace ya 300 años.

En el Tokio actual, Amano está convencido de que el Chojin, el Dios de dioses, resurgirá del interior de un alumno de la Universidad Myojin y en su búsqueda cuenta con la ayuda de su hermana Megumi y de su siervo Kuroko. Amano sigue los pasos de un alumno en concreto, Ozaki, líder del equipo de baloncesto, egocéntrico y mujeriego, mientras que su hermana opta por seguir a Nagumo, un idiota, torpe y pervertido adolescente que espía a las alumnas mientras se cambian en los vestuarios y que está tímidamente enamorado de su compañera de estudios Akemi.

Amano Jyaku deberá encontrar cuanto antes la reencarnación del Overfiend ante la amenaza de sus enemigos, los demonios Makai, que pretenden destruirlo e impedir así la unión de los mundos. Para Sui-Kaku-Jyu, uno de los gobernantes más poderosos de los demonios, el Overfiend es el destructor de todo, mientras que para Amano es el ultra Dios de la prosperidad. Sin embargo, Amano irá descubriendo poco a poco la realidad sobre el Chojin y el destino de los habitantes de los tres mundos.

La leyenda completa no existe, se perdieron fragmentos en la división de los mundos y cada raza recuerda tan solo una parte de ella, excepto los humanos que la olvidaron por completo. ¿Será real la leyenda del Overfiend? ¿Conseguirá su propósito el guerrero Amano?

“Urotsukidôji. La leyenda del Señor del Mal” (Chôjin densetsu Urotsukidôji, 1989, Hideki Takayama) constituye uno de los más gloriosos frutos creativos germinados en el área de los dibujos animados conocidos en Japón como anime, desde que Osamu Tezuka, el padre de la moderna narración gráfica japonesa, comenzara a dibujar mangas (tebeos japoneses) en el año 1961.

Su historia se basa en el manga de título “Urotsukidôji” publicado en 1986 por la revista Wani Magazine Comics. Su autor, Toshio Maeda, es el icono más influyente del hentai –animación erótica japonesa- por ser pionero de la visión moderna del subgénero “tentáculos porno” o “tentacle rape” (violación con tentáculos). El propio Maeda desarrolla en la película funciones de guionista junto a Shô Aikawa, en donde se adaptan, por un lado, los tentáculos de los demonios y el estilo violento y, por otro lado, se suavizan las situaciones de violencia y sexo explícito del manga, así como también se modifica el diseño de los personajes, siendo comercialmente hablando más atractivos.

Este anime fue todo un fenómeno transcultural de los ochenta y principio de los años noventa consumido en masa, en ocasiones de forma marginal, no solo por nipones sino que también por adolescentes de Estados Unidos y Europa atraídos por su poder estético, su contenido desmesurado de sado-masoquismo sexual y su violencia gráfica llevados a niveles inimaginables en el campo de los dibujos animados hasta el momento. Los jóvenes encontraron en este anime y en muchos otros una forma irresistible con la que expresar sus propias inquietudes culturales y se creó alrededor de la animación y el cómic japonés un perfil de aficionado lejos del consumidor ocasional, más cercano al de un devoto totalmente entregado (el llamado otaku), que demuestra su lealtad acudiendo a festivales de cómics (algunos disfrazados de sus personajes favoritos), consumiendo todo tipo de productos relacionados (manga, anime, figuras, cartas, cromos, camisetas, videojuegos, etc.) o incluso estudiando japonés para ver los vídeos en versión original.

El anime originariamente se publicó directamente en forma de OVA (Original Video Animation), término que a menudo significa que nunca fue emitida en ningún medio de comunicación. Estos son “OVA1. Urotsukidôji. El nacimiento del Overfiend” (Chôjin tanjô hen, 1987), “OVA2. Urotsukidôji. La maldición del Overfiend” (Chôjin jusatsu hen, 1988) y “OVA3. Urotsukidôji. Infierno final” (Kanketsu jigoku, 1989). En su importación a Estados Unidos fueron recopilados a modo de largometraje, para después exportarse a Europa. La primera cinta llegó a España en formato VHS en 1992 de la mano de Manga Films conteniendo los tres primeros capítulos (de 1987 a 1989). El éxito más que considerable con el que gozó en nuestro país propició la edición de todas las secuelas animadas de la saga, dirigidas por Hideki Takayama, excepto la quinta parte y la New Saga. Estas son “Urotsukidôji II: La matriz del demonio”, “Urotsukidôji III: El retorno del Señor del Mal”, “Urotsukidôji IV: El jardín secreto” y “Urotsukidôji V” (esta última inconclusa). Todas editadas en VHS y solo las dos primeras también en DVD remasterizadas. Aun así, “Urotsukidôji: New Saga”, que replantea la trama de la primera parte de la serie con un estilo más moderno, sigue inédita en nuestro país.

Aquí varias generaciones de preadolescentes y adolescentes hablaban de “Urotsukidôji” y de El Chojin, como una peli de dibujos con sangre, sexo y palabrotas. En ocasiones se podía encontrar el VHS junto a cintas de Disney en la sección de dibujos animados de los videoclubs. Por entonces, el manga y el anime estaba en auge, en su época dorada, gracias a la emisión de “Bola de Dragón” (en algunas regiones del país llegó primero) o “Ranma ½” por TV o la edición de películas como “Akira”, “El Puño de la Estrella del Norte”, “3x3 Ojos” o “Golgo 13”, entre otras. Ni “Marco” ni “Heidi”, lo que los chavales buscaban eran los dibujos fantásticos ultraviolentos. En Barcelona, por ejemplo, la fiebre por los dibujos japoneses llegaba a niveles de epidemia, con tiendas de comics especializados por todos lados, repletas de tebeos, cintas de video y figuritas. Este auge propició la creación del prestigioso Salón del Manga de Barcelona en el año 1995.

Esta película, en concreto, ofrece violencia visceral (tortura, locura, desmembramiento del cuerpo incluyendo una automutilación, etc.); momentos propios del terror (Ozaki perseguido por demonios); combates encarnizados; fantásticos personajes como el carismático Amano, un tipo duro que le importa todo una mierda excepto su misión o los siempre excitados demonios lovecrafvianos protagonistas de transmutaciones rocambolescas (son capaces de adoptar formas corporales humanas para engañar a chicas humanas); los latigazos verbales (insultos de todo tipo nunca visto antes en los dibujos); y la veneración del pene como arma de dominación con dos funciones: el placer/humillación y la destrucción. De hecho, el pene es uno de los elementos protagonistas del film. Nunca antes se mostró una historia con tantos penes (ni siquiera en la pornografía). Decenas de penes estratosféricos y flexibles que van a parar al cielo, dotados de vida propia (algunos incluso lanzan miradas desafiantes), a los que solo les falta hablar, e incluso capaces de arrasar una ciudad entera. Otro ingrediente abrumadoramente atractivo es el erotismo: mujeres hermosas, estudiantes virginales de braguitas blancas y de chuminos rapados, los gemidos de la cinta, las situaciones voyeurs (observar por un agujero de los vestuarios de chicas o expiar desde la ventana a una pareja), los planos vaginales internos con falos penetrando y todo el sexo duro y caliente. A lo largo de la historia vemos como los humanos y los demonios comparten algunas posturas sexuales, como el misionero, el perrito, la vaquera o la felación (el Chojin en tamaño humano también las practica), aunque los segundos se caracterizan por un sexo transgresor violando humanos con el estilo “tentacle rape”. En la escena de Ozaki en su piso apreciamos la única orgía de la cinta y en el apartamento de Nagumo un intento de la postura 69. Otra práctica sexual es la masturbación que apreciamos precisamente en Megumi mirando a lo voyeur como Nagumo y Akemi intentan el 69. Y, por otro lado, en la confrontación entre Niki (un marginado, maltratado por sus padres y enamorado de la protagonista) y Nagumo observamos como Akemi es forzada por el primero a masturbarse y dejarse joder a cambio de salvar a Nagumo, atrapado bajo unas vigas.

Si la función de la pornografía o el erotismo es provocar la excitación sexual, entonces “Urotsukidôji” no se puede clasificar en este grupo, porque proporciona al espectador pocas o ninguna ocasión para estimularse e identificarse con sus protagonistas masculinos. Si el espectador puede excitarse con la visión de mujeres desnudas sometidas por tentáculos, toda satisfacción queda interrumpida viendo al mismo sujeto reventar literalmente dando lugar a una mezcla de sangre y restos óseos difícil de digerir.

Por tanto, el film muestra representaciones extremas de violencia y sexo entrelazadas con una historia fantástica de mundos paralelos, monstruos y acción trepidante, combinando todos los elementos más importantes del hentai excepto la función de excitación en el espectador. Siendo toda una verdadera prueba para nuestros sentidos, “Urotsukidôji” es deliciosamente malvada e insana y por ello ha sido objeto de censura o prohibición en muchos países debido a su fuerte contenido sexual. Además de la propia censura japonesa, en Estados Unidos y en Francia se recortaron algunas escenas y en España nos llegaron los restos.

En Japón ha estado prohibida la representación gráfica de los órganos sexuales masculinos y el vello púbico femenino, así como el coito. Para saltarse o burlar esta restricción, Toshio Maeda creó personajes (monstruos en su mayoría) provistos de tentáculos fálicos o similares, como el pene robótico, que mostraban la penetración sin vulnerar la ley, ya que no contemplaba nada al respecto. Por aquel entonces el manga hentai padecía del puritanismo de las historias típicas como las relaciones sexuales de un oficinista y su jefa, entre otras. Así, Maeda y otros autores recurrían a un nivel creativo de sugestión por ausencia o por insinuación mediante el uso de sustitutos fálicos y vaginales. En el arte gráfico japonés se observa como estos suplentes modernos son reveladores del tránsito de la sociedad agraria nipona a la sociedad industrial, adoptándose la apariencia de dispositivos tecnológicos o robóticos en lugar de estar fabricados en madera o fibras vegetales como en el pasado.

La ausencia de genitales en la pornografía japonesa es un medio gráfico de representación que usa la no-representación. La secuencia pornográfica nunca está en la imagen explícita si no en el espacio interactivo entre la imagen y el lector. Las insinuaciones son tan fuertes que la imaginación del receptor ve algo que en realidad no existe. Por ejemplo, el complejo de Lolita suele estar presente en el manga y resulta curioso como los espectadores occidentales llegan a la conclusión, por la carencia de vello púbico y en ocasiones por los pechos pequeños, de que las mujeres son pre-adolescentes o menores, reforzada esta sensación por las agudas voces de éstas y el contexto donde se les sitúa en ciertas historias. En “Urotsukidôji” la universidad parece más bien un instituto por su equipo de básquet, sus taquillas de hierro y los uniformes de los alumnos.

En la actualidad, se conservan muy pocas ediciones de “Urotsukidôji” con el corte japonés original en los que se aprecia esos raros momentos con los efectos de nebulización o con el efecto de mosaico. Hay ediciones censuradas con respecto a las escenas de violación y otras más explícitas, pero nada demasiado abierto. La escena del demonio de la primera violación, por ejemplo, está cortada en unos pocos segundos.

Al igual que sucede en otros títulos hentai, el elenco japonés que pone las voces a los personajes de “Urotsukidôji” no ha sido dado, posiblemente debido a que los actores de voz se negaron a ser asociados con el título, aunque merecen aparecer en los créditos debido al trabajo de voz que realizan, ofreciendo unas voces más ásperas de los personajes que los dobladores de otros países no han conseguido imitar. Por ejemplo, el actor de voz para Amano crea un personaje en bruto, que le da una imagen de duro chico de la calle, del que uno no se puede fiar, mientras que en la versión en inglés se le da un carácter más suave.

Con respecto al trabajo técnico y artístico del film cabe destacar todos los elementos de la línea de trabajo de color brillante y la iluminación, dotada inteligentemente con una luz suave en las escenas de amor, de contraste oscuro junto a una fuerte luz y sombras durante los combates, y una neblina general ligera en los fondos de las escenas generales de la ciudad. Quizás algunas escenas nocturnas sean un poco difíciles de ver hasta tener visión borrosa leve, pero en general los pocos defectos apreciables no quitan toda la experiencia de la película a nivel visual. El producto en general tiene una obsesiva observación por el detalle y un rico uso de los medios para representar el paisaje y los personajes. La acción se desarrolla en paisajes urbanos excelentemente dibujados tanto antes como después de la destrucción. Los combates tienen como escenarios cualquier lugar de la ciudad (el terrado de un edificio, un parque, un hospital, etc). En cuanto a los personajes, los hombres-bestia parecen seres humanos que se han hecho con un borde más áspero. Amano, por ejemplo, tiene el aspecto de un hombre adulto, pero cuando se enfurece, sus orejas puntiagudas, sus colmillos y sus uñas le delatan. Amano Jyaku es el personaje más interesante de la película, después de El Chojin, porque no es un héroe precisamente. Parece más bien un gamberro, tiene un tono chulesco y suele adoptar una actitud de “todo me importa una mierda”. Su poder es impresionante. Por ejemplo, en la escena de la violación a Akemi vemos como se encara con un demonio que le amputa el brazo. Aún herido vuelca su energía contra el Makai hasta el punto de lanzar su magia a través de su brazo arrancado. Los demonios, por su parte, se colocan en un nivel superior. Pocas veces se vio antes en un anime la inventiva con la que fueron diseñados los monstruos. Todos ellos son grotescos y todos ellos parecen tener múltiples piezas de transgresión bien para joder o bien para causar el caos y la aniquilación.

La música, las melodías y el sonido más sintetizador ochentero forman parte de una banda sonora que ha sido mimada mucho a lo largo de toda la saga por Amano Masamichi, famoso director de orquestra ganador de varios premios (“Battle Royal”). Muy recomendable la minimalista y preciosa canción final de “Urotsukidôji 2”. Las canciones finales de la tercera y de la cuarta parte son variaciones de esta misma.

ALEGORIA DE EL CHOJIN

Bajo toda esa sangre y semen que envuelve a la película, todo ese porno duro exagerado para el hastiado mercado adolescente, encontramos un conjunto de ideas muy interesantes. Primero una clara expresión gráfica y un análisis freudiano de la ansiedad (culpa e inquietud) sexual adolescente y, segundo, una reflexión sobre el tradicional miedo japonés hacia el mestizaje y el imperialismo cultural (algo común a muchas otras culturas).

Pese a que los japoneses no tienen una base cristiana de vergüenza y represión, los conflictos socio-culturales que se plantean alrededor del deseo de libertad del sexo físico son comunes a los jóvenes de todo el mundo.

En relación a la segunda idea planteada, la imagen del Señor del Mal puede suponer una analogía al imperialismo norteamericano y una crítica codificada de dicha dominación sobre la cultura japonesa, lo que implica para los seguidores estadounidenses cooperar en una crítica a su propia cultura. Así pues, mientras el Señor del Mal es Estados Unidos, la víctima es un Japón feminizado, violado y humillado. Además, la escena del Chojin lanzando rayos por las puntas de sus penes en medio de una ciudad destruida sugiere los bombardeos atómicos de Hiroshima y Nagasaki sufridos el 6 y el 9 de agosto de 1945. Precisamente después de los bombardeos Japón se rindió y supuso el mestizaje de la cultura occidental de Estados Unidos, marcada por ideas masónicas, con la tradicional nación nipona.

Asociada a esta idea, podríamos describir a El Chojin, ese Señor del Mal todopoderoso, hedonista y nihilista, como la representación del Nuevo Orden Mundial (o Novus Ordo Seclorum, es decir, nuevo orden de los siglos). En el film, el Overfiend quiere unir los mundos en uno solo como la teoría conspirativa del Nuevo Orden plantea la creación de un gobierno único.

No obstante, la aniquilación planteada en la película puede sugerir también una desintegración interna, es decir, que la sociedad haga implosión por sus propios errores y excesos, más que por una única agresión externa.

INFLUENCIAS

Sea cual sea el significado alegórico de “Urotsukidôji”, lo que si queda claro es que el leit motiv de la historia es el apocalipsis, tema que ya exploró un año antes “Akira” (1988) con la que guarda relación en cuanto a que se apela a la llegada de un ser superior que purificará el mundo. Ambos animes vienen a decir que lo que tenemos debe destruirse (la filosofía del martillo de Nietzsche) para comenzar un nuevo mundo todos unidos en paz y armonía, o lo que vendría a ser –de nuevo volvemos a ello- el Nuevo Orden Mundial.

La historia de pornografía, violencia y amor como una forma de liberación social de “Urotsukidôji” tiene sus precedentes en el teatro kabuki, con temas de erotismo y violencia muy estilizados, y en el cine japonés de los años sesenta de la llamada nueva ola como la producción “Kabe No Naka No Himegota” (“Secreto tras los muros”, 1965, Koji Wakamatsu), en la que un estudiante socialmente inadaptado se vuelve loco hasta el punto de violar, torturar y asesinar a un ama de casa inocente. Su exhibición en el Festival de Berlín de 1965 creó un gran escándalo. Precisamente, “Urotsukidôji” parece tomar de esta cinta su ambiente universitario.

Otra influencia del film es el kaiju, películas japonesas de monstruos gigantes como Godzilla. En la escena en la que luchan el Chojin y el monstruo de los océanos Mao, en medio de una ciudad devastada vemos un homenaje a este popular género.

Los verdaderos protagonistas de esta función de depravados son los espectaculares monstruos violadores provistos de decenas de tentáculos fálicos que sacian su sed con jovenzuelas llenando todos los orificios de su cuerpo y esparciendo sus diabólicas eyaculaciones de color rosa fluorescente sobre las pobres desafortunadas que en ocasiones mueren en el transcurso de este enfermizo acto interracial. El sexo explícito va de lo sucio a lo morboso, pasando por lo desagradable, pero todo ello justificado en el universo Overfiend. Las situaciones de brutalidad sexual están marcadas por el “tentacle rape”; escenas de terror en donde varias criaturas con tentáculos fálicos (normalmente monstruos ficticios) violan a personajes femeninos, en su mayoría jóvenes. La función de los tentáculos es restringir los movimientos de la víctima para poder penetrarla ejerciendo la dominación o humillación, combinado frecuentemente con el fetiche bondage. Las criaturas en su mayoría buscan placer, pero en ocasiones se dan justificaciones biológicas, depositando sus huevos dentro de la fémina para que los críe o embarazando a la víctima.

Antes de “Urotsukidôji” y de la animación pornográfica en general, las criaturas con tentáculos ya aparecieron en los dibujos y literatura erótica japonesa. El más famoso y probablemente el primero que utilizó el “tentacle rape” fue el pintor y grabador japonés Hokusai (1760-1849), creador de la palabra manga, en un ukiyo-e (grabado japonés) titulado “El sueño de la esposa del pescador” de 1820. Este grabado representa una mujer manteniendo relaciones sexuales con un par de pulpos, datado del período Edo (1603-1868) en Japón.

El género también explota los ámbitos de la blusa desgarrada y la violación fantasía, que en ocasiones son tan absurdas o fantasiosas que no tienen paralelos en el mundo real. Un ejemplo lo encontramos al principio del film, en la escena en la que la virginal Akemi es violada por su supuesta profesora, la señorita Tokami. Su traje de gimnasia se estrecha y revienta en pedacitos quedando la joven desnuda sin que nadie le haya arrancado la ropa. Estas historias de blusa-rasgadura y violación por tentáculos son más polémicas en Occidente que en Japón, donde están acostumbrados a este tipo de representación erótica.

LA SECUENCIA DE ACCIÓN: El combate por las calles de Osaka entre Amano y el demonio Suikakuy. Y la repulsiva transformación del tímido Nagumo en el bestial señor del mal, después de violar y reventar (la hace pedazos con la energía liberada al alcanzar el clímax sexual) a una de las enfermeras de un hospital.

LA SECUENCIA DE SEXO: La violación de la profesora-demonio, señorita Tokami, a Akemi al inicio de la película.

LAS SECUENCIAS GRACIOSAS: Sin pretenderlo, la película está cargada de ironía y situaciones graciosas. Los momentos de sexo extremo y gore de Nagumo demonio en contraste con Nagumo humano intentando conseguir echar un polvo en condiciones con Akemi es un ejemplo de ello.

LA FRASE: El diálogo más memorable de la película sucede cuando Megumi, la hermana de Amano, se lanza encima de Nagumo en el parque y le dice: “¡Enséñamela! ¡Enséñame tu súper polla de Chojin!”

LO MEJOR: La acción, los personajes, especialmente Amano y los demonios, la violencia sexual y los diálogos.

LO MENOS BUENO: El repentino desenlace. El final, sobrecargado de dramatismo, decepciona un poco, aunque es adecuado como antesala para las siguientes partes de la saga, dirigida a cinéfilos sin prejuicios y de mente abierta. La reacción de los personajes ante los elementos fantásticos no es creíble, como en la repentina visita de Nagumo y Akemi al mundo de Amano. Otras escenas no tienen sentido como por ejemplo cuando Nagumo visita el restaurante de los padres de Niki y se encuentra con un Makai ¿Por qué el demonio no mata al joven?


domingo, 26 de agosto de 2012

Crítica: The Dark Hours

¡Hola amigos y amigas! ¿Qué tal están?

Hoy les vengo a hablar de una película canadiense de la que tengo que decir, así de buenas a primeras y para hacer justicia frente a su nombre en español, que se trata de una película bastante decente e incluso podría decirse que es una buena película a pesar, como digo, de que su titulo en español sea “Horas de horror”. Si amigos y amigas, “Horas de horror”, tal y como lo leen, una vuelta de tuerca mas a las traducciones (o debería decir interpretaciones) de títulos. Subliminalmente el titulo induce a pensar que estamos ante un horror de película, es decir, una mierda, y que además debe ser larga de la hostia… “Horas de horror”… pero por suerte, no es así.

sábado, 25 de agosto de 2012

Sitges 2012: Selección Nuevas Visiones

 
SITGES 2012: SELECCIÓN DE NUEVAS VISIONES Y EL PREESTRENO DEL FESTIVAL

La sección Nuevas Visiones del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya presentará una amplia e innovadora selección de películas que reunirá, en el apartado de ficción como en el documental, títulos de autores consagrados así como propuestas más jóvenes y rompedoras. El certamen, que se celebrará desde el 4 al 14 de octubre, quiere contribuir a consagrar de esta manera una apuesta intergeneracional con el talento como única premisa.

Im Sang-soo, uno de los nombres más importantes del cine coreano, será el encargado de abrir Nuevas Visiones con The taste of money, un cuento gótico contemporáneo en la línea de su anterior trabajo, The housemaid, que estuvo presente en Sitges 2010. Y la clausura de la sección contará con una firma contrastada, Alain Resnais, el pope de los realizadores europeos, que demuestra estar en plena forma con Vous n’avez encore rien vu, un film vitalista que vuelve a poner en solfa la relación entre la realidad y la ficción.

Precisamente, en el apartado de ficción, la programación de Nuevas Visiones en Sitges 2012 contará con directores como Takashi Miike (con su extraordinario musical For love’s sake), Kim Ki-duk (Pieta), Guy Maddin (Keyhole) y Lou Ye (Mistery), además de propuestas triunfadoras en otros festivales, como Los salvajes, de Alejandro Fadel (muy celebrada en la semana de la crítica de Cannes); Rebelle/War Witch, de Kim Nguyen (uno de los films más destacados en el palmarés de la Berlinale); o la película de ciencia-ficción de contornos minimalistas The fourth dimension, de autoría colectiva con la participación del inefable Harmone Korine.

En el apartado documental, hay que destacar la presencia de trabajos tan esperados como Room 237, de Rodney Ascher (todo un fenómeno en Sundance y Cannes); Leonora Carrington, el juego surrealista de Javier Martín-Domínguez; Me@ the zoo, el polémico trabajo de Chris Mourkabel y Valerie Veatch; y The conspiracy, una inquietante investigación sobre las paranoias colectivas del nuevo milenio.

Nuevas Visiones también contará con apartados dedicados al descubrimiento de autores que apuesten por un formato totalmente independiente y autofinanciado, como el caso de Borja Echevarría con Mira que pelo más guay y propuestas perturbadoras y de clara vocación golfa como la relectura de La leggenda di Kaspar Hauser de David Manauli y la enigmatica Crawl de Paul China.

El preestreno del Festival, por otra parte, será “Cazador de vampiros”, dirigida por Timur Bekmambetov, producida por Tim Burton y basada en la novela de Seth Grahame-Smith. La cita será el jueves 30 de agosto, a las 22 horas, en Cinesa Diagonal de Barcelona. La sesión es una iniciativa conjunta de Fox y Sitges - Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya.
 
 

viernes, 24 de agosto de 2012

Crítica: The Moth Diaries

“A veces, con sus ojos empañados me estrechaba contra ella y sus cálidos labios cubrían mis mejillas de besos. En tales circunstancias susurraba casi sollozando:-Tú eres mía y serás mía, y tú y yo hemos de ser una sola para siempre...”

jueves, 23 de agosto de 2012

Crítica: Strippers Vs Werewolves

Vamos a ver, qué dura tarea hablar de esta película, que es un poco despropósito, pero en el buen sentido del término. Tiene mucho morro (para bien), un guión con gracia y está rodada con un presupuesto que ni para pipas, aún así una buena propuesta de gore fácil.

miércoles, 22 de agosto de 2012

Crítica: V/H/S

En las guerras, siempre hay que posicionarse, elegir un bando. Quedarse en tierra de nadie es peligroso, muy peligroso, ya lo decían los Barón Rojo hace una burrada de años en uno de los temas más grandes que ha dado el rock español. Pues bien, yo lo hice, posicionarme digo, supongo que mi aversión hacia los cambios fue un elemento fundamental para tomar partido por una de las facciones, en este caso, el formato BETA. También hay que tener en cuenta el factor emocional, algo que siempre pesa en todas nuestras decisiones. El primer reproductor de video de un servidor, fue un BETA por gracia y obra de mi progenitor, recuerdo como aquel buen hombre venía cada noche de trabajar con tres o cuatro películas de videoclub (es un tema oscuro, prefiero no entrar en detalles) bajo el brazo y hacíamos maratones nocturnas hasta altas horas de la mañana (ríete de las de Sitges). Pero en la vida, las intrusiones están al pie del día, y en una fecha aciaga, aparece en el mercado un nuevo formato de video analógico, el VHS. De la noche a la mañana, éste, le come terreno a mi querido BETA (a pesar de que la calidad de imagen no tiene nada que ver) hasta terminar por hacerlo desaparecer. Dicen que si no puedes con tu enemigo, únete. No quedó alternativa más lógica. VHS para todos, de momento. Ya le llegaría también su momento...

martes, 21 de agosto de 2012

Crítica: Parecía un Hombre Tranquilo

Buenos días tengan ustedes, cinéfilos intrépidos del máspallá. (Máspallá de mi pantalla. Yo también soy del máspallá, maspallá de las suyas)

Hoy, en este esfuerzo continuo por ampliar sus horizontes que tanto me honra, voy a presentarles a Bob el Silencioso. Bueno, a ése no, a este otro. Bob es uno de esos oficinistas grises que parece que viven de prestado. Un esquizofrénico que escapó antes de que le condenasen a pasar la vida en un psiquiátrico y que acude a su trabajo, otra condena a cadena perpetua, pertrechado de sus mejores manías. Su única esperanza es ver diariamente, durante unos segundos, a la chica nueva de la oficina, que es divina (Elisha Cuthbert, bastante bien, en todos los sentidos). Pero no, no se llama Farala, se llama Vanessa. Bob es uno de esos tipos que hunde la testuz cuando se cruza con sus congéneres, un ser asocial, acosado por los lobos que medran en su entorno a base de largarle dentelladas a su blando culete. Lo peor de vivir agachando la cabeza es que te acostumbras deprisa.

domingo, 19 de agosto de 2012

The Last Stand, Chimères, The Man With The Iron Fists, Attack of the 50 Foot Cheerleader y Lazarillo Z


Swarzy ha regresado. Arnold Schwarzenegger vuelve a ser el protagonista de una película de acción, se titula “The Last Stand” y tiene todo lo necesario para convertirse en una de las películas más taquilleras del año 2013. La cinta está dirigida por nada más y nada menos que el director surcoreano Kim Jee-woon, el que a muchos nos sorprendiera con la fabulosa “I Saw the Devil”, en lo que supondrá su debut en la industria norteamericana. Y el resto del reparto es para que se nos abran los ojos como platos: Peter Stormare, Forest Whitaker, Jaimie Alexander, Johnny Knoxville, Luis Guzman, Rodrigo Santoro, Génesis Rodríguez, y en el papel de villano: Eduardo Noriega.

The Last Stand se estrenará a principios del año próximo. Bueno, puede que el argumento no suena nada original, pero seguro que es más de lo que a simple vista parece: La historia está ambientada en un pequeño pueblo fronterizo al que llega un peligroso capo de la droga y sus sicarios huyendo de las autoridades de EE.UU. Los criminales tratarán de cruzar la frontera para refugiarse en México, pero para ello deberán enfrentarse a un veterano protector de la ley, un hombre que ha dedicado toda su vida a luchar contra los pequeños crímenes que tienen lugar en el pueblo...(me pregunto quien será?).




“Chimères” es una interesante película que nos llega desde Suiza y que trata sobre el vampirismo. Una producción independiente que retoma el lado trágico, romántico y violento que siempre ha sido asociado con la figura de los chupasangres. Olivier Beguin, el director de la cinta, intentará rescatar al últimamente tan maltratado género de los vampiros, porque en ésta cinta no habrá lugar para los vampiros adolescentes y virginales que brillan bajo el Sol, aquí Beguin nos contará con un estilo maduro y sin escatimar en sangre, cómo el vampirismo es una enfermedad realmente dolorosa. Yo cruzo los dedos para que la experiencia sea tan satisfactoria como la de “Låt den rätte komma in”.

Alexandre y Livia son una pareja suiza que se quiere tanto como en los cuentos de hadas, por lo que, aprovechando el parón laboral, comienzan unas vacaciones que no olvidarán jamás. Livia quiere rastrear sus orígenes rumanos y por ello viajan al país del este, además de para pasar unos días románticos fotografiando los hermosos paisajes; no obstante, la tragedia se ceba con ellos cuando Alexandre sufre un aparatoso accidente y tiene que ser hospitalizarlo, sufriendo posteriormente una transformación que le hace padecer una terrible sed de sangre.



El actor y miembro del grupo de hip-hop 'The Wu-Tang Clan', RZA, debuta en la dirección con “The Man with the Iron Fists”, un homenaje a las películas de Kung-Fu. Y allá donde aparezca la palabra Kung-Fu está metido Quentin Tarantino, que produce la película, y a su vez, donde anda metido Tarantino, suele andar cerca su buen amigo me Eli Roth quien ha coescrito el guión junto con RZA, vamos que sólo ha faltado Robert Rodriguez para que se juntara toda la pandilla.

Con un estilo western-oriental, grandes dosis de violencia, un sinfín de escenas de acción coreografiadas por el actor y director hongkonés Corey Yuen, y un reparto ecléctico formado por Russell Crowe, Lucy Liu, Jamie Chung, Pam Grier, Cung Le, Osric Chau, Daniel Wu, Chia Hui Liu, Rick Yune, Zhu Zhu, Byron Mann, y la estrella de WWE Dave Batista, se presenta esta película que no habrá que perderse cuando se estrene ¿cuando? pues para España aún no tiene fecha, pero en los EE.UU. llegará el 26 de octubre. “The Man With the Iron Fists” nos cuenta la historia de un herrero de la China Feudal que se dedica a la fabricación de todo tipo de armas para los habitantes de su pueblo. En el momento en que su pueblo se ve acosado por diversos clanes que quieren hacerse con el control de la zona, deberá coger sus propias armas y salir a luchar junto a todo el pueblo...



Creo que su título lo dice todo, “Attack of the 50 Foot Cheerleader” (El ataque de la cheerleader de 50 pies), se trata de una nueva versión de aquel clásico de 1958 titulado “El Ataque de la Mujer de 50 pies”, que ya tuvo su correspondiente remake protagonizado por Daryl Hannah en 1993.

El famoso director y productor de cine z, Roger Corman, hace aquí su particular homenaje al clásico de los años 50. Kevin O'Neill dirigirá la cinta, y Jena Sims encabezará el reparto junto con Treat Williams (“Deep Rising”), Sean Young (“Blade Runner”), y Ted Raimi (“Arrástrame al Infierno”). La cinta tiene previsto estrenarse en EE.UU durante este mismo mes de agosto. Cassie Stratford, una joven aspirante para animadora universitaria, consume una droga experimental para obtener más belleza y capacidad atlética con la intención de lucirse en el equipo de las animadoras. Pero esa droga tendrá un efecto secundario que no había previsto: Cassie comienza a crecer y crecer y crecer."



Mientras que la adaptación cinematográfica de “Orgullo y Prejuicio y Zombies” parece que se ha convertido en un proyecto maldito, en España nos hemos puesto las pilas y ya tenémos a la vuelta de la esquina la adaptación cinematográfica de “Lazarillo Z: Matar Zombis Nunca Fue Pan Comido”, la versión del clásico literario de el “Lazarillo de Tormes” que llevaba al pícaro huérfano a un mundo infestado de zombis.

“Lazarillo Z” estará dirigida por Jorge Molina y Zoe Berriatúa y será una producción de HispanoCine y Antena 3, y aunque se encuentra aún en fase de preproducción, hace unos días sacaron un teaser trailer muy majo que fue rodado durante este mismo verano, en dicho tráiler ya podemos ver a Carlos Bardem, Pablo Turegano y Toni Rodríguez, e incluso un cameo de Javier Botet (la niña Medeiros en “[REC]”). Pues esperamos que todo salga adelante y poder ver esta curiosa adaptación en las pantallas. Yo aún recordaré cuando llevé al Lazarillo de Tormes al cómic para un trabajo escolar, una tarea más compleja de lo que parece, pero sobretodo recuerdo la poca gracia que le hizo a mi queridísimo profesor, un señor que por lo visto sentía antipatía por las versiones libres y las viñetas, y que supongo que ahora mismo debe de estar criando malvas, tal vez le vea en la película.

Crítica: The Road

Hay CAMINOS en los que uno jamás debería adentrarse por más cantos de sirena que le susurren al oído, CAMINOS de una única dirección en los que no se puede dar marcha atrás y que solo tienen un posible destino. Fatídico, la mayoría de las veces. Uno de estos CAMINOS que conducen hacia la inevitable pérdida, es el que nos propone el filipino Yam Laranas en su nueva película “The Road”, un nuevo episodio de terror sobrenatural asiático que hurga por enésima vez en la tragedia de la muerte para abrir de par en par las puertas del más allá y hacer desfilar ante nuestros ojos a toda una fauna de grotescas apariciones, almas en pena que aferradas al dolor de un brutal desenlace, permanecen entre los vivos para unas veces, solicitar el socorro de estos, o simplemente, para regocijarse con su miedo en otras y olvidar así, por un instante, el insoportable sentimiento de envidia que les produce ver como disfrutan una vida que ellos ya no tienen.

sábado, 18 de agosto de 2012

Crítica: Spiderman 3


EL LADO OSCURO DE SPIDER-MAN

Más espectacular y explosiva, mucho más presupuesto, mas supervillanos (tres en total), más personajes (Gwen Stacy, Eddie Brock o el capitán Stacy) y más problemas para el trepamuros. La tercera entrega de la taquillera franquicia de Sam Raimi (1.600 millones recaudaron las anteriores entregas) hace que el superhéroe se vea las caras con el nuevo Duende Verde, el Hombre de Arena, Veneno y su propio y desmesurado ego. Pero, ¿”Spider-Man 3” pone el broche de oro al primer ciclo o trilogía de las aventuras cinematográficas del superhéroe de Marvel? Público y crítica coinciden en que “Spider-Man 3” no es la mejor de la saga y habría que preguntarse qué ha fallado y por qué.

viernes, 17 de agosto de 2012

Crítica: The Terror Experiment

Hoy he tenido un sueño. En él escribía el mejor guion cinematográfico de la historia. La gente me paraba por la calle solo para tocarme. Ganaba premios e iba a la televisión a contar mi triste vida pasada y de como mi intelecto me había sacado de la inmundicia en que vivía. Hasta que los ladridos del perro del vecino me han despertado y de un salto me he puesto delante del ordenador a plasmar, no el sueño, sino el guion.

jueves, 16 de agosto de 2012

Crítica: Rabies

¿Terror Israelí? Llevo días pensando en una película de terror israelí, y la verdad es que no se me ocurre ninguna..."Rabies" tiene el privilegio de ser la primera película de terror de Israel que se ha exportado (hasta donde yo sé).

martes, 14 de agosto de 2012

Crítica: Lovely Molly

En 1982, Sidney J. Furie, nos mostró la cara más erótica del terror o la más terrorífica del erotismo (según a los ojos de quien) con “El Ente”, crudo, perturbador y no menos morboso relato sobre una mujer, madre de familia, que era acosada y agredida sexualmente por un ente del más allá. Ahora, 30 años después, Eduardo Sánchez, uno de los precursores del “mockumentary” moderno después de sentar cátedra con “The Blair Witch Project”, retoma una temática, la de los espíritus o demonios acosadores de mozas, que en los últimos tiempos nos ha dejado joyas para el recuerdo tales como “Arrástrame al Infierno” o “100 Feet”. El cubano, que venía de dirigir la mediocre “Seventh Moon”, aparca de lado todos los tópicos y reglas preestablecidas del género para adentrarnos en una de esas historias que consiguen ponerle a uno toda la carne del cuerpo del revés para acto y seguido, ser acariciados dulcemente con papel de lija hasta el último rincón de nuestra anatomía. ¿como se le puede llamar a semejante experiencia? “Lovely Molly”.

lunes, 13 de agosto de 2012

Cine Argentino: "El Bosque de los Sometidos" y "La Máquina que Escupe Monstruos"

Pablo Fritzler, productor de la película independiente de terror “El Bosque de los Sometidos” (“The Flying”) que dirige Nicolás Amelio Ortiz, nos informa que dentro de muy poco la película argentina se estrenará en distintas salas alternativas y centros culturales de la ciudad de Buenos Aires, y también tiene previsto estrenarse en distintos festivales del mundo a partir de septiembre del 2012, pues estaría bien que se pasará por el Festival de Sitges.

Estamos seguros que muchos de nuestros lectores argentinos, no perderán la oportunidad de acudir a su estreno, o al menos no lo harán los más sedientos de sangre. El proyecto ya cuenta con un buen número de seguidores y es que, ha juzgar por el tráiler, “El Bosque de los Sometidos” dará que mucho que hablar. Olivia Tykocki, Emilio Martin, Juan Sebastian Alvarez Windey y Celeste Subatin protagonizan este terrorífico film independiente realizado en su totalidad por 14 personas menores de 25 años. Tras su argumento podéis ver su interesante tráiler, y aprovecho para desearles en nombre de Nido de Cuervos toda la suerte del mundo y mucho éxito.

Cuatro amigos se embarcan en un viaje por el interior del país con el objetivo de filmar una carrera ilegal que tendrá lugar en Córdoba (Argentina). Durante el trayecto, los jóvenes encuentran un misterioso castillo en ruinas dentro de un bosque y deciden investigarlo, solo para descubrir sus oscuros secretos y a los antiguos residentes...



Por otro lado y cambiando bastante de registro, tenemos otra película argentina titulada "La máquina que escupe monstruos y la chica de mis sueños”, un largometraje co-dirigido y co-escrito por Diego Labat y Agustin Ross Beraldi. Se trata de una comedia romántica de ciencia ficción y la primera película argentina pensada y producida para internet.

Diego Labat, director de la película, se ha puesto en contacto con Nido de Cuervos y nos ha invitado a verla on-line a través de su página web, el caso es que "La máquina que escupe monstruos y la chica de mis sueños”, lleva ya más de 15 mil espectadores, y eso sin ningún tipo de publicidad. Ciencia ficción, teatro del absurdo y algo de lenguaje televisivo, son sólo algunas de las sorpresas que os esperan en este film de hora y media de duración y que podéis ver de manera totalmente gratuita en: http://www.lamaquinaqueescupe.com.ar. Tras la sinopsis os dejo el tráiler.

Dos amigos descubren una máquina que graba sueños. Sin embargo, cada uno ve en ella una oportunidad diferente: Ricci pretende utilizarla para resolver un triángulo amoroso entre su novia perfecta y un nuevo interés sentimental, mientras que Lee la ve como una forma de ponerse a la altura de su hermano "genio". Paralelamente, un hombre descubre que el guionista de su vida ha muerto, razón por la cual lleva una vida tan monótona. También hay un monstruo, pero ya se pone demasiado complicado esto...

Crítica: Amanecer Parte I


SEXO Y SANGRE

Estamos ante el principio del fin. La saga Crepúsculo, basada en las novelas de Stephenie Meyer, llega a su conclusión en “Amanecer”. Debido a la extensión del último libro (alrededor de 750 páginas) y siguiendo el ejemplo de “Harry Potter, Las reliquias de la muerte”, la cuarta adaptación al cine se divide en dos partes.

sábado, 11 de agosto de 2012

Dos chicas muy calientes: "First Date" y "Frogz Legz"

Estamos bajo una ola de calor, en casa los ventiladores y el aire acondicionado funcionan al máximo, las piscinas y las playas parecen un hervidero humano, bebemos líquidos, nos escondemos del Sol, nos duchamos con agua fría...pero el calor sigue ahí, metido en nuestros cuerpos, y aquí os traigo un par de cositas que, por si no teníais suficiente, seguramente os harán pasar un poquito más calor...

Para comenzar, “First Date” un cortometraje de tres minutos de duración que, como bien indica su título, trata sobre las primeras citas, las primeras y normalmente desastrosas citas. Lo dirige la joven Blair Richardson, una chica que lleva haciendo labores de producción desde la temprana edad de 13 años (va en serio), y que ahora ha comenzado a escribir sus propias historias y a dirigir sus propios cortometrajes. “First Date” no causará una revolución en el mundo de los cortometrajes, pero tiene su gracia y para haber sido grabado en un par de días, les ha quedado bastante apañado. Actualmente está paseándose por algunos festivales de cine mientras Richardson aprovecha la ocasión para buscar un buen equipo que se encargue de los FX de su próximo trabajo titulado “Kitty, Kitty” (si Blanch, esto irá de chicas y gatos...). A continuación os dejo el corto enteríto:



La otra sorpresa es el tráiler de “Frogz Legz”, una cinta de horror con toques de comedia que se mete de pleno en la típica fantasía sexual que tienen muchos chicos adolescentes, especialmente norteamericanos, me refiero a conocer a una chica europea totalmente desinhibida que les haga perder la cabeza y su virginidad. Pues aquí contarán la historia de un grupo de ingleses que van a un intercambio con estudiantes franceses, oh la lá!, a un pueblo pueblo remoto. Y claro, allí conocerán a muchas chicas francesas, lo que ocurre es que tal vez las chicas europeas somos más raritas de lo que se piensan, porque parece que lo que quieren es crear una nueva raza con ellos. Vamos que esto podría ser la versión teen de “Species”.

“Frogz Legz” estará dirigida por Corin Hardy, un tipo con bastante experiencia haciendo diseños, grabando promos, cortos y videoclips para gente como “The Prodigy”, “The Horrors” o “Keane”. Aquí os dejo el tráiler, y no os olvidéis de beber, y tampoco hagáis actividades que requieran mucho esfuerzo físico, que tanto calor no puede ser bueno...

viernes, 10 de agosto de 2012

Crítica: Babylon A.D

En un futuro próximo en el que la humanidad vive en completa anarquía, un mercenario de la guerra de los Balcanes, Hugo Cornelius Toorop (Vin Diesel), es contratado por la mafia de Europa del Este para que traslade a una misteriosa joven, Aurora (Mélanie Thierry), recluida toda su vida en un convento, desde Asia hasta Estados Unidos y la entregue a una orden religiosa (los neolitas).

jueves, 9 de agosto de 2012

Crítica: Castigo Sangriento (Detention)

Ingredientes: Una tableta de tripis, una bolsita de hongos, una caja de metanfetaminas, algunos kilos de maría y si todavía existen, algún micropunto. Resultado: Un viaje en busca del dragón. Pero esta vez dejaremos que Puff se quede jugando debajo del mar y cogeremos toda esta mezcla, añadiremos muchos años de tragarnos cine y como resultado tendremos "Detention" y es que una mente despejada es imposible que haya parido tal película.

No es ningún viaje alucinante al fondo de nuestras mentes que nos haga pensar hasta estrujarnos todo el jugo. Nadie oirá nuestros gritos de terror ya que tampoco da miedo, ni lo pretende. Tampoco es ningún sucedáneo a esa película titulada "F" que nos sorprendió a algunos por su crudeza y asqueó a otros por dejarlos indiferentes. "Detention" es simplemente una película de ciencia-ficción cómica donde parece que nada tiene sentido pero que al final se van juntando todas las piezas.

Se estrena una película: Cinderhella. Una mezcla de "Saw" con los serial killers. Y mira por donde que alguien se hace pasar por la tal Cinderhella para cometer asesinatos ¿Os suena? Pero tranquilos, porque después de esta introducción y de la intro la película cambia radicalmente. Y lo que parece que nos encontraremos con el típico slasher se convierte en un torbellino de pequeñas historias que todas van a para al mismo sitio. A la sala de Detención. Y a una muy especial!!!

Con una presentación muy original, que ya te entra buen rollito, se nos presenta un instituto con lo que serán los protagonistas de la película: el skater guapo, la chica que está enamorada de él, la tía buena novia del skater, el matón, el chico que está enamorado de la chica que está enamorada del skater, el cerebrito… Vaya que todos los estereotipos están ahí pero están tan bien presentados que son la ostia. No tengo ninguna vergüenza al decir que es la mejor presentación que he visto en muchísimo tiempo.

Y no solo nos tenemos que quedar con la presentación, ya que el guionista y el director hacen un tour de force con mil referencias a los 90, la cultura pop y su música, a películas que marcaron a una generación de teens como "Scream", "Regreso al Futuro" o el masivo visionado de slashers de la época. Técnicamente es impecable, desde la dirección, el vestuario, la música y por primera vez se nos presentan a adolescentes dentro del papel de adolescentes. Es decir no cogen a gente de treinta años para interpretar a jovenzuelos y lo que más sorprende es que lo hacen de maravilla.

Es una historia en mayúsculas. Una historia contada por muchas historias. Nada parece tener sentido pero al mismo tiempo todo cuadra y al final aunque un poco flojo hace que te levantes, en mi caso de la cama, y te pongas a aplaudir por parir una película como esta. Y es que hacía tiempo que no me lo pasaba tan bien.

¿Pero que coño estás contando de las historias dentro de historias? Pues eso. Los personajes, más allá de los estereotipos que he mencionado más arriba, tienen su propia historia que es contada de manera maravillosa. Cada cual más paranoica o absurda, la del oso que hace viajes en el tiempo o el chico de la tele en la mano son dos claros ejemplos de cómo reinventar el cine adolescente sin repetirse una y otra vez.

Por primera vez, dejaré de hacer una crítica que podría estar escribiendo folios de ella, examinando cada uno de los detalles que se narran (ojo a los aficionados a "La Mosca") pero eso sería estropear la sorpresa que algunos os llevaréis. Aunque creo que también habrá muchos que me odiaréis por semejante recomendación. Pero me da igual, insultarme y despreciarme que yo seguiré en mis 13 y reafirmo que "Detention" es lo más original que he visto este año. Una reinvención absoluta del cine de institutos. Un referente para la nueva generación. La putada es que como muchas veces pasa a ver si será distribuida algún día como se merece.

Para terminar un detalle: fue presentada en el último certamen del Festival de Sitges e incluso leí que la repusieron en otra jornada por las buenas críticas que recibió. Aunque no hago mucho caso de las críticas masivas esta vez estoy totalmente de acuerdo. Así que chicos ya sabéis ¡a por ella! Os aseguro que acompañareis a los protas al pasado y os dejareis llevar por el espíritu adolescente que todavía está dentro nuestro esperando salir. ¡Ahora es el momento de soltarse!

Lo mejor: Las historias pequeñas de cada uno, y como van cuadrando dentro del marco general. Una historia impecable digna de ser elogiada.

Lo peor: Puede que un final un poquitín flojo y absurdo. Pero se le perdona por la diversión que se nos ha ofrecido anteriormente.

miércoles, 8 de agosto de 2012

Crítica: Mortal Kombat

“¡¡¡MORTAL KOMBAAAAAAATTTTTT… TIRI-TIRI TIRI-TIRI TI-TI, TIRI-TIRI TIRI-TIRI TI-TI, TIRI-TIRI TIRI-TIRI TI-TI, TI-TI TI-TI TI… MORTAL KOMBAAAAAAATTTTT!!!”

Si hay algo por lo que recordar a “Mortal Kombat” (Paul W. S. Anderson, 1995) sin duda es por su machacante canción (Theme From Mortal Kombat). Tal vez porque el resto del film no es inolvidable.

martes, 7 de agosto de 2012

"Boneboys", una nueva matanza caníbal

Un par de largos años han pasado desde que se supo que Kim Henkel, productor y co-guionista de “La Matanza de Texas”, iba a llevar a la gran pantalla el conocido ensayo “A Modest Proposal” (“Una Modesta Proposición”) que escribió el irlandés Jonathan Swift (“Los Viajes de Guilliver”) en 1729, y en donde el autor recomendaba, con mucha ironía, la ingestión de bebés como posibilidad para afrontar una etapa de escasez alimentaria. En la obra, Swift proponía una solución para los campesinos que no podían mantener a sus hijos, por estar sujetos a explotación por parte de los terratenientes: Vender a sus hijos para ser alimento de los ricos.

Pues ha pasado el tiempo y ya tenemos aquí el póster, el argumento y hasta el tráiler de esa película que nos vuelve a llevar a Texas, que se inspira en el famoso cuento sobre el canibalísmo y que promete convertirse en una de las más esperadas y más aplaudidas por los amantes del género. Su título es “Boneboys” y efectivamente cuenta con un guión de Kim Henkel, un hombre que no solo trabajó junto Tobe Hopper para crear aquella obra que marcaría un antes y un después no sólo en el cine de terror, sino en el cine en general, “La Matanza de Texas” (1974). Kim Henkel también escribió el guión de su secuela, “La Matanza de Texas 2” (1986), por si fuera poco se encargó de dirigir y escribir la vapuleada “La Matanza de Texas: La Nueva Generación” (1994), y además trabajó en el guión y la producción del remake que realizó Marcus Nispel de “La Matanza de Texas” en 2003. Entonces, ¿hay alguien más involucrado en el mundo de “Texas Chainsaw Massacre” que este hombre? Pues yo lo dudo.

“Boneboys”, estará dirigida por el tándem Duane Graves y Justin Meeks, dos tipos que ya habían trabajado juntos con Kim Henkel en una curiosa película que supuestamente se basaba en hechos reales que se titulaba“The Wild Man of the Navidad”, y que iba sobre una criatura tipo bigfoot que aterrorizaba a los habitantes de un pueblo de Texas. A los seguidores de “La Matanza de Texas” les gustará saber que Ed Neal, el que hacía el papel de autoestopista y John Dugan el de abuelo, tendrán un cameo en “Boneboys”. Mientras que Bill Johnson, el Leatherface de “La Matanza de Texas 2” (1986), interpretará a Mr. Grimm, un panadero que se dedica a atraer a inocentes a su tienda.

“BoneBoys” se ha estrenado en el Fantasia International Film Festival que se está celebrando actualmente en Montreal.

Abajo tenéis el tráiler, y pintar, pinta muy bien. Sant Antonio, Texas. Cuatro jóvenes se ponen en marcha para celebrar un cumpleaños, su plan es pasarlo en grande e ir a cenar a un restaurante de lujo. Hasta que Sissi, su hermano Mikey, y sus dos amigos, Kenny y Barbie se topan con un extraño grupo de tipos conocido como los BoneBoys. Pronto descubrirán que se trata de un grupo de caníbales, que se le alimentan de carne humana, viva o muerta, y que ellos se encuentran en su cota de caza...

sábado, 4 de agosto de 2012

Crítica: Prometheus

Los orígenes. Ese es el destino programado para el nuevo viaje interestelar que nos propone Ridley Scott 33 añós después de que se estrenase “Alien: El Octavo Pasajero”, una de las joyas por antonomasia del cine fantástico, posiblemente, la mayor comunión entre terror y ciencia ficción que haya dado el séptimo arte. Y cuando hablo de orígenes, no lo hago tan solo de los de la mítica criatura diseñada por H.R Gigger, no olvidemos que estamos ante una precuela que transcurre muchos años antes a lo acontecido en el filme de 1979, sino también a los nuestros, a los del propio ser humano. ¿De donde venimos?¿Porqué estamos aquí? ¿Existe realmente la figura de un creador? O lo que es lo mismo, ¿Quienes somos? Estas son las preguntas que Scott plantea como premisa para su nueva y esperada nueva incursión en una saga, que recibiera el bautismo de fuego hace tiempo ya de sus propias manos.

Crítica: Alien: El Octavo Pasajero

Tras cumplir su última misión, la nave NOSTROMO regresa a la tierra. El silencio, junto con la tranquilidad y la oscuridad reinan en sus largos y solitarios pasillos, mientras sus siete tripulantes descansan en sus cápsulas criogénicas.

El ordenador de la nave, llamado MADRE, les despierta. Los siete pasajeros creen estar llegando a su planeta de origen, pero tras hacer unas breves comprobaciones, descubren que se hallan muy lejos de su destino.

MADRE, siguiendo las directrices de acción de la compañía WEYLAND YUTANI, se ha desviado de la ruta original al localizar una señal de auxilio desconocida para que los tripulantes vayan a investigarla.

Crítica: Aliens, El Regreso

Muchas personas se llevan las manos a la cabeza cuando leen términos como “remake” o secuela, yo no soy una de esas personas. Si no se realizaran “remakes” y/o secuelas, nos habrían privado de joyas como ‘El Padrino. Parte II’ (‘The Godfather. Part II’ Francis Ford Coppola, 1974), ‘La Cosa’ (‘The Thing’, John Carpenter, 1982) o esta magnífica epopeya de ciencia ficción que es ‘Aliens, el regreso’ (‘Aliens’, James Cameron, 1986), a partir de ahora omitiré el sobrante y ridículo subtítulo que le colocaron en nuestro país.

Crítica: Alien 3


MONTANDO UN RAJOY

¿Sabéis lo que pasa cuando se quiere dirigir el ataque de un ejército a través de las instrucciones que dicta un lorito, jartito de ron, al oído del general en cuyo hombro se encuentra tambaleante y cómodamente posado? ¿Que no lo sabéis? Pues ya os lo digo yo: Lo que pasa es Alien 3. Ni más ni menos. Vamos, que se monta un Rajoy con tós sus muetos canos. Ya entenderéis.

Crítica: Alien Resurrection

Informe de la nave NO-comercial Nido de Cuervos, informa la oficial Darkotica. Los demás miembros de la tripulación, Missterror, Ted, Blanch, Sepulturero, The Wrong Girl, Ash, Norman, y el Rector, están de juerga. La nave y el cargamento están siendo víctimas de un guateque, repito, están siendo víctimas de un guateque. Debería llegar a la frontera dentro de seis semanas. Con un poco de suerte, las patrullas podrán recogerme y sacarme de este infierno (esto comienza a parecer la puta rave de “Matrix Reloaded”). Ha informado Darkotica, última persona sobria del Nido de Cuervos, fin del informe.

jueves, 2 de agosto de 2012

Nido de Cuervos Entrevista a Adam Rehmeier

Tras la polémica suscitada con "The bunny game" (ver crítica) Nido de Cuervos tuvo la oportunidad de ponerse en contacto con su director, Adam Rehmeier para que nos resolviera ciertas dudas y de paso, hacerle unas cuantas preguntas más. No os perdáis su esclarecedora e interesante entrevista (read interview in english).

NDC- Siempre me gusta empezar las entrevistas, haciendo una pregunta :¿Podrías definir tu obra con una sola palabra? Define THE BUNNY GAME, con una sola palabra...

IMPLACABLE

NDC- ¿Podrías explicarnos tu motivación a la hora de construir la historia de THE BUNNY GAME?

A.R.-Mi motivación para hacer THE BUNNY GAME fue, en realidad, una excusa para colaborar con Rodleen Getsic en un proyecto cinematográfico. Fue un proyecto personal, lleno de espontaneidad y de exploración. Fue una oportunidad para poder tocar música juntos, pero en lugar de instrumentos, utilizamos una cámara y vestuario.

NDC- ¿ Cómo comenzó la alianza Adam-Rodleen?

A.R.-Después de conocer a Rodleen en el año 2000,quedaba con ella de vez en cuando , o nos veíamos en los shows en Los Angeles. Los dos hacemos música, así que decidimos colaborar y hacer algunos temas. Poco a poco, fuimos integrando la fotografía en nuestros experimentos, lo que nos llevó a la idea de hacer algún tipo de película. En 2006, pasamos mucho tiempo elaborando ideas en La Conchita, y más tarde haciendo algunas sesiones de prueba en Topanga Canyon y volando casas de invitados de Hollywood. Originalmente, habíamos planeado hacer una película con Gregg Gilmore, quien se retiró en el último momento y envió el proyecto al limbo durante varios años. No fue hasta alrededor de Halloween de 2008, cuando comenzaríamos la producción de THE BUNNY GAME.

NDC-¿Cómo viviste la preparación de Rodleen para enfrentarse a Bunny? Me refiero a que ella estuvo 40 días privada de comida. ¿Crees que esa expiación era necesaria?

A.R.-El proceso preparatorio de Rodleen para la película fue único y totalmente personal. Yo nunca sería capaz de durar como lo hizo durante cuarenta días, simplemente no hay manera. Ella es un espíritu muy fuerte. En realidad, ella sólo pensaba en un ayuno de un ciclo de la luna, eso fue en principio, pero nos encontramos con un pequeño problema con la financiación y la resolución de las fechas, y no fuimos capaces de filmar sus escenas hasta que no había pasado 40 días de ayuno. El proceso lo hizo muy conscientemente de lo que hacía. La escena en la que se está comiendo la patatas fritas fue realmente el primer alimento que comió en cuarenta días!

NDC-¿Crees que Rodleen ganó a Bunny?

A.R.-No estoy muy cómodo contestando algo que pueda ser tomado como un spoiler. El proceso de visualización es muy subjetivo, así que creo que esa interpretación es algo que solo le corresponde al espectador.

NDC-¿Qué representa Hog?

A.R.-Hog es una fuerza depredadora de la naturaleza. Es un agujero negro que se mueve rapidamente, es un tiburón que no para de masticar. Es el camino al abismo.

NDC- Hablemos de género. Yo soy incapaz de encontrar una palabra que define el género en el que se puede clasificar THE BUNNY GAME, y entendiendo que no debería ser necesario, también entiendo que algunas personas necesitan un tipo de referencia para acercarse a THE BUNNY GAME . Así TBG también ha sido definido por algunos lectores y miembros del equipo de NDC como un torture porn, por la aparente falta de argumento de la segunda parte de la película. ¿Podría darnos su opinión honesta sobre este tema? ¿Te sientes incómodo con las etiquetas?

A.R-Decir que THE BUNNY GAME es un torture porn es limitarlo bastante. Rodleen y yo nunca nos propusimos hacer una película que pudiera ser clasificada como Torture porn. Creo que es más fácil para algunas personas meterlo dentro en esa categoría, pero muchas de las personas que necesitan una definición en realidad no han visto la película. Creo que mi análisis favorito de la película lo hizo James Brown III, quien contribuyó en la banda sonora. Él la definió como " GORE PSICOLÓGICO". En mi mente, él lo logró! Espero que sea lo que más pegue!

NDC-¿Crees que el sufrimiento puede ser combatido con mas sufrimiento?

A.R.-En muchos sentidos, Bunny está muerta desde el inicio de la película. Ella es sólo el cascarón de un ser humano, atrapada en un bucle de cocaína, la prostitución y alimentos fritos. Ella ya da su últimos coletazos, apenas presentes está presente en el mundo. Flota como un fantasma a lo largo de toda la ciudad. Su secuestro y el sufrimiento a manos del camionero poner de manifiesto sus habilidades de supervivencia animal. De repente, ella es hiper-consciente de todo, y lucha por la vida. Su terrible experiencia la obliga a volver a la realidad, aunque es una situación bastante triste.

NDC-¿Fue complicado dirigir escenas con sexo tan explícito?

A.R.-Yo diría que ninguna parte del proceso fue complicada, sino que toda la experiencia fue emocionalmente agotadora. Yo sólo filmaba una vez cada escena, ya que era imposible de repetir la acción y esperar que el impacto emocional fuera el mismo, por no hablar de los problemas que surgen continuamente cuando a un actor se le marca o que tienen que rapar su cabeza . Realmente fue un proceso intuitivo. Rodleen y yo fuimos muy pacientes y no nos apresurábamos en todos los aspectos de la producción. Establecimos la atmósfera y eso permitió que las cosas se manifestaran a su manera y con su ritmo.

NDC-¿Por qué escogisteis el uso de imágenes en blanco y negro?

A.R.-El blanco y negro desnuda todo a un nivel primario en THE BUNNY GAME. Quita todas las señales visuales psicológicas asociados al color y centra la atención en la acción de la película.

NDC- Obviamente, la música en THE BUNNY GAME es un personaje mas que marca situaciones y sensaciones. ¿Qué relevancia le diste a la banda sonora en esta película? ¿Te asfixió tanto a ti la música como lo hizo con el público?

A.R.-La banda sonora es increíblemente importante para mí, ya que es la mitad de la experiencia. Después de terminar le edición, comencé a grabar la banda sonora con la voz de Rodleen y el instrumento principal. Grabé la música ambiental yo mismo, usando una combinación de métodos analógicos y digitales, pero yo no estaba contento en algunos aspectos, así que solicité la ayuda de HARASSOR, una banda local, que terminó contribuyendo en varios temas. Su música realmente ayudó a establecer la actitud de Bunny, desde el principio de la película.

NDC-¿Es mejor sugerir o mostrar?

A.R.-Depende de lo que se esté tratando de lograr. Obviamente, dado que la violencia en THE BUNNY GAME no fue falsificada en modo alguno, consideramos que es importante mostrar. Eso le da a la película una sensación diferente, a veces rompiendo una pared con el espectador, ya que su cerebro sabe la diferencia entre un tiro de FX y la violencia real. A pesar de que no hay sangre en la pantalla o gore, el factor de retorcimiento es elevado por la visión y los sonidos del dolor real.

NDC-El final de la película puede ser interpretada de diferentes formas...¿Fue tu intención mostrar un poco de esperanza?

A.R.-No estoy seguro de que haya mucha esperanza en el final de la película. Para mí, solo queda el alivio de que la película ha terminado y que el bombardeo de negatividad ha cesado.

NDC- ¿Puedes hablarnos de tus próximos proyectos?

A.R.-En este momento estoy terminando la post-producción de mi segundo largometraje, JONAS, protagonizado por Greg Gilmore. La película es una adaptación libre del relato bíblico de Jonás y la ballena. Después de acabar misteriosamente en una playa desolada, Jonas Nuckolls viaja a Los Ángeles, donde va de puerta a puerta, revelando un poderoso mensaje a todos los que se encuentra. Tiene poco que ver con THE BUNNY GAME, pero no te preocupes, tengo más locura de género en el horizonte.

Muchas gracias por dar a Nido de Cuervos la oportunidad de entrevistarte. Quiero felicitarte personalmente por THE BUNNY GAME, una película que me ha sorprendido, me ha revuelto, y me ha impactado de una manera especial. Felicito tu valentía por tomar el camino que tomaste en una película que sabías que no sería fácil, y que podría no ser entendida incluso por aquellos que aman las películas de terror. Ha sido un placer Adam!!!