Nido de Cuervos. Cine Fantástico y de Terror.

"7500" de Takashi Shimizu, la maldición en pleno vuelo

2012-02-01T19:28:00.001+01:00

Hoy ha salido el primer tráiler de la nueva película del japonés Takashi Shimizu, quien se diera a conocer con “La Maldición” (Ju On, 2002), y debo decir que apunta muy buenas maneras. Se titula “7500”, es una cinta de terror sobrenatural donde nos contarán una nueva pesadilla en pleno vuelo Los Ángeles – Tokio, 10 horas de vuelo, 273 pasajeros… y un problema bastante gordo.

La cinta ha sido escrita por Craig Rosenberg, un tipo que trabajó como guionista para la serie “Perdidos”, así que conoce muy bien esto de los vuelos accidentados. Algunos de los pasajeros y tripulantes serán caras conocidas, como la de Ryan Kwanten (“True Blood”, “Red Hill”), Amy Smart (“Mirrors”), Leslie Bibb (“Iron Man 2”), Jamie Chung (“Sucker Punch”), Nicky Whelan (“Halloween 2”), Christian Serratos (“Crepusculo”), Scout Taylor-Compton (“Halloween: El Origen”), y Johnathan Schaech (“ChromeSkull: Laid to Rest 2”).

Como os dije, la trama de la película tendrá lugar en un vuelo a través del Océano Pacífico en el que, tras la muerte de un pasajero, comienzan a pasar sucesos extraños ¿fantasmas tal vez? Pues no tengo ni idea, lo que está claro es que serpientes no son y en los aviones ya hemos tenido de todo menos fantasmas y quien mejor que Shimizu para embarcarlos en su interior. CBS Films estrenará la película el 31 de agosto en los cines de Estados Unidos. Por el momento no hay fecha para su llegada a los cines españoles.

Volando sobre el Oceano Pacífico, los pasajeros del vuelo 7500 de Vista Pacific pasan las horas en total calma, algunos durmiendo, otros conversando o escuchando música, sin preveer que se encontrarán con una extraña fuerza sobrenatural que iniciará una masacre en pleno vuelo…

Crítica: Beneath The Darkness

2012-02-01T13:52:00.002+01:00

Bonita noche estrellada en la comunidad de Smithville, Texas. Que entrañable momento este, un hombre paseando a su mejor amigo, es decir, a su perro, mientras este aclara o intenta aclarar sus ideas en tan ceremonial momento, el perro digo, el hombre, ni puta idea de lo que está pensando. ¿Cómo estropear semejante instante de comunión con la naturaleza? Semejante momento de extrema intimidad bajo el manto de las estrellas… fácil, muy fácil. Atentos. Por detrás se acerca una tercera persona, ¿sus intenciones? No se sabe, no se intuye, sigamos andando, sigamos corriendo en este caso, pues un camino lo hacen los pies, veamos hasta donde llegamos. Esta tercera persona no aminora la marcha, sabe lo que quiere y andará todo lo que sea necesario para conseguirlo. Dicho y hecho. Llega a la altura del hombre y del perro. Buf! Tranquilos joder, no hay motivo para alarmarse, la tercera persona en cuestión no es ninguna amenaza (esto lo piensa el hombre, el perro no las tiene todas consigo, le mira con desconfianza, duda), es el puñetero Dennis Quaid ("Legion") en chandal, ¿podría haber algo de malo en ese? ¿Puede imaginarse más reconfortable estampa? Por que Dennis Quaid nunca hace de malo, NUNCA. Además, en este caso en particular, el tipo es poco menos que un héroe nacional de esta tranquila comunidad Tejana, mojaba las braguitas de las féminas en el instituto con sus habilidades como quarterback antes de ganarse el eterno agradecimiento de sus clientes dirigiendo la funeraria local… imaginad el disgusto de sus vecinos cuando al pobre Quaid se le murió la parienta hace cosa de dos años, cosa que por otro lado se entiende, si el bueno de Dennis era reincidente a la hora de vestirse con semejante chandal… se han roto matrimonios por mucho menos. “En esta vida ya lo he visto todo, ya me puedo morir”, pensaría ella.

El caso, dejando de lado banales especulaciones, es que el encuentro nocturno parece en principio, por que las cosas NUNCA son lo que parecen, una reunión inocente, sin malicia alguna (a todo esto, el perro sigue con la mosca en la oreja, pues todos sabemos el destino que suelen correr los de su especie en las películas de terror, él, el primero). Hablan de cosas de vecinos, bla, bla, bla. Todo bien. Por si sola, la horrenda visión del chandal de Quaid, no es motivo de alarma. Ahora, cuando el tipo se saca una pistola de la entrepierna y amenaza a su sorprendido vecino, la situación ya comienza a oler a chamusquina (¿habrá algo más desagradable que el olor a chamusquina?). El vecino, como buena persona que es, teme más por la integridad de su socio canino, que por la propia suya y en un acto de bondad extrema, le grita que se vaya, que regrese a casa. El perro, aun siendo el mejor amigo del hombre, de tonto no tiene un pelo y el combo chandal/pistola, tiene muy mala pinta, así que patas, para que os quiero, allá te apañes.

El caso, nuevamente, es que el vecinillo, acaba enterrado vivo muy al estilo de las viejas películas de la Hammer de muy malas maneras y con peores modales, por un inesperado Dennis Quaid reconvertido al lado oscuro… aunque en chandal azul cielo en lugar del riguroso y habitual negro. Se lo perdonamos, pues no está habituado ha dicho rol.

¿Por qué tanto esmero en destripar el virgen amanecer de “Beneath the Darkness”? Pues por que joder, ¿Quién coño iba a creerse sin tales explicaciones, que Quaid es el malo de la película? Bueno, por eso y por que en realidad, este pequeño prólogo, es de lo poco que realmente, vale la pena mencionar de la película del argentino Martin Guigui, quien para ser sinceros, no da la sensación, después de visionar su obra, ni de que el tipo se haya exprimido mucho las neuronas para la ocasión, ni que sea un ídem especialmente escrupuloso, lo que si espero, es que después de la experiencia, haya roto cualquier relación con su guionista, Bruce Wilkinson, por que lo de este si que tiene delito joder, por que la genialidad de este, se limitó a ver “The Shortcut”, sobre la cual, tristemente hablamos por aquí en su momento, y ocurrírsele la maravillosa idea, de que lo único que le faltaba a la cinta de Nicholaus Goossen para llegar a la excelencia, era la presencia de Dennis Quaid haciendo de villano. Como dijo aquella: “Mother of God”.

¿Qué? ¿Cómo? ¿Qué no habéis visto “The Shortcut”? No hay problema. Yo os explico así muy por encima de que va “Beneath the Darkness”: La curiosidad mató al gato (es una peli de terror, algún animal se tenía que lastimar). Es decir, unos jovencitos curiosos, que husmean donde no debían y descubren un aterrador secreto que les costará muy caro, poniendo incluso sus vidas en peligro, por que para una vez que Dennis hace de malo, “voy a ser malo de cojones”, pensaría el tío. Y vaya. Por que la historia es una mierda, quiero decir, una caca. Pero el malo, es malo, MALO. Y los otros, son tontos, TONTOS. Nosotros, como espectadores, no lo somos tanto (algunos, por lo menos) y a eso de media película, algo antes los más espabilados, ya tenemos claro que lo que estamos visionando, es una comedia, pura y dura. Y que sin ninguna duda, el mejor registro del señor Quaid, se encuentra en dicho género. Aquí lo demuestra. Uno puede pensar al principio, cuando todavía no tiene claro que está viendo una comedia, que aquí el amigo del chandal azul, quizá, igual, podría ser, esté sobreactuando un poquito. ERROR. Pues el sabe desde el principio que esto, es una comedia y por todos los diablos, el tío ahí, lo clava. Que grande, para que luego algunos digan que este es un mal actor. Si al final de la historia, con el sorprendente giro final, que nos dejará sin respiración, pegados al asiento como si acabásemos de despegar hacia las estrellas, incluso llegamos a entender por que su personaje es como es, hace lo que hace, incluso llegamos a sentir lástima por él e identificarnos con su situación, con sus sentimientos y esto si, es mérito de aquel guionista brillante (dale otra oportunidad Martin, las cosas hablándolas, a veces se solucionan).

Ese chandal azul va a ser el epicentro de todas y cada una de mis fantasías sexuales de aquí en adelante y por el resto de la eternidad: Todo lo que tiene que ver con el personaje de Quaid, nunca, y digo NUNCA, una interpretación tan lamentable, fue tan maravillosa e inolvidable. Su buena banda sonora (aunque algo sobreactuada también), la chica protagonista, que es mona (a pesar de ser rubia), que el perro no muere y su secuencia final, sencillamente, hilarante.

Esa visión del chandal azul me va a quitar la apetencia sexual por el resto de los días y muy a pesar, de las muchas utilidades que se le puede dar a la crema con Aloe Vera: Vale también aquí todo lo dicho sobre Quaid y por supuesto, la historia y el guión, lamentables y carentes de cualquier tipo de interés… más allá del chandal azul, claro.

Crítica: El Monje

2012-02-01T13:12:00.000+01:00

El caso de Dominik Moll me resulta curioso. Primero realizó la estupenda ‘Harry, un amigo que os quiere’ (‘Harry, un ami qui vous veut du bien’, 2000), una película cargada de mala leche y mucho humor muy negro con un impresionante Sergi López en la cúspide de su carrera. Junto a éste se encontraba otro buen actor, Laurent Lucas, dándole la réplica al bueno de Sergi.

A continuación realizó ‘Lemming’ (‘Lemming’, 2005), un extraño relato de suspense y atmósfera muy enrarecida donde Charlotte Gainsbourg volvía a demostrar que es una de las mejores actrices del panorama cinematográfico. En esta ocasión el director volvió a contar con Laurent Lucas además de con el formidable André Dussollier y la gran Charlotte Rampling.

Tanto la primera como la segunda en su día me desconcertaron por sus viciadas atmósferas, sus bizarros personajes y sobre todo, por las surrealistas situaciones en las que los protagonistas de veían inmersos una y otra vez.

Con esta ‘El Monje’ (‘Le Moine’, 2011) me sucede algo idéntico, lo que ocurre, es que al contrario que las dos películas anteriores, ésta no me ha gustado, de hecho, ni siquiera me ha parecido una buena película.

En el título de la crítica puede leerse ¿terror? Y eso es debido a que la cinta, a la hora de venderse, se hace eco de su atmósfera gótica, su malsano ambiente y su –por mí no encontrado por ninguna parte- supuesto terror.

Y habrá quien sí la vea como una cinta de terror debido a –como ya he mencionado- su aire malsano, su goticismo y a algunas situaciones que a más de un espectador podrán resultarle insanas.

Sin embargo, yo la veo más como un thriller dramático y de suspense que como una película de terror.

Géneros y expectativas aparte, la película sufre de tremendos bajones de ritmo, o más bien habría que decir que jamás logra tener ritmo, es una película que parece no avanzar, como si el director no supiera muy bien hacia dónde tirar.

Eso, unido a algunos aspectos técnicos cinematográficos que parecen haber sido realizados por un principiante -y a la triste aparición de Sergi López (es un mero cameo)- hacen de esta ‘El Monje’ una aburrida y nada interesante función donde eso sí, VINCENT CASSEL vuelve a demostrar que es EL MEJOR ACTOR QUE EXISTE ACTUALMENTE.

¿Iréis a verla aunque solo sea por Vincent Cassel?

Lo que más me ha gustado: ¿de verdad es necesario que lo diga?

Lo que menos me ha gustado: el planteamiento y desarrollo de la historia y algunos recursos cinematográficos que parecen haber sido utilizados por un estudiante de cine.

"The Hounds", el cine de terror italiano está de vuelta

2012-01-31T19:23:00.000+01:00

“The Hounds” es una coproducción entre Italia e Inglaterra que, a pesar de ser una gran desconocida, ha sido calificada en muchos festivales internacionales como una de las mejores películas de terror independiente del pasado año. Clasificada como "el regreso oficial de los italianos al cine de horror", la cinta bebe directamente de las obras de Mario Bava y Dario Argento. Se trata del primer largometraje de los directores Maurizio y Roberto Del Piccolo, quienes no han dudado en mezclar gore y suspense para que sirvan de entretenimiento a la más perra de las audiencias.

Cansados de que nadie confiara en su trabajo y de que sus obras solo se pasearan por los ambientes más underground de Italia, los hermanos Maurizio y Roberto Del Piccolo decidieron crear su propia productora de cine independiente, Moviedel, y para llevarlo a cabo se trasladaron a Bath, Inglaterra. Una vez allí, decidieron rodar su primera película, para ello apostaron por un elenco de actores desconocidos y rodaron en habla inglesa para poder llegar más fácilmente a los mercados extranjeros. Seguramente todo ésto les costó un gran sacrificio económico, pero al hacerlo han conseguido ser vistos y han llamado mucho la atención.

A priori, el argumento de la cinta no parece demasiado original, y es que la historia comienza con un grupo de amigos que decide ir de acampada al bosque, pero lo más interesante de “The Hounds” es que tiene dos caminos narrativos que terminan entrelazándose, un final supuestamente sorprendente, un ritmo lleno de tensión y todo en un escenario claustrofóbico. Si esto no os convence, tal vez gane puntos cuando diga que la banda sonora está firmada por Pierluigi Pietroniro, un antiguo colaborador de Morricone. Abajo tenéis el tráiler, pero si os animáis y domináis un poco los idiomas que sepáis que acaban de colgar la película en versión original con subtítulos en italiano a través de su página oficial por el módico precio de 2,99 libras (3,58€).

Un grupo de viejos colegas, Sarah, Jake, Dave y Martin deciden revivir sus días en la universidad y quedan para pasar un fin de semana haciendo senderismo. Al mismo tiempo, Mike, un detective de la policía está investigando a una banda de delincuentes que están, de alguna manera, macabramente vinculada al grupo de amigos. ¿Por qué estas historias están conectadas? Que terrible secreto descubrirá Sarah? Aquí nada es lo que parece…

Crítica: Charlie y La Fábrica de Chocolate

2012-01-31T19:18:00.000+01:00

CRÍTICA, CASI PURA Y DURA, DE CHARLIE Y LA FÁBRICA DE CHOCOLATE

(Todos aquellos que opinen que El Sepulturero Torero es un charlatán de feria que se enrolla como una persiana hasta para decir buenos días, no digo yo que levanten sus extremidades -porque les faltarían brazos y piernas, cabrones-, pero deben LEER SÓLO ESTO. Lo cual hará que ahorren su valioso tiempo y que, al mismo tiempo, hundan a dicho señor en la miseria de saberse un triste perdedor cuyas historias a nadie interesan. Historias por demás tan edificantes que las hace absolutamente imprescindibles. Pero supongo que eso a nadie importa, sino a él.)

(La carita de perrito pachón con que se imaginan a El Sepulturero Torero emitiendo el final de esta advertencia inicial, e intentando derretir y enternecer su congelada emotividad, sólo cabe atribuírla a un exceso de imaginación por parte de ustedes)

(Buenos días)

La primera versión de Charlie y la fábrica de chocolate llegó a nuestro país en 1971, de la mano del director Mel Stuart, en forma de comedia musical infantil moralizante y reconstituyente, ahí es nada. Por aquí le endilgaron el nombre de Un mundo de fantasía. Mira que era fácil haber respetado el título original. Pero para originales, los españoles, oigan. Spain is different, specially when subtituling. El film, de 98 minutos de hilarante duración, fue protagonizado por Gene Wilder, que representaba al rey de los chocolateros, Willy Wonka.

El guión, firmado por el propio Roald Dahl, tomó como base un relato de este estupendo escritor británico, cuya biografía en la Wikipedia os recomiendo. Así os daréis cuenta de por qué este tipo es un referente para mí. Una de esas personas que brillaron con plena intensidad, con un sentido del humor y una valentía a prueba de balas. No murió de diabetes.

Para que os hagais una idea de su aportación al mundo de la fantasía infantil, deciros sólo que este tipo creo los personajes de Matilda, James y el melocotón gigante y el propio Willy Wonka. Con eso, si la hubiera diñado en su espectacular accidente de avioneta, ya se podía haber ido tranquilo al otro barrio.

La actuación de Wilder es elástica y memorable, paseandose con soltura por el registro de la comedia y saltando con agilidad al del melodrama cuando resulta necesario.

La partitura, a cargo de Leslie Bricusse y Anthony Newley, recibió una nominación a los Óscar como mejor B.S.O.

Sinopsis: Se sortea una visita a la fábrica de chocolates y golosinas Wonka, cerrada al público desde hace años por razones misteriosas. Después de que Dios reparta suerte de forma poco equitativa, cual es su costumbre, el estrambótico propietario se encarga de poner orden y se erige en sarcástico maestro de ceremonias de un fenomenal concurso en el que sucesivos niños pijos, a los que nos encantaría pellizcar los mofletes con unos alicates, van recibiendo uno tras otro la patada en el culo que no supieron darles sus padres según van incumpliendo las tajantes normas de Willy Wonka. Finalmente, un humilde niño llamado Charlie se hace con el emporio financiero de este señor, tal era el premio, gracias a su extraordinaria habilidad para poner cara de bueno todo el rato y sin romper ningún plato.

La segunda versión corre a cargo de Tim Burton, que retoma la misma historia, sin cambios esenciales en el guión, a no ser por el trato más detallado que recibe el entorno de la familia de Charlie, que vive junto a sus padres y sus cuatro abuelos, todos hacinados en una covacha infecta, jugando a las enfermedades y a la hucha anual, entretenido pasatiempo consistente en sumar las edades de todos los ancianos cada vez que llega un nuevo cumpleaños. La cifra es estratosférica. Menos mal que no les da por sumar los niveles de azúcar y colesterol. (En la primera versión se profundiza más en el aspecto psicológico de este retrato familiar, de hecho es uno de sus puntos más fuertes, pero la ambientación de la geriátrico-vivienda concebida por Burton es sublime y deja a la de su predecesora en pañales para la incontinencia urinaria.)

La banda sonora en este caso es absolutamente espectacular y demencial, siendo los momentos interpretativos de los enanos tocapelotas uno de los platos fuertes de esta versión. A mi personalmente todas las canciones de los Umpa Lumpa me dan un buen rollo acojonante. Y parece que tampoco esta vez al jurado de los Óscar se lo dió, porque también esta vez le fue esquivo el triunfo por banda sonora, de la que estaba detrás el genial e incombustible Danny Elfman, el hombre elfo que nos llevó, junto a sus lisérgicos enanillos, a un paraíso sonoro psicodélico y delirante.

Tim Burton rehuyó en este caso los espectaculares efectos especiales de otras producciones suyas para centrarse más en el lado humano y dramático de la historia, generando maquetas a escala y magistrales recreaciones de paisajes a través de decorados, en lugar de recurrir en exceso a los CGI.

Esta segunda versión optó a los Óscar por mejor diseño de vestuario. Tampoco se comió un colín aquí.

De señalar es el cameo del draculiano Cristopher Lee, como el padre dentista del torturado infante Willito Wonka. Después de toda una vida sacando los colmillos, ahora se pone a sacar las muelas.

También es de destacar el excelente trabajo de Deep Roy, nacido Mohinder Purba, indio de La India que vió la luz en Kenya, país bien conocido por Roald Dahl, y que presta su genio y su chiquitita figura para la recreación de los Umpa Lumpa a través del Croma. Otras dos perlas de belleza inigualable son la odisea de Wonka a Lumpalandia y la fábula que refiere el abuelo Joe a su nieto sobre el príncipe Pondicherry y su castillo de chocolate tajmajalesco. Su visionado justifica por sí solo el resto de la película. Y los andaluces no exageramos jamás.

Por qué me pongo tibio de chocolates cada vez que mi dentista mira para otro lado:

Porque hay que ver lo que hemos cambiado y porque las chocolatinas son como las buenas historias, hay que repetir aunque no se tengan ganas. Nunca se sabe cuando va a caer otra en tus garras.

Por qué me cepillo los dientes después de comer chocolate:

Para que no se me piquen los piños con el exceso de moralina ni me huela el aliento a tufillo con mensajitos. Son los riesgos de consumir chocolate made in Hollywood. Yo por eso prefiero el afgano.

DEL AFORTUNADO ENCUENTRO DE DOS GRANDES ACTORES EN TALLAHASSEE

(Cualquier parecido con la realidad es efecto de la marihuana)

Hospital Psiquiátrico de Tallahassee, Florida. Luce un sol apacible. Un elegante y solitario edificio de un blanco impoluto, coronado por una gigantesca bandera de ondeante chulería, parece haber estado aguardando la llegada de aquel nuevo visitante. El recién llegado desciende de su descapotable rojo y sube parsimonioso las escaleras del sanatorio. Se trata de Jonny Depp. Su abuela ha sido internada allí hace ya dos semanas.

Ya en el vestíbulo, una recepcionista con complejo de playmate venida a menos, va superando gradualmente el estupor en que la ha sumido el individuo de la perilla. "Por favor, ¿la habitación 223?", pregunta el apuesto caballero. "Jijiji", dice la enfermera ruborizada, e indica al actor un pasillo del fondo. Ella insiste varias veces en acompañarle, jijijiji y jijijiji. Johnny Depp cuenta cómo ella repite hasta tres veces: "De veras que no es molestia", antes de poder quitársela de encima tras estamparle un autógrafo en plena frente. La chica no tenía papel a mano e insistió entregando al actor uno de los expedientes de ingreso. Depp le señaló entre las cejas y dijo: "Es mejor aquí. Espero que te lo compre un taxidermista", soltó él, enigmático, después de garrapatear su nombre. Y luego añadió: "¿Tú eres de las que creen que las tías buenas venden más entradas que las feas?" Y se giró enfilando el pasillo sin esperar la respuesta. Este chico es que siempre ha sido un poco rarito.

Johnny avanzó por el camino indicado y llegó a un patio ajardinado que hacía las veces de sala de espera. Mientras buscaba un sitio donde acomodarse a aguardar a su abuela, Depp reflexionó sobre el incidente que le había traído al sanatorio.

Aunque la gente se sorprende a menudo de lo raras que son las cosas, lo cierto es que son de lo más normales. Hay bien poco de qué sorprenderse. Una buena noche -que no una Noche Buena; la puntualidad no es lo mío, ahorraos las collejas-, se celebra una cena familiar. Johnny es uno de tantos vástagos del tupido ramaje del árbol genealógico que se congrega alrededor de una mesa abarrotada de viandas. Con los vinos la cosa se caldea y ya se sabe, llegados a la tarta de arándanos de los postres, alguien empieza a cantar Day-O de Harry Belafonte. Que si banana parriba, que si banana pabaho. En otro contexto, tanto bananeo quedaría más bien grosero, algo para que lo cantara la Carmen de Mairena, ya me entendéis. Pero Day-O y su interminable procesión de plátanos es algo que no puede remediarse cuando Johnny Depp se reúne con los suyos. Como decía su tía abuela entre lágrimas de risa, la inconmensurable Jessica Bighead: "Yo sufro mis hemorroides en silencio, pero estas bananas no me las perdería por nada del mundo".

Es el tributo que tienen que pagar los actores. Actuar es reiterar, ya lo dijo un actor tartamudo. En tan insistentes situaciones, Johnny ponía su mejor sonrisa de circunstancias y levantaba las palmas de las manos en ese conocido gesto conciliador de nomhagaisestoporfavócagonlaputa, como si su tímido intento de frenar el tremendo subidón colectivo no estuviera condenado al fracaso desde antes de producirse.

El tío Oswald, el mismo que ganó las quinielas de la Super Bowl el pasado año, rojo como un tomate Wioming congestionado, se mete en su condenado papel de histrión master class y, en un intento de reproducir lo que sucediera en la cena de Bitelchús, hunde su redondo careto sureño en su acogedora porción de tarta de arándanos. Ya sabéis, lo hace un poco esperando que todo el mundo le imite en el siguiente estribillo. Yo me tiro al pozo, oh, qué gozo. No va a salir una mano roja del plato ni nada de eso ¿vale?, más bien él espera que la mano se la echen los demás, que por ahora andan partiéndose la caja con esa cara suya, ahora ya más colorada que nunca, y que sonríe de oreja a oreja mientras sigue cantando Day-O como un poseso.

Pos eso: ¿que quién se va a negar a compartir el contagioso entusiasmo del tito Oswi?, ¿cómo evitar olvidarse de las permanentes de cincuenta dólares y de las corbatas de seda para lanzarse a vivir ese momentazo? ¡Hala, todos con las caras en los pasteles de arándanos! ¡Vamos allá!¡Hasta la abuela!

Sólo que... la abuela no levantó la cabeza del plato. Alguien abrió la veda del grito pelao y todos comenzaron a aullar: ¿Abuela, qué te pasa, qué coño haces? Abuela, ¡Abuelaaa!

La cabeza de la abuela Lu reposaba sobre el dulce lecho de bizcocho, grosella y arándanos, como si su última voluntad hubiese sido alcanzar un coma diabético por inmersión. Alguien tuvo la inteligencia de sacarla de allí antes de que se ahogara y se produjo entonces el particular festival de sirenas de colores propio de estos casos, que ya propugnara María Jesús y su funesto acordeón: ambulancias por aquí, patrulleros por allá, vamos todos a bailar.

Ésa fue pues la última cena lúcida de Lucrecia Gallager, madre de 5 hijos, abuela de 8 nietos (uno de ellos reputado actor de cine), bisabuela de 3, tatarabuela de 2, profesión: fabricante en serie de chalecos y bufandas de punto de cruz y cinturón negro en encaje de bolillos. A partir de ahí sólo decía "qué risas" y "qué rico". Eso sí, lo decía a todas horas.

Y ahora el bueno de su nieto Johnny ha aparcado el estudio de la quinta entrega de las aventuras de Jack Sparrow para hacerle una visita en Tallahassee. En realidad Deep habría dejado sobre la mesa ese guión de mierda que ya se sabía de memoria incluso para tumbarse un par de horas sobre una cama de clavos. Cosa que jamás confesaría públicamente. Por algo es un porfesioná que reniega de sus tendencia masoquistas.

Se está bien allí. El rumor del tráfico queda lejos. Sólo uno solo y el sol solo. Y la adormecida quietud, unos pájaros cantando en la cercana arboleda, el olor de la tierra mojada y el césped. Y nosotros les llamamos locos a ellos. Algunos majaras se cuentan los dedos mientras pasean pacíficamente entre los árboles, o le cuentan su historia a la tapia del fondo, mientras le dicen: estás como una tapia, como una tapia. Johnny se dirige a un banco que surge de la nube de palomas blancas y se sorprende entonces al ver allí, sentado con las piernas cruzadas y dando de comer mendrugos de pan a los pájaros, al genuino Gene Wilder.

El bueno de "Ojitos" Gene se está fumando un truja de maría de no te menees y quítese usté el sombrero. Mientras, deja vagar su mirada azul por el horizonte azul, sonríe al recién llegado y le invita con un gesto a sentarse a su lado. Se parece un poco bastante al gusanito del narguile de Alicia en el País de las Maravillas. Le falta el brazo izquierdo. Y está un poco más gordo de como Johnny lo recordaba. Depp se dice: "Este gusanito tiene shisha", y se sienta a su lado. Gene rompe el silencio:

- Las llaman las ratas del aire. ¿Qué le parece? Pero yo les tengo abierta simpatía. Claro que también se la tengo a las otras ratas, a decir verdad.

- Hola, qué casualidad, soy Johnny Depp-, articula torpemente nuestro amigo, tendiendo su mano. Gene se la estrecha lánguidamente mientras se presenta, ceremonioso:

- Apuesto a que estás pensando que menos mal que no soy zurdo. Encantado de conocerte, súperJohnny. Yo soy el genuino Gene. Genuino y judío, como los Levi´s Strauss. -Tras una larga calada de pausa, pregunta;- ¿Qué cosa es una casualidad?¿Que te llames Johnny Depp?

- Pues hombre, supongo que sí. Pero no me refiero a eso. Me refiero a que los dos seamos actores. Quiero decir, ¿qué hacen dos actores en un psiquiátrico?

- Bueno, supongo que esperan a que ingresen todos los demás.

Los dos soltaron una carcajada ante la ocurrencia. Gene le ofreció el peta a Johnny. Éste rehusó diciendo que no mucho más tarde tendría que conducir. Pero en realidad es que no podía soportar la idea de que su abuela le pillara tó fumao y le dijera eso de "qué risas", "qué rico". A partir de entonces la marihuana sería algo tan difícil de digerir como el pastel de arándanos.

-¿Cómo perdiste el brazo, Gene?

- Algunos experimentos no salen del todo bien, muchacho. Pero bueno, ya me rulo los canutos con una sola mano que soy un arte. ¿Sabes por qué me gusta tanto actuar? Porque actuando no soy manco, jajaja. Lo del brazo es una larga historia, ya te contaré.

Al poco, los dos actores están hablando de Charlie y la fábrica de chocolate, pues en sendas versiones encarnaron al chocolatero Willy Bonka.

-Me inspiré en tu actuación para construír mi personaje, -confiesa Depp.-Es una historia tan aparentemente sencilla... Roald Dahl era un maestro en eso, contar historias aparentemente sencillas. Un chico llamado Charlie gana un sorteo para participar en un concurso. Y finalmente gana ese concurso también. The-end.

-Dicho así haces que el premio parezca una mierda tan grande como la propia historia de América, my-friend.

-Justo, tú lo has dicho. Lo importante para que un premio sea bueno no es el premio en sí, sino que el que lo recibe lo merezca. Fíjate si no en la noche de Reyes.

-Lo importante para que un premio sea bueno, muchacho, es que yo te pregunte por una marca de agua y tú respondas Bezoya. ¿Además, a qué viene eso de la noche de Reyes, chaval? Pero si tú y yo somos de Papa Noeeel, ¿qué me estás contando? Además, que ni tú ni yo ganamos ningún Óscar, así que olvidemos los premios.

-¿Tú querrías un Óscar?

- Bueno, he oído que con la empuñadura de la espada se saca uno muy bien el cerumen de los oídos. Aunque me apaño con el capuchón del boli bic, supongo que no es exactamente lo mismo.

-Bueno, a lo que iba, que a veces una historia de apariencia sencilla tiene mucha más sustancia que muchas de esas mierdas que te envuelven a veces en papel dorado, como si se tratara del preciado chocolate Wonka. Pero sólo el buen chocolate resplandece, a pesar de que su envoltorio pueda ser una porquería. Resumiendo, en las buenas historias y en las buenas personas, lo que cuenta es el interior.

-Tío, eres un filósofo. Ten cuidado con que no te oiga ninguna de esas enfermeras que pululan por aquí o no te dejarán salir. Bueno, verás, a mi esta mierda me la han envuelto en plastiquito.-Dice Wilder señalando su bolsita de marihuana.-Pero te sigo, mi amigo, te sigo. Y acepto chocolate como mierda de compañía. Eso tiene gracia, mira, dos actores hablando de fábricas de chocolate mientras se fuman un canuto. Los bosques no nos dejan disfrutar del árbol ¿Seguro que no quieres un poco?

-Bueno trae pacá, con lo zumbao que estoy, tampoco se va a notar. Aunque ya te he dicho antes que mi abuela va a venir pronto.

-Ah, conque era eso, que es tu abuela la que conduce al volver. Pues haberlo dicho antes, hombre. ¿Cómo te iba yo a tentar con esta maría de efecto telepático, que aun sin probarla ya le lees la mente al menda que se está rulando el mai a ocho bancos de distancia? ¿Cómo te iba yo a ofrecer esta hierba superpotente de efecto retardado, de la que ya te has echao pal cuerpo siete caladas, con sus correspondientes bises cortos, que parecía que no fumabas y no me has dejao ni husmear la huella de tu uña impresa en la cartona? Si llego a saber que la que conduce es tu abuela, con lo mal que conduce la ancianidad y el respeto que le tengo yo a la tapicería de los coches caros...

Así estuvieron hablando de lo humano y lo divino hasta que Depp dijo, rascándose el paquete sin disimulo:

- Me encuentro un poco raro. Todo esto es un poco raro.

En ese momento, brotó como de la nada una enfermera acompañada del brazo por una temblequeante ancianita sonriente.

-Qué risas. Qué rico.

Deep logra decir:

- Fe frefento a mi buela, Gene genuino.

-No me digas. Un placer, señora.-Wilder inclina con elegancia la rubia cabeza, sembrada de canas a partes iguales. En un aparte le dice a Johnny: -Tío, los genios aparecen cuando frotas una lámpara. Y tu abuela aparece en cambio cuando te frotas el paquete. Ten cuidado con eso o tus próximos encuentros sexuales van a quedar arruinados.

Deep se levanta tambaleandose con asmática risa perruna. Antes de despedirse y marcharse a otra parte a que su abuela le diga "qué rico, qué risas" cuatrocientas veces más, Johnny consigue balbucear:

-A frofósito, Gene, ¿qué haces tú aquí?

-Esperar mis recambios, muchacho, jajaja. Llevo aquí mucho tiempo. Fuera no hay ya nada que me interese Un viejo oxidado como yo funciona mejor si se ve rodeado de otros cacharros rotos. Entro y salgo casi cuando quiero.

-Me ha alegrado fumar contigo.

-Lo mismo digo. Y procura no hacer más Piratas del Caribe o mandaré a mi fantasma que te persiga eternamente.

-Glups. Bueno, tú no te cortes.

- Jajaja, eso ha tenido gracia.

Esta es la excéntrica anécdota que refirió el estrafalario Gene Wilder al estrambótico Johnny Depp durante su breve y fructífero encuentro en el sanatorio mental de Talahassee, Lousiana.

Mr. Wonka, como gustaban de llamarle quienes no le conocían a fondo, que eran todos, tomaba una copa de queipiriña helada sentado frente a un buen fuego. Mientras tanto repasaba una vieja edición del News Sciences. Entonces dijo sin venir a cuento:

- Interesante, muy interesante.

Y pulsó el botón del llamador ostentóreo para requerir la presencia de su principal umpa-lumpa, Ergonom Tercarius. Un llamador ostentóreo es un modelo de bocina con forma de belfos equinos, encastrada en un busto que emula a la perfección, vaya usted a saber por qué, la efigie del difunto Jesús Gil y Gil. Y he de decir que emular es un verbo muy adecuado en este caso.

Ergonom apareció presto, obediente al rechinante relincho que se expandía por toda la mansión, reverberando en cada una de las innumerables alcobas. Mansión sita, aclararé, en el barrio más pijo de toda la ciudad. Por lo que Mr. Wonka suele llamarla La Mansión-sita. La rápida comparecencia del lacayo, dada la exigua longitud de sus piernas, no sólo era de agradecer, sino que resultaba además muy meritoria.

- ¡Qué lástima que no vivamos en España!-, dijo enigmático al presentarse.- En qué puedo servirle, señor.

Mr. Wonka no pudo evitar soltar un par de carcajadas al mirarle.

- Lo siento,...-, empezó a decir. Mas no logró continuar porque en este punto le interrumpió el umpa-lumpa.

- Lo sé, lo sé... Sé que lo siente pero que no consigue usted acostumbrarse al hecho de que yo sea un divertido enano con unas características faciales que mueven a la hilaridad al más impasible de los hombres. Siempre dice lo mismo para justificar esos repentinos ataques de risa. Pero si no le importa, señor mío, podría ahorrarse esta aclaración cada vez que se descojona cuando nos encontramos.

Mr. Wonka se enjugó las lágrimas que el discurso del melindroso lacayo había sembrado en sus melancólicos ojos (no eran lágrimas de pena, debo aclarar) y pasó por alto el hecho de que su subalterno empleara el término "señor mío" en lugar del infinitamente más apropiado "mi señor". Incluso pasó por alto alguna otra cosa. Después de todo se estaba riendo del pobre enano en sus propias narizotas.

- Te he hecho llamar, mi estimado Erodom, porque un invitado involuntario ingresó hace apenas una hora en la cámara de concienciación del descatalogador personal flexer-geiser. Como sabes, los visitantes voluntarios cada vez son más frecuentes en nuestra humilde morada.

Ahora fue el umpa lumpa el que hizo un esfuerzo por obviar la vinculación del término humilde a la inmensa morada de Mr. Wonka. Aún le dolían los brazos de la última vez que había limpiado los ventanales, hacía sólo veinte minutos. Y eso que eran veinticinco umpa-cleaners en el equipo de limpieza.

- Lo sé, señor, está a buen recaudo. -Invitados involuntarios, según el expediente 1534 relativo a habitantes autorizados de las instalaciones WONKA, son todos aquellos que se invitan a venir aquí en contra de nuestra propia voluntad. Tenía uno de ellos en la cámara del descatalogador, a unos 8 kilómetros de pasillos de distancia.

-Ojalá vivieramos en España, señor.- Repitió Erodom finalmente, como un autómata.

- Sí, bueno. El caso es que se están convirtiendo en una maldita plaga. Recuérdame que modifique la calificación de invitados involuntarios por esta otra de nuevo cuño de indeseables voluntarios. Notablemente más ajustada a la realidad. Me pregunto por qué tengo que soportar la visión de un indeseable voluntario humano, siendo que hace años que no disfruto de la visión de una cucaracha, tan divertidas ellas, con sus largas antenitas y sus carreras frenéticas. Recuérdame también que ordene a los umpa-cleaners de la zona de aseos que dejen de fumigar insecticidas por unos meses. Los cambios son agradables.

- Bueno, señor, en España acaba de ganar la derecha las elecciones...

- Y eso a qué viene, mi estólido amigo. - Interrumpió velozmente un sonriente Mr. Bonka. Aprovechaba la menor ocasión para lucir dentadura, el muy desalmado.- Como te iba diciendo, nuestro visitante voluntario se ha colado en la cámara del descatalogador personal. El flexer-geiser está en periodo de pruebas, cierto. Y no se me ocurre mejor ocasión que inaugurar el nuevo año con su puesta a punto definitiva. Así que ordena a todos los umpalumpasteleros que se congreguen de inmediato en el área de fabricación del descatalogador.

Ergonom asintió horrorizado. El descatalogador había sido llamado así por su inquietante manía a no dejar títere con cabeza. De ahí su nombre. Literalmente, descatalogaba a todo bicho viviente que hubiese cometido la imprudencia de ingresar en sus dominios. Mientras Ergonom andaba hacia la zona de producción del descatalogador e iba haciendo llamar a todos sus umpatécnicos y umpalumpasteleros, y encargaba la harina y la umpalevadura necesarias, repasó todo lo que sabía sobre el descatalogador personal flexer-geiser. Lo que no era mucho, a decir verdad. El funcionamiento del artilugio era simple pero eficaz, al menos en lo que se refería a su sencilla puesta en marcha y a su impecable productividad. Lo que acontecía en su interior era en cambio un absoluto misterio, excepto para la maquiavélica mente de su creador, el gran Willy Wonka. Hasta entonces sólo se había probado el descatalogador con ardillas nogaleras. Con resultados que oscilaban entre el fracaso más estrepitoso y el estuvo cerca pero no pudo ser. Ergonom sospechaba que también debía haber caído en sus garras algún umpa-lumpa despistado, convencido por las aviesas promesas de un aumento salarial por parte de su patrón si realizaba la limpieza de la cámara de concienzación del descatalogador personal o realizaba algún ajuste improrrogable. Ningún plus de peligrosidad pagaba eso, en su opinión pero siempre había algún incauto que creía lo contrario.

Esta vez lo que había en la cámara de concienciación era un invitado involuntario, es decir alguien que había decidido dar un paseo turístico por La Mansión sita. Motu proprio, sin que mediara el consentimiento de su legítimo propietario. Esta clase de polizones a bordo desencadenaban la ira más despiadada de Willy Bonka. Así que si el destino no hubiera deparado de forma casual que aquel señor acabara con sus huesos en la cámara de concienciación, habría sido el propio Willy Wonka quien lo habría confinado allí después de que alguno de sus umpadoberman lo hubieran localizado. En la cámara de concienciación se cumple la fase preparatoria del proceso de descatalogación personal. Fase absolutamente imprescindible, dada la necesidad de que el sujeto se preste a la operación totalmente relajado. Asímismo, como las facultades del sujeto deben estar plenamente operativas, el uso de anestésicos es del todo desaconsejable. En una pantalla aparecen las solícitas caras de Mr. Wonka y Ergonom, que explican al interfecto en voz suave y pausada en qué va a consistir la mencionada descatalogación. Hay tres tubos, dos de ellos de unos 30 cm de diámetro, colocados en paralelo uno junto al otro. El otro, cotangente respecto a los otros dos, de unos 45 cm. El conjunto recuerda vagamente al rostro de Mickey Mouse visto de frente, su cara redonda coronada por sus redondas orejas. Se le explica al interpelado que la puerta de entrada en la cámara de concienciación tiene un sistema de cierre de seguridad que sólo se desactiva cuando el mismo volumen de masa que la ocupa pasa por esos tres conductos redondos hacia el exterior, se explica asímismo que no es posible introducir otra cantidad de materia de su mismo peso (preferiblemente un objeto inanimado) en la cámara para que la puerta se abriera, puesto que en tal caso la cantidad que debería pasar por esos agujeros hacia el exterior sería justo el doble, y así sucesivamente, vamos que a la máquina no le da el truco del cambiazo ningún trilero titulado en Harvard. Se convence al sujeto de que perder la calma no va a facilitarle las coooosas y se le recomienda meter sus extremidades superiores en sendos agujeros para que la máquina pueda empezar a realizar su trabajo, cual es cercenar limpiamente los brazos, piernas y cabeza del sujeto para volverlos a unir en la parte superior con una innovadora técnica de microcirugía por fisión molecular. Finalmente se le dice que es un procedimiento con fines meramente disuasorios, doloroso, desde luego, pero inofensivo en última instancia, que tiene como único propósito dejar una huella indeleble en la psique del prisionero para evitar que toda clase de intrusos puedan colarse en el futuro en las inmediaciones de la fábrica WONKA. Se elude comentar el insignificante detalle de que hasta la fecha la microcirugía por fisión sólo ha funcionado en un ejemplar de procesionaria de los pinos. El camino de la ciencia es largo. En una mesa del habitáculo hay una chocolatina con efectos tranquilizantes.

Al mirar por el grueso cristal redondo que separa la cámara de concienciación del exterior, Ergonom no puede evitar exclamar:

-¡Coño, pero si es Gene Wilder, el genuino!-. "Ojitos" le sonríe tímidamente desde el otro lado del cristal. -Mi rubio amigo, me temo que pronto te van a hacer falta unos recambios.

Crítica: Underworld 4: El Despertar

2012-01-31T19:11:00.000+01:00

No me cansaré de repetirlo una y otra vez, -parece mentira que tenga que hacerlo, pero me veo en la obligación de insistir en este punto porque parece ser que hay personas que aún no han comprendido de qué va el asunto-.

Hay dos grandes grupos de películas: las artísticas y las comerciales.

Las artísticas se caracterizan básicamente por –supuestamente- tener una buena e interesante historia, unos personajes muy trabajados, un uso muy inteligente de las herramientas cinematográficas y por hacer que el espectador piense y reflexione sobre lo que se le está contando.

Las comerciales sin embargo poseen otro tipo de características que son esencialmente las contrarias a las de las películas artísticas. Incluso podrían reducirse a una muy, muy básica: entretener.

‘Underworld: el despertar’ (‘Underworld: Awakening’, Mans Marlind & Bjorn Stein, 2012) pertenece al segundo grupo.

Dicho esto, doy por hecho que a ningún espectador o lector le dará por ensañarse con una película que lo único que pretende es entretener y hacer disfrutar al espectador veterano y fiel seguidor de esta saga de licántropos y vampiros.

Esta nueva entrega es la que menos metraje tiene, no obstante es la que alberga más tiros, más golpes, más acción, más combates cuerpo a cuerpo, más sangre, más violencia y más brutalidad.

Eso es a lo que hemos venido, a que nos den cuanto más mejor. De hecho, yo diría que los que somos fieles seguidores de la saga Underworld no esperábamos casi nada de esta cuarta entrega, y sin embargo, hemos salido más que satisfechos de la sala del cine.

Entretenida a rabiar y violenta hasta decir basta, la película se pasa en un suspiro y deja un agradable poso en el espectador, una sensación de no haber sido insultado ni ofendido sino todo lo contrario. Ofrece exactamente lo que se le pide.

En ese aspecto, ‘Underworld: El Despertar’ cumple con creces.

Lo que más me ha gustado: su frenético ritmo y sus abundantes escenas de acción y violencia.

Lo que menos me ha gustado: queda poco de la original.

"MS One: Maximum Security", me suena un tal Plissken

2012-01-30T06:52:00.001+01:00

De Francia y de la productora de Luc Besson, nos llega “MS One: Maximum Security” una cinta de ciencia ficción que anteriormente era conocida bajo el título de “Lock-Out”. La película fue escrita y dirigida por James Mather y Stephen St. Leger, el guión ha sido escrito por ambos junto al cineasta francés Luc Besson (“León el profesional”, “El Quinto Elemento”), y cuenta con las interpretaciones de Guy Pearce (“Memento”, “Don’t be afraid of the dark”), Maggie Grace (“Perdidos”), Peter Stormare (“Undocumented”, “Insanitarium”, “Dylan the Dog”), Joseph Gilgun (“Misfits”), Lennie James y Vincent Regan.

Presentada como un thriller de ciencia ficción repleto de acción y con excelentes efectos especiales, la película transcurre en una prisión en órbita a 50 millas de la Tierra, donde se albergan a 500 de los más peligrosos criminales. Éstos son mantenidos en sueño artificial a través de una sofisticada tecnología, hasta que algo falla y todos se despiertan. La hija del Presidente de los EUA, llega a bordo de la estación justo en el momento que un violento motín estalla y es tomada como rehén por los internos. “MS One: Maximum Security” se estrenará el 20 de Abril en Estados Unidos. Abajo os dejo el nuevo y potente tráiler americano que acaba de salir.

Un hombre es condenado injustamente de conspiración y espionaje contra de los Estados Unidos. En lugar de ser encarcelado recibe una oferta difícil de rechazar: su libertad a cambio de que rescate a la hija del presidente que ha quedado atrapada en una prisión especial que ha sido tomada por los presos…

"The Hunter", ¿Qué es eso de las especies protegidas?

2012-01-29T13:14:00.000+01:00

Basado en el best-seller de Julia Leigh, llega el primer tráiler de “The Hunter”, un thriller de supervivencia protagonizado por el formidable Willem Dafoe (“Antichrist”, “4:44 Last Day on Earth”). Bajo la dirección del australiano Daniel Nettheim, el film narra la historia de un despiadado mercenario que viajará desde Europa a los fríos bosques de la isla de Tasmania, para matar al último ejemplar de Tigre de Tasmania que se creía extinguido, una vez allí peligrará su vida, su salud mental e incluso se cuestionará su despiadada profesión. Sam Neill y Frances O'Connor completan el reparto protagonista.

Parece que este año no nos faltará nuestra pertinente dosis de películas de supervivencia tipo “el hombre contra la naturaleza”, ya que recordemos que este año también podremos ver “The Grey” que protagonizará Liam Nesson. “The Hunter” ya se estrenó en el Festival de Cine Internacional de Toronto, acaba de ser lanzada en formato DVD en Suecia y será estrenada de manera limitada en algunos cines de USA el 6 de abril.

Martin (Dafoe), es un frío y eficiente mercenario que viaja a las álgidas tierras de Tasmania, contratado por una empresa que se dedica a la investigación biotecnológica, en búsqueda del último ejemplar de Tigre de Tasmania. En aquellos parajes, el solitario cazador tomará contacto con una familia defensora de los animales, los cuales harán cuestionar su inhumano oficio y complicará su misión…

Crítica: Undocumented

2012-01-29T13:09:00.000+01:00

Espalda Mojada es un término que se utiliza en Estados Unidos (Wetback también vale) para denominar a los inmigrantes, principalmente mexicanos, aunque vale para todos los hispanos en general, que intentan colarse en la tierra de las oportunidades cruzando la frontera de forma ilegal. Tan curiosa nomenclatura, nace de tiempos pasados, de cuando dichos inmigrantes intentaban pasar a Texas desde México cruzando el Río Bravo a nado o caminando a través de él, por lo cual, obviamente, se mojaban, entre otras cosas, la espalda. Esta pequeña clase de “historia” americana, me viene de perlas para romper el hielo, acercarme a entablar amistad (lo de “¿Estudias o trabajas?” nunca ha sido muy de mi agrado) e invitar a una copa, a esa interesante morenaza de apellido “Cumented” y de nombre “Undo” (si, es el mejor chiste que se me ocurre un Domingo a las 11 de la mañana, amén de un clarividente presagio de la “calidad” de las líneas que van a componer esta crítica) que lleva ya un ratito guiñándome el ojo desde la otra punta de la barra (luego descubrí de la peor de las maneras, que la chica tan solo tenía un tic, pero esa, es otra historia).

El debutante Chris Peckover dirige y escribe (junto a JoePeterson) “Undocumented”, relato de terror en forma de “Mockumnetary” o falso documental, que aborda la problemática de la inmigración ilegal en los Estados Unidos, asunto, motivo, cosa, que como todos bien sabéis, no se limita solo al hogar de Mickey Mousse, el Happy Meal y la Asociación nacional del rifle, sino a toda esa pequeña y retrógrada bola azulada que se empeña en interponerse en las fantasías sexuales entre Marte y Mercurio (¿veis? Hoy estoy que me salgo, “pedazo” metáfora). Vamos, hablando en pagano, que estamos ante un problema a nivel mundial.

Para dar forma a este relato, Peckover utiliza como pluma, la figura de un grupo de estudiantes de periodismo, los cuales, dispuestos a filmar un documental sobre el asunto, motivo, cosa, viajan a México y se unen a un grupo de potenciales espaldas mojadas para intentar cruzar la frontera de forma clandestina junto a ellos. Como se puede preveer, pues si no, no estaríamos hablando de una película de terror, si no de un drama social, la cosa se tuerce, y se tuerce mucho, pues en su periplo, son interceptados por un grupo de “patriotas” que se encargan de dar la bienvenida a todos sus vecinos hispanos que intentan colarse en su casa por la puerta de atrás, lo cual les dará la oportunidad de llevar a cabo su ansiado documental, aunque desde una perspectiva digamos, algo diferente.

Lo voy a decir ya, “Undocumented” es la cinta más incomoda que he visto en lo que llevamos de año y por que no, en gran parte del pasado. Una de esas películas en las cuales resulta imposible no involucrarse con la historia, con los personajes y con los acontecimientos, hecho que no tan solo se explica por su ADN de grandes dosis de realidad (aunque desorbitadamente exagerada, deseo creer), sino por la certera dirección y no menos fantástica interpretación de todos los implicados, quienes dan forma a una de las crónicas mas crudas, angustiosas y salvajemente verosímiles, de estos denominados (y muchas veces anodinamente contraproducentes) “Mockumentaries”.

Uno de los posters promocionales del filme, decía: “No consigues ha 11 millones de ilegales sin crear a un nuevo monstruo”. Efectivamente, y ese monstruo, tiene nombre: “Z”. Así es como se hace llamar el líder de este grupo de patriotas que se dedica a secuestrar, torturar y matar, a todos aquellos hispanos que intentan cruzar la frontera de forma ilegal. “Z”, es la encarnación física de esa incomodidad que destila la cinta a lo largo de los noventa minutos, un psicópata asesino, que intenta ocultar su xenofobia tras la bandera del patriotismo, como bien expresa uno de los protagonistas en la que a mi juicio es, la secuencia mas brillante del filme. “Z” no tiene rostro, se esconde detrás de una máscara, al igual que la gran mayoría de sus sicarios, pero tiene alma, y es jodidamente oscura, también tiene voz, la de Peter Stormare ("Dylan The Dog", "Insanitarium"), tan o más genial que de costumbre, dando forma a un villano que se nos quedará en la retina muchos días después de visionar esta “Undocumented”, un terrorífico bocadito de ficción, basado en una aterradora realidad.

Cruzo la frontera a por un BigMac aunque me juegue la vida: Su impecable dirección, inalterable ritmo, sin igual crudeza, “Z” y su fantástico desenlace, acertado grafismo de una de las muchas sensaciones que nos deja el filme.

Mejor sigo alimentándome a base de burritos y coronitas: Que en la actualidad, una problemática tan profunda y compleja como es la de la inmigración, se simplifique muchas veces a un tema de xenofobia. Ah! Y por supuesto, lo cara que está la vida en Barcelona, que ya no se puede ni venir a estudiar y a veces dan ganas, de cruzar de forma ilegal la frontera española.

"Grabbers", A la salud de los invasores

2012-01-28T13:40:00.000+01:00

El director Jon Wright (“Tormented”) ha presentado en el Festival de Sundance 2012 su nueva película, “Grabbers”, una comedia de terror irlandesa escrita por Kevin Lehane. La película se inspira en otras del género como “Temblores”, “Gremlins” o “Shaun of the Dead”, y quiere rendir culto a las monster movies de la vieja escuela y a los tentáculos de Lovecraft. Una propuesta gamberra que cuenta con un argumento de lo más desternillante en donde se mezclan monstruos alienígenas e irlandeses borrachos, por cierto, mediante el boca-oreja previo a su pase en Sundance se señaló a la cinta como un nuevo fenómeno al estilo “Attack the Block” .

Por otro lado, Wright habló en Sundance de su nuevo proyecto titulado “Our Robot Overlords”, el director contó que había soñado con los dos primeros minutos del film y que al despertarse pensó, “esto es bueno”. El próximo film de Wright nos situará en Inglaterra, tres años después de una invasión de robótica, y la historia se centrará en las aventura de un joven muchacho.

Pero no nos desviemos del tema y volvamos con “Grabbers”, la película ha tenido una gran acogida por parte de quienes pudieron verla en Sundance el pasado 23 de enero, quienes la tachan de revolución, de una auténtica maravilla, y no en vano ya cuenta con una excelente nota en el portal imdb. En la película veremos a gente como Richard Coyle, Ruth Bradley, Russell Tovey y David Pearse, pero de momento no ha salido tráiler, así que os dejo con un clip de la película, eso si, no dejéis de leer la sinopsis…

La rutinaria y tranquila vida diaria que lleva Ciarán O'Shea, un policía de la idílica aldea de Erin Island, quien pasa las horas en el bar con los lugareños borrachos, se verá truncada cuando comiencen a aparecer ballenas muertas y pescadores decapitados. Ciarán junto a la oficial Lisa Nolan, descubrirán que la isla está siendo invadida por unas criaturas de enormes tentáculos que se alimentan de sangre. Después de otro feroz ataque alienígena, los policías se darán cuenta de que la única persona que sobrevivió al ataque estaba muy borracha, ya que el alcohol en la sangre resulta ser tóxica para los invasores. Ante la noticia, los lugareños muy gustosos se mantendrán ebrios para lograr sobrevivir a los ataques. Sin embargo, alguien debe mantenerse sobrio para controlar la situación y lograr salvar la isla…

Crítica: La Hora Más Oscura

2012-01-28T13:12:00.000+01:00

Aquí tenemos otra película de invasiones alienígenas que destruyen ciudades enteras y grupo de supervivientes (están todos, el guapo, la guapa, el amigo del guapo, la amiga de la guapa –que también es guapa-, el friki, el cachas, el nervioso, etc.) que se organizan –más o menos- y luchan contra los malvados invasores del espacio.

El director Chris Gorak nos sumerge –bastante pronto, a los 15 minutos de metraje más o menos- en un escenario apocalíptico, -más concretamente en un Moscú arrasado y sin vida- y rápidamente nos pone en situación. Unos alienígenas que se alimentan de energía arriban a nuestro planeta, volatilizan (o algo así) los cuerpos humanos para más adelante, destruir edificios y demás mobiliario urbano y así, hasta consumir ciudades enteras.

Como viene siendo habitual en estos casos, la película posee una envidiable factura técnica, pero esto no es algo de lo que se deba vanagloriar uno, hoy día, lo mínimo que se le pide a una cinta de estas características es que técnicamente sea, no ya correcta, que por supuesto, sino como mínimo notable, y ‘La Hora más Oscura’ (‘The Darkest Hour’, 2011) cumple con creces en este apartado.

Da gusto ver cómo los alienígenas lo destruyen todo y en especial, cómo hacen desaparecer a los humanos (un efecto realmente alucinante).

Peeeroo, como también viene siendo habitual en estos casos, los responsables de este tipo de productos se centran mucho en la pirotecnia y muy, muy poco en la historia. Y aquí la cinta de Gorak tampoco falla.

Y la verdad, la trama no empieza nada mal, con una rápida presentación de inanes personajes (¿para qué más?, si van a morir en breve) y una situación de supervivencia de lo más lograda.

Sin embargo, a medida que avanza la historia, ésta se torna cada vez más estúpida e inverosímil (ese friki que crea un arma para combatir a los alienígenas, esos militares salidos de una mala serie de acción...). Pero el descalabro llega al final...

Un final lamentable, con unos alienígenas deplorables y unas situaciones vergonzosas.

Lástima.

No es una buena película, pero tampoco es abominable, y es por ello que no la pongo a parir a pesar de su infame clímax final.

Además, el protagonista –Emile Hirsch- me cae bien, y el comienzo, las muertes de los humanos y alguna sorpresa que otra, ayudan a que este irregular producto comercial se haga llevadero.

Lo que más me ha gustado: acabo de mencionarlo justo aquí arriba.

Lo que menos me ha gustado: el lamentable desenlace.

"Brake", Stephen Dorff tras los pasos de "Buried"

2012-01-27T23:28:00.001+01:00

Hace dos años sufrimos lo indecible junto a Ryan Reynolds en “Buried” de Rodrigo Cortés. Ahora volveremos a pasar claustrofobia con “Brake”, pero en esta ocasión sufriremos junto a Stephen Dorff (“The Gate”, “Botched”) que en vez de en un ataúd se encontrará encerrado en el maletero de un coche.

La cinta está dirigida por Gabe Torres (“December”), y dicen que será una mezcla entre “Buried” y “Saw”, la cinta fue rodada en tan solo once días y parece que quiere subir la apuesta de Cortés mediante un reloj con cuenta atrás y unos explosivos.

Jeremy Reins, un agente secreto, despierta dentro del maletero de un coche y descubre que forma parte de un gran atentado terrorista con coches bomba que volarán por los aires en Washington. Reins no será liberado hasta que les cuente la secreta localización de Roulette, el lugar donde el presidente se esconde en caso de atentado terrorista, pero si decide permanecer callado le tocará sufrir hasta la muerte...

“Brake” será lanzada en formato doméstico el 17 de febrero, aunque se estrenará de manera limitada en algunos cines de USA el 23 de marzo. Aquí tenéis el tráiler.

"Raze", pelea de damas a vida o muerte

2012-01-26T15:55:00.001+01:00

Tenía pendiente hablaros de “Raze”, una cinta que ha sido descrita, ni más ni menos que como una mezcla entre “El Club de la Lucha”, “Hostel” y “Eyes Wide Shut “, y que además está protagonizada por Zoë Bell (“Death Proof”, “Kill Bill”) y Rachel Nichols (“Conan”, “P2”). Según su director, la película reflejará algo parecido a un día cualquiera de los que vivieron los gladiadores, en este caso gladiadoras urbanas, y los acontecimientos se irán sucediendo como si fuera en la antigua Roma, solo que en ésta será en el subsuelo y en la más absoluta clandestinidad.

“Raze” esta dirigida por el debutante en el largometraje Josh C. Waller y escrita por Kenny Gage y Louis Iacoviello. Aunque los detalles sobre la cinta sean muy escasos, una cosa está clara, que una de las protagonistas sea Zoë Bell, una de las mejores dobles de acción que hay en la actualidad, significa que vamos a ver muchas, pero que muchas patadas en el culo y que nadie se librará de recibir una buena tunda.

En el promo tráiler que tenéis abajo, se puede ver como las dos luchadoras explican sus sentimientos acerca de los combates y como se ven inevitablemente destinadas a matarse la una a la otra para conseguir salir de allí con vida. La película será lanzada en breve en los Estados Unidos, y presumiblemente se paseará por diversos festivales.

Una joven es secuestrada por una sociedad secreta y elitista y se despierta para encontrarse en compañía de cincuenta mujeres que, al igual que ella, están obligadas a luchar por sus vidas en un infierno inimaginable…

Crítica: Sherlock Holmes: Juego de Sombras

2012-01-25T13:59:00.000+01:00

Me gusta Guy Ritchie y me gusta su cine. He visto todas sus películas, -a excepción de ese vehículo para el lucimiento de su entonces mujer Madonna que fue ‘Barridos por la marea’ (‘Swept Away’, 2002), producto que no tengo ninguna intención de visionar-, y me gusta su estilo “videoclipero”, frenético, furioso y agresivo.

Sin duda alguna, el director inglés le debe su fama a su mejor y más disfrutable película, la divertidísima ‘Snatch. Cerdos y diamantes’ (‘Snatch’, 2000).

Pero tuvieron que pasar muchos años para que Ritchie lograra de nuevo el favor del público (y la fama perdida, -y es que se ve que el estar con Madonna no le sentó especialmente bien al inglés-) con la notable ‘RocknRolla’ (‘RocknRolla’, 2008), una especie de vuelta a sus orígenes, es decir, al cine más gamberro y transgresor.

Fue gracias a ese ocurrente divertimento que el director tuvo la oportunidad de volver a la liga de los campeones, la de los grandes presupuestos y la parafernalia. Y es así como al año siguiente se puso tras las cámaras para dirigir una nueva versión del personaje creado por Conan Doyle, -el famosísimo detective Sherlock Holmes-, en la más que notable ‘Sherlock Holmes’ (‘Sherlock Holmes’, 2009).

La propuesta fue tan fresca y original que el público la apoyó incondicionalmente. Es cierto que algunos se llevaron las manos a la cabeza ante este Sherlock Holmes experto en el combate cuerpo a cuerpo y su universo steampunk, pero por lo general, la película gustó y, como sucede siempre en estos casos, la secuela no se ha hecho esperar.

‘Sherlock Holmes: juego de sombras’ (‘Sherlock Holmes: A Game of Shadows’, 2011) es más o menos igual de entretenida, más o menos igual de disfrutable y más o menos igual de correcta que su antecesora. Es decir, es igual que la primera entrega.

Es entretenida, tiene una historia de lo más simpática, personajes carismáticos, secuencias de acción bien rodadas, humor que funciona (no siempre, pero más de lo que suele funcionar en este tipo de producciones) y chica ¿mona? (a mí es que Noomi Rapace no me parece nada pero nada guapa) y en este caso aguerrida.

Esta segunda entrega ya no cuenta con el factor sorpresa y ya no resulta ni fresca ni original, se ha perdido ese descaro, esa insolencia típica de Ritchie, o bueno, puede que esté pero ya no lo parece, y ése es el factor más negativo de esta producción realizada con el piloto automático. Es más de lo mismo, pero algo peor.

Aun y con todo, me ha resultado simpática y recomendable para pasar un rato agradable disfrutando aunque solo sea por ese grandísimo actor que es Robert Downey Jr. y por las secuencias de acción, -la del bosque a cámara lenta es tremenda-.

Me gustaría mencionar también el trabajo de otro enorme actor como es Jude Law y la música del grandísimo compositor alemán Hans Zimmer.

¿Qué os ha parecido a vosotros? ¿Mejor o peor que la anterior?

Lo que más me ha gustado: lo que funcionó en la primera entrega, que aquí también funciona –solo que sin el factor sorpresa-.

Lo que menos me ha gustado: no aporta nada nuevo a lo ya visto en la anterior entrega. Piloto automático en ON.

Crítica: Pink Floyd The Wall

2012-01-24T11:40:00.001+01:00

En 1982 el escritor y cineasta inglés Alan Parker dirigió esta obra cinematográfica basándose en el disco musical ‘The Wall’ del excelente grupo de música Pink Floyd.

Más cercano al videoclip que a otra cosa, el director londinense nos sumerge de lleno en un mundo psicodélico repleto de simbolismos, metáforas y una fuerte crítica a diferentes estamentos sociales y comunitarios.

Esta obra destaca por diferentes e interesantes y provocativos aspectos: no es una película para nada convencional, como ya he mencionado, se asemeja más a un vídeo musical extendido que a una película propiamente dicha. Su idea argumental se basa en el disco musical ‘The Wall’, no tiene diálogos, todo lo que se escucha son las letras de las canciones que se van sucediendo una tras otra. A destacar también las escenas animadas creadas por Gerald Scarfe, un ilustrador que ya había trabajado para el disco ‘The Wall’ dibujando su carátula.

Con guión de Rogers Waters, -vocalista y bajista del grupo de rock Pink Floyd-, la ¿historia? Nos adentra en un mundo de pesadilla, un auténtico descenso a los infiernos digno del Dante más aterrador y delirante.

El protagonista, -un correcto Bob Geldof, que además de actor era cantante y compositor de la banda ‘The Boomtown Rats’-, como si de un personaje de videojuego se tratara, va pasando por diferentes etapas intentando superar los obstáculos (el muro) que se le van presentando.

Así pues, primero le vemos siendo niño, y observamos sus traumas y sus miedos provocados por una sobreprotección maternal, por la muerte del padre y la posterior (y lógica) ausencia del mismo, y por un fuerte trastorno de personalidad.

La semilla ya está plantada, los ladrillos se van colocando de manera sistemática, el muro comienza a tornarse cada vez más alto y fuerte, ya no hay vuelta atrás, los traumas infantiles, la inseguridad, el aislamiento, la locura y la veda de la libertad de expresión han dado comienzo.

A continuación, podemos observar al protagonista ya crecidito y cómo va siendo mutilado creativa e intelectualmente. El nazismo crece con fuerza y robustece el muro que cada vez se torna más y más firme abduciendo al sufrido protagonista y absorbiendo todo atisbo de creatividad e inventiva.

Finalmente y ya en pleno apogeo de demencia y con la esquizofrenia y la paranoia como mejores amigas, nuestro protagonista acabará por tocar fondo perdiendo el juicio para más tarde ganar otro tipo de juicio. El pleito llega a su fin y se dicta sentencia, el veredicto final consistirá en derribar el muro, ese muro que durante toda una vida ha estado impidiendo que se pueda avanzar, vetando al protagonista a seguir avanzando, no dejándole dar ni un solo paso, anulando toda iniciativa posible.

Director y guionista (y con la inestimable ayuda de Gerald Scarfe) dan rienda suelta a su creatividad y nos zambullen en un mundo totalmente onírico, donde la locura termina siendo compañera inseparable de nuestro antihéroe el cual solo al final será capaz de tomar las riendas y lograr su objetivo: derribar el muro.

La película contiene numerosos detalles de interés, pero me quedo con tres en particular: la alucinante e impactante secuencia de los niños sin cara siendo convertidos en carne triturada (escalofriante), las impresionantes y formidables secuencias animadas por Gerald Scarfe (de un ingenio asombroso) y por supuesto, ese maravilloso e inolvidable tema musical que suena una y otra vez (y que por más que suene jamás se cansará uno de escuchar) titulado ‘Another brick in the wall’.

Lo que más me ha gustado: lo mencionado en el último párrafo.

Lo que menos me ha gustado: es algo repetitiva.

Crítica: Extinction The G.M.O Chronicles

2012-01-23T14:45:00.001+01:00

La voluntad del ser humano, en ocasiones, es débil. Cuantos buenos propósitos nos auto imponemos al comenzar cada “nuevo” año de nuestras vidas. Tengo que dejar de fumar (no es mi caso, pues yo no fumo), tengo que dejar de beber (tampoco es mi caso, yo no bebo) o tengo que darle otra utilidad a un libro (que digo yo, que debe tenerla) que no sea la de posavasos sobre el cual depositar la taza de chocolate de las mañanas en frente del ordenador (y este, si es mi caso). El caso, siendo reiterativo, es que tema libros aparte, otro de mis deseos para este aun jovenzuelo 2012, era dejar de consumir cine independiente de zombies, por que amigos/as, no se vosotros/as, pero yo comienzo a estar hasta las pelotas del tema, joder, pero si encuentro mas frescura e ideas nuevas en el cine porno… quiero decir, que las encontraría en el supuesto imaginario que yo viese cine porno, cosa que como todos sabéis, no hago. Aclarado esto, que luego los de mente mas sucia pueden pensar que me gusta interpretar villancicos con la zambomba, cuando en realidad, a mi lo que me va es la guitarra eléctrica y el heavy metal… bien, pues eso, que la idea es que el subgénero zombie y yo, nos diésemos un respiro este año, ya sabéis, un poquito de espacio, un tiempo de reflexión, no se, igual sería bueno conocer a otras personas… quiero decir, ver otras películas, experimentar nuevos géneros, buscar nuevos horizontes… pero como ya he dicho, la voluntad del ser humano es frágil (en realidad dije “débil”, pero es para que veáis que tengo recursos literarios, una narrativa fresca y dinámica, aunque solo use los libros de posavasos) y a la postre, todos estos deseos se quedan en simples fantasías, sueños húmedos si queréis. La realidad es bien distinta y siempre termina poniendo a cada uno en su sitio. ¿El mío? Pues delante del ordenador viendo una peli independiente de zombies mientras dejo mi taza de chocolate encima de un libro para no dejar huella en el mueble, por que, inculto soy un rato, ahora, a instinto de supervivencia no me gana nadie, por que si mi inmaculada esposa, ve una marca de taza en la madera….

Al tajo. “Extinction: The G.M.O Chronicles”. Bajo este curioso nombre, se esconde la misma mierda (aka caca) de siempre. En este caso concreto, una mierda germana, detalle que supongo me acabó de animar a la hora de dejarme comer el coco (por no decir la polla, que quedaría feo para alguien de mi talante) por tan, a priori poco sugerente propuesta, mas que nada, por que mis últimas experiencias con el cine de género alemán, han sido bastante satisfactorias (véanse “Rammbock” o “We Are The Night”). ¿Ha valido la pena la función? Pues a mi pareja no se lo preguntéis, pues se quedó frita a los diez minutos. Si me lo preguntáis a mí, pues lo mejor que puedo decir sobre ella, es que cosas peores se han visto, lo cual, viendo como está el patio, no es moco de pavo.

La historia de “Extinction” (permitidme abreviar el título), es el mismo prodigio de creatividad e imaginación desbordante de siempre. Es decir, un virus creado por el hombre en su infinito afán de experimentación que, mira tu por donde, escapa a su control y se extiende por toda la población mundial, convirtiendo a sus buenas gentes, en zombies (aka infectados) deseosos de hacerle pupita al prójimo no infectado. Estos no infectados, o por lo menos, un pequeño grupo de ellos, se esconderán en un viejo recinto militar abandonado donde el protagonista, iba a jugar a los médicos con su hermanita cuando eran pequeños y descubrían el mundo y sus cuerpos. Pero (recordad, siempre hay un “pero”), la seguridad de la base se verá comprometida dada la naturaleza del virus, evolucionando siempre para adaptarse a su entorno y necesidades.

La cinta se abre con una secuencia en forma de ineludible manifiesto. En esta, vemos a través de los ojos del protagonista, el inicio de la epidemia. Fidedigno retrato del mal endémico que suelen compartir todo este tipo de producciones zombie “menores”: que no dan miedo. Que no producen tensión, que no son incómodas, que no están dotadas de esa capacidad de hacerle partícipe al espectador de la constante amenaza que rodea a los supervivientes, vamos, que no da “yuyu”. Grafico documento pues el de estos diez minutos iniciales, donde dicho personaje principal, se mueve entre los infectados como si lo hiciese por las fiestas del pueblo, vamos, que yo he palpado mas exaltación, tensión e incluso terror, en las cabalgatas de reyes que se hacen en mi barrio. El tío es atacado por estas criaturas mientras conduce con su coche por las calles de la ciudad y oye, ni se despeina. Va a su piso, se carga a su compañero de ídem a hostia limpia, se prepara la mochila del cole y se las pira como Pedro por su casa hablando por el móvil mientras a su alrededor, la peña se está comiendo entre ella. Joder, con esta apatía por parte del maestro de ceremonias, ¿Cómo coño nos vamos a implicar en la historia? Pues eso, no lo haremos. Este es el problema de “Extinction” (y de otros muchos títulos), la falta de complicidad con el espectador. Y claro está que, ver una película desde fuera, no es ni parecido a vivir una película desde dentro. Creo que con esto, está todo dicho.

Sabido esto, decir que la película del señor Niki Drozdowskiha, por lo menos cumple con lo mínimo que se le debe exigir a dicha expresión artística, entretener, cosa que por otra parte y sobretodo hablando de este subgénero en particular, no siempre se puede decir. No estamos ante el típico bucle cutre de viajar de un punto A a un punto B matando a zombies hasta rellenar los 90 minutos de contrato. Lo que aquí vamos a encontrar, aun y con todo, dejando aquello de “cutre” en un platito con papel de film en la nevera y a mano, es algo un poquito mas elavorado, si no en historia, si en desarrollo y sobretodo, en personajes. No es que estemos ante un trabajo que tire la casa por la ventana en ninguno de los dos aspectos, pero si se nota un trabajo detrás de todas las situaciones (algunas funcionan mejor, otras lo hacen peor) y de la mayoría de los personajes, a los que conoceremos mas de lo que suele ser habitual en este tipo de productos pese a que algunos de ellos, les cueste quitarse de encima el tufillo a tópico. Caso del personaje principal, un tipo solitario de pasado militar, o de la chica sensible que se derrumba ante el drama que la rodea o de su padre, quien haría cualquier cosa por proteger a su hija. Pero también tenemos algo con “denominación de origen”, como por ejemplo el personaje hipocondríaco (no recuerdo su nombre) que se pasa toda la peli metido en un traje de laboratorio por miedo a contagiarse, hasta que el amor le hace quitarse la careta y en especial, la idea del virus que evoluciona para adaptarse a sus necesidades. Aquí vamos a encontrar infectados de todos los gustos y colores. Desde los clásicos zombies “romerianos” que arrastran los huevos por la plaza, hasta sus compatriotas modernos que corren que se las pelan, otros que van a la moda y saltan vallas y trepan por los muros, otros que gritan y alertan a sus compinches, etc…

¿Recomendar “Extinction”? bueno, solo me atrevería a hacerlo a los mas fanáticos del subgénero, a aquellos que les apetece interpretar un villancico con solo oler a podrido y que no quieren/pueden dejar escapar ninguna propuesta de este tipo, al resto, mejor les recomendaría dedicar su tiempo a menesteres algo mas espirituales y con algo mas de contenido, como por ejemplo, leer un libro.

Me la juego a aventurarme por las calles en medio del Apocalipsis: La idea del virus que evoluciona, la creíble interacción entre los personajes y el correcto trabajo que se esconde detrás de la mayoría de estos.

Mejor me quedo en mi casa y me vuelo la tapa de los sesos: Su nula capacidad para implicar al espectador, su justito apartado técnico y las secuencias de acción, en las cuales se hace mucho mas patente, su modesta naturaleza.

"Loveless Zoritsa", un cuento de hadas al estilo serbio

2012-01-22T12:48:00.000+01:00

Parece que “A Serbian Film” no será la única película serbia que vean nuestros ojos, “Crna Zorica”, cuyo título internacional es “Loveless Zoritsa”, es una nueva película que nos llega desde aquellas tierras de hermosos paisajes y de excelentes jugadores de baloncesto, aunque nada tendrá que ver con la polémica cinta de Srdjan Spasojevic.

“Loveless Zoritsa” será un oscuro cuento de hadas con grandes dosis de mucho humor negro, que estará dirigida por el tándem Radoslav Pavković y Christina Hadjicharalambous. La película contará la historia de Zoritsa (Ljuma Penov), una chica de pueblo que parece tener una maldición encima y todo hombre que se acerca a ella muere en extrañas circunstancias, por lo que los aldeanos del pueblo no tardarán en liarla. El tráiler es bastante curioso y la verdad es que siempre es un gustazo ver películas provenientes de lugares poco frecuentes (en lo que a cine se refiere) de Europa. Está previsto que “Loveless Zoritsa” se estrene durante el próximo mes de marzo en los cines de Serbia.

Zoritsa es una joven de campo con una terrible maldición, desde que su primer amor fue arrastrado de forma misteriosa por el río, los hombres de su alrededor se mueren de manera extraña. Los furiosos aldeanos la llaman “the kiss of death”. El caso está en manos de Mane, un terco policía joven recién llegado de Belgrado para trabajar temporalmente en el pueblo maldito. Mane no cree en semejantes historias, el cree que son cuentos de viejas, pero no tardará en tener que enfrentarse a un grupo de campesinos armados y contestar a la crucial pregunta ¿Es Zoritsa una asesina en serie o tan solo una chica ansiosa por enamorarse?...

"Community", el terror viste con capucha y es del barrio

2012-01-21T19:06:00.001+01:00

La agencia británica High Point Home Entertainment (responsables de cintas como “Mum & Dad”) se ha hecho con los derechos internacionales de “Community”, una cinta de terror independiente, escrita y dirigida por Jason Ford, un tipo que debutó con “This is Essex”, una película que se metió en el bolsillo a la crítica en varios festivales.

En “Community” dos jóvenes estudiantes de cine (encarnados por la debutante Jemma Dallender y Elliott Jordan) deciden realizar un documental en un barrio periférico conocido por la violencia y las drogas. El Estate Draymen se ha convertido en una leyenda urbana, se cuentan infinidad de historias siniestras, de habitantes extraños, de violencia brutal y de gente que ha desaparecido allí. Por lo visto el barrio está lleno de jóvenes que visten sudadera con capucha, y eso en Gran Bretaña es sinónimo de peligro (véase su paisana “F” para salir de dudas). Los dos jóvenes se adentrarán en la boca del lobo, un mundo de drogas y violencia brutal donde salir con vida es realmente difícil…el proyecto de la pareja se convertirá en toda una pesadilla.

Según afirma la distribuidora, la cinta trata un miedo muy moderno y principalmente urbano que ha sido alimentado por los medios sensacionalistas: el de una juventud drogada que deambula por las calles fuera de control.

“Community” se presentará en el European Film Market de Berlín en febrero. La cinta se encuentra actualmente en fase de postproducción, pero a continuación podéis ver el tráiler que la verdad pinta bastante interesante:

"Resident Evil: Retribution", tráiler de la quinta entrega

2012-01-20T16:33:00.000+01:00

Aquí está el tráiler de “Resident Evil: Retribution”, una vez visto he sacado dos cosas en claro, la primera es que Sony ha puesto pasta gansa para ocupar casi la mitad del anuncio y la otra es que la quinta entrega de la saga, que supuestamente será la última, tendrá la el mismo tufillo cafre que las anteriores.

Tras las cámaras volvemos a tener a Paul W. S. Anderson (“Horizonte Final”), director de la primera y la cuarta entrega “Resident Evil: Ultratumba”, guionista de todas las películas de la saga y también marido de Milla Jovovich. Y como era de esperar, Jovovich repite al frente del reparto dando vida a Alice, aunque esta vez también podremos ver a un montón de viejos conocidos, como Barry Burton (Kevin Durand), Rain Ocampo (Michelle Rodriguez), Jill Valentine (Sienna Guillory), o Carlos Oliveira (Oded Fehr). “Resident Evil: Retribution” ha costado 90 millones de dólares, lo mismo que “Millennium: Los Hombres que No Amaban a las Mujeres”, siendo así la más cara de la saga con diferencia. La cinta se estrenará en 2D y 3D el 14 de Septiembre. Al final tenéis el tráiler, y no os asustéis, no se trata de un anuncio de Sony ¿o tal vez si?.

“El mortal virus T de la Corporación Umbrella sigue devastando la Tierra, transformando a la población mundial en legiones de zombis. Alice, la última y única esperanza de la raza humana, despierta en el corazón del centro de operación más clandestino de Umbrella y descubre más sobre su misterioso pasado mientras ahonda más en el edificio. Sin un refugio seguro, Alice continúa la caza de los responsables del brote, una persecución que la llevará de Tokyo a Nueva York, Washington y Moscú, culminando todo en una tremenda revelación que le forzará a repensar todo lo que creía cierto. Con la ayuda de nuevos aliados y viejos amigos, Alice deberá pelear para sobrevivir lo suficiente para escapar de un mundo hostil al borde del olvido. La cuenta atrás ha comenzado…”

Artículo: Especial El Planeta de los Simios

2012-01-20T11:55:00.000+01:00

Vaya por delante una cosa, soy fan de las películas de simios.

Sí sí, así es, disfruto con las películas en las que los simios son los protagonistas.

Desde la divertidamente terrorífica ‘Shakma’ (‘Shakma’, Tom Logan, Hugh Parks, 1990), la mediocre y delirante ‘Congo’ (‘Congo’, Frank Marshall, 1995), la mítica y fundacional ‘King Kong’ (‘King Kong’, Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsak, 1933), los remakes de ésta última, esa fantástica muestra de puro terror que es 'Atracción diabólica' ('Monkey Shines', George A. Romero, 1988), pasando por las cintas de Tarzán (siento predilección especial por la versión que realizó en 1999 la Disney), hasta llegar a esta extraordinaria película que nos ocupa que es 'El planeta de los simios' ('The Planet of the Apes', Franklin J. Schaffner, 1968) –y por descontado sus menospreciadas secuelas, su excelente precuela, (y su infravaloradísimo remake-).

Todas me hacen disfrutar de una manera u otra. Es cierto que muchas de ellas son mediocres, pero incluso éstas merecen la pena, aunque solo sea para soltar unas carcajadas ante el simio de turno y el cúmulo de despropósitos que puedan verse en dicha película (un buen ejemplo de esto sería ‘Congo’).

Sin embargo, ‘El planeta de los simios’ está muy lejos de ‘Congo’ y similares. De hecho, podríamos decir casi con toda seguridad que la película de los simios parlanchines y belicosos protagonizada por Charlton Heston es la mejor película de simios jamás realizada (a mí me encanta, sin embargo prefiero su precuela).

Todo da comienzo con el escritor y novelista francés Pierre Boulle, un ex combatiente que luchó en la Segunda Gran Guerra y que tras finalizar ésta, se quedó a vivir en Asia para, tras unos años, finalmente regresar a su tierra natal.

Pierre Boulle escribió una novela que trataba de una sociedad distópica en la que los simios eran los jefes del lugar y los humanos sus esclavos.

Con ello el francés quería hablar de la naturaleza humana (e inhumana) y de la maldad inherente que hay en todo ser humano (e inhumano).

Como en Hollywood no pueden estarse quietos y no hay novela, cuento, cómic, relato corto, etc, que no pueda no ser “violado” por parte de los productores, pues los mismos, una vez más, no perdieron la oportunidad de llevar a la gran pantalla la novela del francés (y eso que la novela en cuestión no era gran cosa, pero a los mandamases de la industria americana eso no les importa demasiado) y decidieron dar luz verde a su traslación al celuloide. Curiosamente, éste es uno de esos escasos (y raros) ejemplos en los que la película supera con creces a la novela.

Y no es para menos, ya que la película contó con una retahíla de excelentes profesionales técnicos y artísticos que aportaron su granito de arena para ayudar a construir semejante empresa. Entre ellos se encontraban:

Franklin Schaffner, un reputado director norteamericano (aunque nacido en Japón) que realizaría películas como ‘Patton’ (‘Patton’, 1970), -ganadora de 7 premios de la Academia-, la cual contaba la historia del belicoso general norteamericano George S. Patton, la famosísima ‘Papillon’ (‘Papillon’, 1973), con unos formidables Steve McQueen y Dustin Hoffman y que también adaptaba una novela, en este caso de Henri Charrière, o ‘Los niños del Brasil’ (‘The Boys from Brazil’, 1978), otra adaptación de otra novela, en este caso de Ira Levin.

En estas tres obras maestras, Schaffner contó con la colaboración del genial Jerry Goldsmith, sin duda alguna, uno de los mejores compositores de música de todos los tiempos.

Para ‘El planeta de los simios’ el director norteamericano volvió a contar con el compositor de origen judío, volviendo éste a demostrar por qué era uno de los mejores.

Jerry Goldsmith siempre declaraba que prefería componer para películas pequeñas, resulta curioso poder comprobar cómo este genio de la música no es recordado precisamente por esas películas “menores”, sino por películas -casi siempre- famosas y de género.

Ahí están sus maravillosas composiciones para ‘Desafío Total’ (‘Total Recall’, Paul Verhoeven, 1990), ‘Alien, el octavo pasajero’ (‘Alien’, Ridley Scott, 1979) o ‘Atmósfera Cero’ (‘Outland’, Peter Hyams, 1981). ¿Quién no recuerda con especial cariño el mítico tema musical principal de la cinta de ciencia ficción dirigida por Verhoeven y protagonizada por Schwarzenegger?

Otro de los aspectos más destacados de ‘El planeta de los simios’ es el excelente (y en su momento impresionante) maquillaje que se creó para dar vida a los simios.

El especialista John Chambers fue el elegido para tan laboriosa tarea. Chambers había sido protésico dental y corporal. Trabajó creando diferentes partes corporales protésicas para los soldados que habían quedado mutilados durante la Segunda Guerra Mundial.

Chambers innovó de tal manera el panorama de los efectos protésicos, que a raíz de su labor en la cinta dirigida por Franklin Schaffner, en la Academia de Hollywood se creó un nuevo apartado en la Ceremonia de los Óscar para otorgar premios a la labor de maquillaje, inexistente hasta entonces.

Pero tal excelente trabajo, no habría servido de nada si los intérpretes que se encontraban bajo esas ingentes cantidades de látex no hubieran sido igual de excelentes que las creaciones de Chambers.

Por ahí pululaban Roddy McDowall como el amigable Cornelius, Kim Hunter como Zira, la novia de Cornelius o Maurice Evans como el tozudo Dr. Zaius.

Por encima de todos ellos brillaba la estrella de la ciencia ficción del momento: Charlton Heston -interpretando al combativo George Taylor-.

Todos ellos excelentes en sus respectivos roles.

El otro gran aspecto a destacar sería la dirección de arte. En la novela el mundo futuro que se describía era mucho más avanzado y moderno. Obviamente reconstruir todo ese microcosmos futurista de avanzada tecnología habría requerido de un presupuesto enorme y un trabajo titánico.

Es por ello que se optó por todo lo contrario, es decir, por mostrar un mundo apocalíptico, desértico y primitivo. Hay que reconocer que la jugada salió perfecta, porque el mundo creado para ‘El planeta de los simios’ encaja a la perfección con lo que el director pretende contar.

En cuanto a la dirección de Franklin Schaffner nada que objetar ni criticar. El director estadounidense era un ejemplo perfecto de profesional de la industria americana capaz de realizar obras comerciales que a un mismo tiempo hicieran pensar y disfrutar al público. Desde mi muy humilde punto de vista, eso es lo que debería ser siempre el cine: reflexión y disfrute.

Crítica: The Awakening

2012-01-19T11:26:00.000+01:00

“El despertar” (“The awakening”) es un melodrama al más puro estilo “Los Otros” (Aménabar) o la más clásica “Suspense” (“The innocents”). Rebecca Hall (“Vicky Cristina Barcelona”) y Dominic West (“The Wire”) protagonizan esta cinta de terror que tiene un buen comienzo pero que nos acaba dejando un poco de mal sabor de boca. Nick Murphy, nos presenta su primer largometraje con un reparto puramente británico, a excepción de Rebecca Hall; de muy alta envergadura. Acompañando a los dos actores principales, tenemos a Imelda Staunton (“Vera Drake”), un joven Isaac Hampstead-Wright (“Game of thrones”) y John Shrapnel (“Notting Hill”).

Por si esto no fuera poco, el productor de dicha película es David M. Thompson, que estoy segura de que os suena; porque es el responsable de pelis como “Billy Elliot”, “Eastern Promises” y “An Education”. Si añadimos a esta mezcla, que el director de fotografía es el barcelonés Eduard Grau (“A single man” y “Buried”); vemos que tenemos un cocktail explosivo y perfecto para servir. Sólo nos falta el argumento y reza así:

Nos plantamos en la Inglaterra de 1921, cuando el país se siente más vulnerable tras las innumerables pérdidas que la Primera Guerra Mundial ha traído consigo. Los ingleses, sienten mucho apego al mundo del espiritismo porque es su única vía de acercarse a los fallecidos. Florence Cathcart (Rebecca), es una escritora que vive atormentada por la muerte de su prometido y acomete la labor de destapar todos los engaños que los “saca cuartos”, aka videntes; llevan a cabo con sus triquiñuelas para hacer creer a los desgraciados, que son fenómenos paranormales reales. Auténticos encuentros con sus seres queridos. En una de estas, su última tarea; uno de los profesores de un internado, Mallory (West); le ofrece visitar la escuela donde dice que se aparece un niño fantasma y descubrir así si se trata de otra farsa más o es un caso verdadero. En un principio, todo apunta a una broma de los niños del internado pero cuando Florence está a punto de marcharse, vive un encuentro sobrenatural que no parece tener la explicación racional que ella busca, para solucionar estos encargos.

Es aquí donde entran el resto de actores. Acompañada de una enfermera del colegio (Imelda), el propio Mallory y un niño cuyos padres no pueden cuidar durante las vacaciones de navidad (Isaac), los cuatros permanecen en el internado para hacer lo posible por sacar a la luz la verdad del misterio que envuelve a este niño-fantasma.

Siendo un internado en una película de terror o thriller, podemos tener por seguro que se trata de un edificio enorme, oscuro, tenebroso y que se encuentra en una localización estratégica. Está en medio de un bosque en la NADA, rodeado de árboles siniestros y que crean la atmósfera perfecta para poner los pelos de punta.

Como thriller, es una película de sustos pero poco más. Cómo película de otro género, ya hablaremos más adelante. Tiene un buen principio, con su energía, su ritmo y su tensión, pero a medida que la cinta va pasando; vemos que no se está desarrollando como debería. En todo caso, la trama de poltergeist empieza a pasar a un segundo plano, mientras que la temática de la soledad, el resentimiento y los dramas personales se van comiendo el foco principal de la historia. Debo confesar que a mí no me pareció una mala idea, ya que películas de espíritus tenemos a patadas, películas de dramas también; pero una mezcla como ésta, no está mal tampoco.

Decepcionante final con la ‘exposición’ que nos muestra Nick como conclusión de la historia, eso sí. A veces, no hay que explicarlo todo. El problema reside en que los finales a lo “Psicosis” están muy de moda y tienen ese regusto de auto-desenlace macabro, los cuales, de no tener ese punto de genialidad, difícilmente terminan funcionando, como es el caso. Igualmente, la interpretación de Rebecca Hall es sublime; esta chica es una actriz nata y a mí me encanta porque se come la pantalla siempre.

"Upper", Tarantino metido en una snuff movie

2012-01-18T09:17:00.000+01:00

A diario y casi sin darnos cuenta, hacemos uso de las nuevas tecnologías, y sin duda se han convertido en una pieza clave de nuestras vidas. La mayoría de jóvenes, y no tan jóvenes, viven enganchados a las redes sociales y a los videos de YouTube. Y precisamente de este modo surgió la campaña viral de la película “Upper”, un proyecto en el que el cineasta Quentin Tarantino estaría involucrado.

Lo peliagudo del caso es que, o bien nos están colando una falsa campaña viral muy currada o de lo contrario hay algo más serio en todo esto, algo tan serio y grave como es una snuff movie. Todo comenzó con un video colgado en You Tube que mostraba la sobredosis de una joven mientras a su alrededor, otros jóvenes se partían de risa (ver video).

La película muestra la noche de juerga de unos jóvenes de alcurnia en Nueva York, grupo en el cual se encuentra una joven, quien tras consumir una ingente cantidad de cocaína tiene una sobredosis y finalmente muere. Los jóvenes grabaron toda la noche y al parecer existen 393 minutos (casi 7 horas) de evidencias grabadas. A partir de esa noche, no se volvió a saber más de la chica, no se la volvió a ver, y tampoco se sabe nada de los jóvenes involucrados en el incidente…

El pasado verano, el cineasta Quentin Tarantino supuestamente habría comprado todo el material para exhibirlo, pero nunca más se volvió a hablar de ello, hasta ahora, ya que unas fuentes anónimas han planeado exhibir toda la verdad sobre lo sucedido en el Festival de Sundance. Y es por ese motivo que han lanzado el tráiler. A mi todo esto me suena a campaña viral, o al menos eso quiero pensar, pero de ser imágenes reales estaríamos hablando de algo de muy mal gusto.

“Upper” se exhibirá durante una sola noche en el Festival de Sundance, con invitaciones privadas al lugar de la exhibición y enviadas con solo 24 horas de anticipación, aunque todo esto suene a marketing, no me digáis que no es un poco raro. Aquí tenéis el tráiler que resume un poco de que va toda esta historia:

Crítica: Immortals

2012-01-18T09:10:00.000+01:00

Curioso el caso de este director indio amante de la cámara lenta y los juegos visuales que responde al nombre (no menos curioso) de Tarsem Sing.

Fue en el año 2000 cuando debutó con una extraña y violenta cinta de asesinos en serie y policías titulada ‘La Celda’ (‘The Cell’), una cinta de asombrosa parafernalia –de hecho estuvo nominada al Oscar para maquillaje y contó con nada menos que con la diseñadora de vestuario Eiko Ishioka- pero endeble guion.

La película protagonizada por Jennifer López y Vince Vaughn tuvo más o menos éxito, sin embargo, pasaron seis años hasta que Tarsem se volvió a colocar tras las cámaras con la –muy- mal distribuida (al menos en España, -de hecho, en mi ciudad no contó con su correspondiente estreno-) ‘The Fall: el sueño de Alexandria’ (‘The Fall’), premio a la mejor película en el Festival de Cine de Sitges 2007 y de nuevo, otra orgía visual con la que deleitarse, pero esta vez, sin tanta violencia y tirando más hacia el cuento de hadas.

Han tenido que pasar casi seis años más para que el director indio vuelva a ponerse a rodar otra película. Una vez más, y como no podía ser de otra manera, lo ha vuelto a hacer con su peculiar estilo visual y, esta vez sí, toneladas de violencia. La película: ‘Immortals’ (‘Immortals’, 2011).

Puede que parezca que ‘Immortals’ es una superproducción con un altísimo presupuesto y miles de extras en sangrientas y furiosas batallas, pero no es así. Esta película es uno de esos productos de serie B pero con envoltorio de serie A que tanto se dan hoy día, es decir, en realidad no es un blockbuster, sino un divertimento pulp como aquéllos que se programaban en las sesiones grindhouse, un espectáculo menor repleto de furia, sangre, tetas (aquí solo masculinas, -que en la mayoría de las ocasiones son más grandes que las femeninas-) y una falta total de vergüenza y prejuicios.

Y ojo, no digo que ‘Immortals’ haya costado poco, ronda los 75 millones de presupuesto, pero hay que tener en cuenta que hoy día se manejan presupuestos que rondan los 200 millones, por lo tanto, que una película de estas características cueste menos de 100 es ya todo un triunfo, y si además, es entretenida y disfrutable (como es el caso que nos ocupa), pues mejor que mejor.

Como ya he mencionado, esta película de Dioses, Titanes y humanos es lo que es, un simple y desvergonzado entretenimiento que no pretende colarse entre las mejores películas del año, -aunque sí entre las más taquilleras-, y es así como debe verse y disfrutarse: como un simple y gozoso divertimento repleto de acción y violencia.

Y cuando he comenzado mi crítica con el adjetivo curioso me refería a que por primera vez en su carrera, Tarsem no ha esperado media docena de años y ya tiene terminado su siguiente proyecto: una nueva versión del cuento de Blancanieves; del que por cierto, ya he visto su tráiler y no me ha gustado nada de nada. Esperemos que tenga algo que ofrecer este peculiar director con el cuento de los Hermanos Grimm.

¿Vosotros esperáis algo de esta Blancanieves? ¿Y qué os ha parecido ‘Immortals’?

Lo que más me ha gustado: las secuencias de acción y ultraviolencia.

Lo que menos me ha gustado: falta sexo y sobra cartón piedra.

Crítica: Sector 7

2012-01-17T13:17:00.000+01:00

¡!Riiiiinngggg!!!

- ¿Si?
- Hola Rector, ¿Cómo estás?¿Que tal tu primer día de trabajo?
- Joder, me alegro de oír tu voz.

Llevo un día aquí y ya estoy hasta las jodidas pelotas, ¿Quién coño me mandaría a mi aceptar un puesto de trabajo en una planta petrolífera en medio del océano… llena de sur-coreanos, pero si a duras penas me defiendo con el castellano (ya sabes que en Cataluña, está prohibido hablar ese dialecto). Bueno, pues ya te puedes imaginar como es esto, ya sabes lo exagerada que es esta gente. Esta mañana hubo un problema con la presión de una de las perforadoras… madre mía, tenías que haber visto la que liaron, menudo show, como corrían por la cubierta, parecía una jodida película de Jackie Chan. Luego apareció una tía en plan marimacho ("homenaje" a una tal Ripley?), y tomó las riendas del asunto (se nota que es la que está al frente de esta historia). Fueron 15 minutos muy intensos, prometedores y divertidos me atrevería a decir, aunque también harto reveladores. Te lo digo por como se comportaban todos ellos, parecían sacados de algún anime de esos que tanto te gustan, todo muy desproporcionado, caricaturesco incluso… y yo que creía que iba a pasar miedo en mi primer día y mira por donde, que me he partido la caja. Luego, más tarde, he descubierto que hay muy buen royo entre todos los miembros del equipo, le dan mucho a la sin hueso para hacer más amena la larga jornada laboral, yo por supuesto, no me entero de una mierda, pero me da a mi, que cosas muy profundas, no salen de sus bocas… ¿Cómo?¿Qué si es guapa la chica?¿A que viene eso? Yo he venido aquí a trabajar, no a ligotear con ninguna asiática sexy…. Que no, que no quiero decir que sea sexy, mujer… ¿me dejas hablar?¿me dejas…?

Pues lo que te iba contando. Luego han hecho un curioso descubrimiento, han encontrado una extraña especie de criaturillas marinas y las han metido en una pecera del laboratorio, hasta que ha venido el tonto del pueblo y ha sacado una, ni que decir tiene que detrás de su aspecto inocente, se escondía un bichillo bastante cabrón y le ha pegado un bocado antes de caer al suelo y perderse por ahí, tendrías que ver como le ha dejado el labio… luego hemos recibido la visita de unos tipos que han llegado en helicóptero, no me he enterado muy bien de quien eran, pero había uno de ellos, que parecía alguien importante… espera un momento, que estoy escuchando bastante jaleo por ahí…. Te llamo en un minuto.

… mierda tía…, soy yo otra vez. No veas la que se ha liado aquí. ¿Te acuerdas del bichillo aquel que se escapó de la pecera? Pues por lo que se ve se ha convertido en algo más grande y se está cargando a los coreanos uno a uno, no veas la que están liando. Parece ser que ya han muerto unos cuantos, aunque si te digo la verdad, no lo tengo muy claro, pues a mi me parecen todos iguales, ninguno de ellos me ha llamado la atención, por no saber, no se ni como se llaman, así que tampoco podría asegurártelo. ¿La criatura? Pues es fea y cutre de cojones, parece mentira que con semejante tinglado, con todo lo que tienen aquí montado, que se nota que se maneja pasta gansa, el bicho está tan mal parido, no se, desentona mucho con el entorno, si no hubiera visto con mis ojos, que lo recogieron del mar, juraría a que está dibujado por ordenador. Mi teoría es que no los devora, sino que los mata de vergüenza ajena, ya sabes que estos asiáticos, aparentemente fríos, a la hora de la verdad, enfatizan mucho el asunto de los sentimientos y en especial, llevan muy mal el tema de la vergüenza. Tengo que dejarte, que la carroza se está convirtiendo en calabaza y esto se pone feo, te llamo luego…. Si puedo.

Bueno, he salvado el culo de milagro. Te llamo desde un teléfono móvil del tamaño de la zapatilla de Roberto Dueñas (recuerda que estamos en 1985), estoy en un helicóptero de salvamento. No veas, como ha quedado la planta petrolífera, no te voy a contar como ha terminado la historia, eso lo haré cuando llegue a casa, que la factura de esto tiene que salir de la nómina de este mes, la cual, teniendo en cuenta que solo he currado un día y que no pienso dar los quince ídems… solo una cosa antes de despedirme, que tanta acción, me ha "emplamado" un poco... dime, ¿qué llevas puesto?

Si amigos, tenéis toda la razón del mundo. Esta es una tomadura de pelo a la altura de “Sector 7” y quizá, la peor crítica cinematográfica de la historia del cine (si es que se puede catalogar de dicha cosa), pero joder, me comprometí a hacerla antes de ver la película y no sabía como salir de semejante berenjenal, por que vaya tela con el señor Kim Ji-hoon y su puñetera “Sector 7”, vaya tela MARINERA. Prometo algo más de rigor para la próxima ocasión.

Hice bien en buscar trabajo en el extranjero: Los primeros 15 minutos, los cuales nos hacen creer, que vamos a asistir a algo muy “grande”, la espectacular puesta en escena engendrada a medias por escenarios reales y CGI resultón y sus bombásticas grandes dosis de acción en clave asiática.

Mejor hubiese hecho en hacer cola en la oficina de empleo mas cercana a mi casa: La sensación de estafa (o decepción) que se le va a tatuar en la frente, a todo aquel que esperase una película sería de terror o una “monster movie” al uso. Su inconexa amalgama de géneros, el nulo carisma de los personajes y sobretodo lo demás y por todos los diablos del averno, el RIDICULO monstruo con ADN telefilmero, que vamos a tener que sufrir a lo largo de los interminables 100 minutos de metraje.

"Drácula 3D", la novela de Bram Stoker según Argento

2012-01-15T20:34:00.000+01:00

De las manos del maestro italiano Dario Argento nos llega su última película “Drácula 3D”, ni más ni menos que una nueva adaptación del clásico literario de terror de Bram Stoker, con ella esperamos que el director recupere la buena fama que le precede y que se ha visto un poco afectada después de aquel fiasco titulado “Giallo” o de la pasable “Mother of Tears”, aunque todo hay que decirlo, sus dos capítulos de “Masters of Horror”, los titulados “Jenifer” y “Pelts” me parecieron de lo mejorcito de toda la serie. Pero sea como sea, y como bien dice Argento: "Si no te gustan mis películas, no las veas".

La intención de Argento es llevar a cabo una película mucho más oscura y gótica que la famosa “Drácula” de Bram Stoker de Francis Ford Coppola, y sobretodo mucho más fiel al libro original. Como no podía ser de otra manera y como bien indica su titulo, la cinta será en 3D, ha sido rodada en Budapest y a contado con financiación española. En el reparto protagonista veremos a Rutger Hauer (“Hobo with a Shotgun”) que encarnará al célebre cazador de vampiros Van Helsing, también estará Thomas Kretschmann (“Resident Evil: Apocalypse”) que dará vida al mismísimo conde Drácula y a su atractiva hija Asia Argento (“Mother of Tears” ) que dará vida al personaje de Lucy.

Hay que tener en cuenta que el tráiler que se ha presentado, el que tenéis al final de la noticia, aun tiene algunos efectos inacabados. “Drácula 3D” se encuentra en post-producción y será lanzada durante este 2012.

La historia comienza con Jonathan Harker, que viaja en tren de Inglaterra al remoto castillo del conde Drácula, situado en los Cárpatos en la frontera de Transilvania. El propósito de su misión es catalogar la biblioteca de Drácula. Al principio, Harker es atraído por los agradables modales de Drácula, hasta que se ha convertido en el prisionero del castillo...

Crítica: Los Hombres que no amaban a las Mujeres

2012-01-15T14:46:00.001+01:00

Siempre me ha encantado David Fincher, así que no era de extrañar que a esta nueva versión de ‘Millennium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres’ (‘Män som hatar kvinnor ’, Niels Arden Oplev, 2009) le tuviera ganas. La verdad, no me ha decepcionado, pero esperaba un poco más de un maestro como David Fincher. Me explico.

La última propuesta del director norteamericano me ha fascinado, -como todo lo que hace este hombre, a excepción de la pesada ‘El curioso caso de Benjamin Button’ (‘The Curious Case of Benjamin Button’, 2008), un ladrillo muy bueno, excelente podríamos decir, pero un ladrillo al fin y al cabo-, sin embargo, conociendo ya como conocemos a este director, uno espera planos secuencia que dejen con la boca abierta, movimientos de cámara imposibles, violencia inusitada, tenebrismo exacerbado y unos cuantos elementos más marca de la casa Fincher.

Ahí están como ejemplos la fenomenal ‘Seven’ (‘Seven’, 1995), la excelente ‘El club de la lucha’ (‘Fight Club’, 1999) o la fantástica ‘La habitación del pánico’ (‘Panic Room’, 2002). Todas ellas con planos secuencia que dejan con la boca abierta, movimientos de cámara imposibles, ultraviolencia, puro terror...

Y no me malinterpreten, la película me ha gustado muchísimo, me parece una excelente película, es más, el material es perfecto para este gurú de lo siniestro, a saber: asesinos en serie, nazis, conspiraciones, sexo, violencia, mentes enfermas, venganzas, investigaciones criminales, antihéroes, etc. Vamos, una película idónea para que la dirija Fincher. Y desde luego, la película es de Fincher, y se nota desde esos increíbles y fenomenales títulos de crédito iniciales.

Pero el problema es que no aporta nada que no hayamos visto antes, y la parafernalia Fincher escasea en esta su última propuesta hasta el momento.

Eso sí, hasta el momento, es la mejor película del año, sí, ya sé que todavía es pronto para empezar con listas, pero así es.

Es un peliculón con mayúsculas, y me ha gustado mucho más que la del Benjamin Button (para mí lo menos interesante de la carrera de su director), un poco más que la estupenda ‘La Red Social’ (‘The Social Network’, 2010) y me atrevería a decir que está al mismo nivel -más o menos- que la infravalorada pero sobresaliente ‘Zodiac’ (‘Zodiac’, 2007).

Yo la recomiendo a todo el mundo, tanto a los que les gusta Fincher como a los que no, a los que vieron la original sueca y a los que no, a los que se leyeron el libro y a los que no.

‘Millennium: los hombres que no amaban a las mujeres’ (‘The Girl with the Dragon Tattoo’, 2011) es una magnífica película de un excelente director de cine que espero nos siga proporcionando obras como ésta, pero sobre todo, como ‘Seven’ y ‘El club de la lucha’, para mí, lo mejor de este grandioso director.

¿La habéis visto ya? ¿Qué os ha parecido?

Lo que más me ha gustado: el estilo Fincher y Daniel Craig.

Lo que menos me ha gustado: siendo objetivos y sinceros, no aporta casi nada a la versión sueca.

Crítica: The Burrowers

2012-01-15T10:36:00.000+01:00

Éranse tres amigos: Carlos José, Juan Blas y JóTío Petty, así llamado este último porque, cada vez que descubría una historia interesante reptando entre las oscuras circunvoluciones de su sesera, exclamaba con los ojos virados hacia arriba : ¡Jó, tíooo!

Por aquello de abreviar, a Carlos José empezaron a llamarle CJ. Lo que, dado un tupido entrecejo que colaboraba en la formación de una única cejota que separaba la frente del resto de su rostro, era todo un acierto.

Juan Blas fue llamado JB. Y puede que eso, aparte de las cuatro veces que le plantaron en el altar, tuviera algo que ver con su futuro alcoholismo.

Y JóTío Petty se quedó en JT, qué remedio. Cuando salían del cole jugaban a hacer películas. Pronto, JT empezó a destacarse como un guionista y cineasta con potencial. Lo de con potencial es un alarde de benevolencia, hoy tengo el día generoso, pues hasta la fecha el muchacho no es que tenga una trayectoria muy prometedora. Soft for digging (1998, su ópera prima), una secuela de Mimic (2003), S&Man (2006) y The Borrowers (2008) es todo su bagaje. Lo que no está tan mal si lo comparamos con las producciones de... El Sepulturero Torero, por poner un ejemplo. Que es muy fácil criticar y decir que hacer cuatro pelis es una caca de culiculum, estooo, curriculum, señor Wikus. Le voy a dar la razón, sin que sirva de pestilente.

El caso es que J. T. Petty, en 2008, hace como que se va a rascar un codo y el hijo de su madre se saca de la manga una modesta maravilla: THE BURROWERS. Y lo de modesta va sólo por el magro presupuesto de esta producción. Porque por lo demás este tío, cuando vió emerger esta historia de lo más profundo de su enfermiza mollera, tuvo que proferir el JÓ, TÍO más grande y prolongado de su vida. Enseguida se puso manos a la obra con el guión, contrató a unos cuantos actores de segunda fila, se comió un bocata calamares y se lanzó a dirigir.

El resultado es una película atractiva e hipnótica, un hibridaje de géneros dispares que homenajea a partes iguales a la magnífica Centauros del desierto, de John Ford, y al mito latino del chupacabras (¡¿!?), no os riáis, mezclando western y terror en la coctelera y sirviendo la mezcla bien fría y en vaso de tubo de largo recorrido.

Sus múltiples detractores le achacan al engendro LENTITUD. Vale. Es cierto, va, el ritmo de esta película es lento como una noche de guardia junto a la hoguera. Pero... ¿Qué western no tiene un ritmo lento? Yo creo que los caballos, antes de que se rodaran westerns, galopaban más rápido. Pero evolucionaron y se adaptaron. Tanto correr ni tanto correr.

Pero, al margen de velocidades, qué historia, señoras y señores. Y qué modo de contarla. En algún momento hablan de la batalla de El Álamo como algo reciente, por lo que cabe datar la acción sobre 1840. Con crudeza, Petty va desgranando los sombríos retratos de los miembros de una sociedad despiadada y enferma, hijos del lejano oeste y de la violencia. Hombres rudos en un mundo nuevo y hostil, violadores de una tierra que les recibe con las praderas abiertas pero que pide un alto precio por hollarlas a uña de caballo.

SPOILER Coffey es un vaquero que se ha comprometido con una joven perteneciente a una familia de rancheros. La familia es masacrada cruelmente por unos misteriosos asaltantes que raptado a dos mujeres, una de ellas su prometida. Coffey parte al rescate y se le suman otros jinetes con los que se internará en los peligrosos territorios indios. Allí les aguardan los salvajes... y un enemigo mucho más temible que los propios sioux: los madrigueros (the burrowers). FIN SPOILER

El realizador en ningún momento viene a pasarnos la mano por el lomo. No quita hierro. No suaviza. No da frescor. Nos dice todo el tiempo: eso es lo que hay, mamones.

¿Que os aburren las reuniones nocturnas alrededor de las fogatas? Pues eso es lo que hay.¿Que sabéis que ese muchacho que lleva a la mujer-araña en el carro va a comer tierra muy pronto? Pues eso es lo que hay. ¿Qué creéis que ese carismático abuelo va a llegar con vida a los créditos finales? Pues eso es lo que hay. ¿Qué creíais que una tribu de piojosos indios ute podría salvar del Mal al mundo? Pues mirad, no hay lentejas esta noche. Ni siquiera hay tal mal. Son sólo otra clase más de alimañas del ya nutrido universo de alimañas, bichillos como tantos otros. Lo demás es una trampa de vuestra imaginación, iros a dar un rule con Anthony Blake y le invitáis de mi parte a un plato de lentejas.

Porque resulta que este J. T. Petty es un tipo resuelto al encarar el rodaje. The Burrowers es, ante todo, un western. Uno que acojona, sí, y al que le falta pasta para terminar de cuajar, pero un western. Esto debe quedar claro. Y si acojona no es tanto por las criaturas ancestrales que medran en la ancha noche estrellada, que también. (Están bastante logradas, además. Y los sonidos son de los que invitan a ir al baño a descargar el revólver). Pero monstruos los hay a patadas, ya tenemos en este nuestro mundo unos cuantos tiburones blancos, rinocerontes, ballenas, tigres, hienas, mosquitos anófeles y moscas tsé tsé. ¿Quién dijo miedo? Pero también tenemos en este mundo hombres que tienen respuestas y hombres que andan buscándolas, incluso debajo de la delgada piel de la pradera, si hace falta. ¿Pero qué pasaría si no existiera tal respuesta o, lo que es peor, si esa respuesta se perdiera para siempre? ¿Qué pasaría si la única salida fuera desde entonces la huída, no sólo ya para los cobardes, la huída para todos? Si hay algo peor que el miedo es vivir sin respuestas. Esa es la premisa de la que parte el argumento de este film, a ratos asfixiante, a ratos desesperantemente lento, pero finalmente impactante. Y Petty sabe moverse detrás de la cámara con desenfado, dosificando la acción, racionando la información y entregándose valientemente a la causa. Y es por eso que lo que podría haber sido un producto más de serie B, otro más del montón, bate sus negras alas y alza el vuelo de nuestro Nido: por su valentía.

Valentía en la elección del género, una mixtura difícil de digerir para muchos.

Valentía al escoger a los sólidos personajes y a los actores. Actores semidesconocidos en su mayor parte, pero que cumplen con creces. Algunos, como ese abuelo que remeda a John Wayne, incluso arrancan unas interpretaciones brillantes. Los diálogos son vigorosos y ágiles como un potrillo desbocado. Hay unas cuantas escenas que dejan huella, como la de esa presentación interracial a caballo, ese enfrentamiento a la incuestionable autoridad militar o esa degradación en la que se va viendo inmerso uno de los personajes principales hacia el tramo final.

Valentía al eliminar a ciertos personajes en momentos inopinados y al salvar a otros contra pronóstico, saber sostener la cabalgada junto al diablo sin caer de la montura, a pesar de que a veces falte el resuello.

Pero, por y sobre todo, maestría y valentía al escoger un final perfecto y despiadado, que rubrica con aspereza toda la anterior coherencia interna de la trama y que sella de forma prodigiosa la forma de contar esta hermosa historia. Esa cara de estupor de Coffey habla por sí sola. Un relato perfecto, que quedará larvado en nuestra psique para mover de vez en cuando su meñique, telegráficante. Para incomodarnos, para aterrarnos. Y eso está requetebien.

Y por eso voy a darle a esta película 9 estrellas aunque probablemente, en una votación colectiva, sacaría sólo la mitad. Así que antes de que hagáis dos huevos fritos con ellos, voy a sumar mis pelotas a The Burrowers.

Por qué caliento mi salchicha en esta hoguera: Porque me gustan los juegos preliminares y porque me entusiasman los buenos finales.

Por qué me duermo sobre mi caballo mientras cabalgo con el Diablo: porque sobran el discurso de la india ecologista (tía, mete en tu tipi un borrower como animal de compañía, ¿no te fastidia?) y unos diez minutos de metraje. A veces (pocas) bostezo sentado en mi silla... y no es de hambre ni de sueño.

"West of Memphis", cuando la justicia deja de ser justa

2012-01-14T13:12:00.003+01:00

Todo comenzó como una investigación para exponer los principales acontecimientos en un caso de un terrible asesinato triple, pero finalmente, se convirtió en una devastadora historia real de lo que sucede cuando la justicia falla estrepitosamente...

“West of Memphis” es un documental que se acaba de presentar en el Festival de Cine de Sundance 2012 y que está escrito y dirigido por la nominada al Oscar, Amy Berg (“Líbranos del Mal”) en colaboración con Peter Jackson y su esposa Fran Walsh.

El documental narra la historia de una desesperada lucha por sacar la verdad a la luz. A partir de un agudo análisis de la investigación policial sobre el asesinato de tres boy scouts perpetrado, supuestamente, por otros tres menores en el interior del pequeño pueblo de West Memphis, Arkansas, en el año 1993.

Los tres jóvenes y supuestamente asesinos: Damien Echols, Jason Baldwin y Jessie Miskelly desvelarán su historia, su detención y su encarcelamiento por un delito que, en principio, no habían cometido... Después de probar su inocencia, y tras 18 años de cárcel, los tres chicos fueron liberados de prisión el año pasado. La cinta examina la declaración de la Fiscalía General del Estado, un caso cerrado, que condena a tres hombres a 18 años de cárcel por un crimen que no cometieron, mientras que en la actualidad el asesinato sigue sin resolver.

En “West of Memphis” veremos como familiares, abogados y defensores, como el siempre implicado Eddie Vedder, al director Peter Jackson o al músico y actor Henry Rollins, que dan su apoyo a los tres acusados y buscan la verdad, exponiendo su dramática conclusión de los hechos, dando su punto de vista y planteando serias dudas sobre el funcionamiento de la justicia de los Estados Unidos. También cabe destacar que Nick Cave y Warren Ellis han escrito la música para la película documental. Aquí tenéis el tráiler al son de, entre otras, la formidable “Tremor Christ” de Pearl Jam:

"Akuma", el demonio y sus actividades paranormales

2012-01-13T00:31:00.002+01:00

Deon Taylor, el hombre detrás de “Chain Letter”, dirige y produce “Akuma” (palabra que en español significa demonio), una cinta de terror sobrenatural en clave de falsa grabación, que el propio director, que no es ni corto ni perezoso, describe como una mezcla entre “Paranormal Activity” y ni más ni menos que el “El Exorcista”, ahí es nada.

La trama sigue a una joven japonesa que busca rehacer su vida después de una tragedia, pero a medida que pelea por superar sus problemas se da cuenta de que realmente está luchando contra algo oscuro que se le va de las manos. A partir de ahí veremos como la chica es agredida sin piedad por un ente maligno y en su propia casa. El guión fue co-escrito con Taylor por Blayne Weaver y Joe Bockol, el rodaje de la cinta comenzó finales del año pasado y es probable es que esté terminada para finales de este 2012.

Viendo simplemente el póster promocional y el tráiler de “Akuma” ya nos podemos hacer más que una buena idea de por donde irán los tiros, y lo cierto es que las similitudes con “Paranormal Activity” son más que evidentes, aunque el tráiler que podéis ver abajo, tiene su gracia.

Akira Tanaka es una joven y atractiva japonesa, que está algo dañada emocionalmente, y se traslada a los Estados Unidos para escapar de un pasado marcado por la tragedia. Ella se muda con su hermana Hana y su nuevo marido, Adam, con la esperanza de dejar atrás sus demonios y comenzar una nueva vida. Pero el comportamiento de Akira es cada vez más extraño, y se ve obligada a revelar la verdadera razón por la que dejó Japón: ella huye de un espíritu maligno que la ha atormentado desde su más tierna infancia... y parece que la ha seguido hasta su nuevo hogar...

Zombie Ass: Toilet of the Dead, Otra mierda japonesa

2012-01-12T11:54:00.000+01:00

Mecachis en la mar salada. Estaba yo tranquilamente desayunando mi vasito de leche de soja con mi respectiva galletita de soja y naranja y a mis ojitos (por supuesto, de soja) llega por casualidad, el trailer de esta película japonesa dirigida por el señor Noboru Iguchi, director entre otras muchas, de “Machine Girl” y “Robogeisha”, por lo que os podéis hacer una idea de lo que vamos a encontrar en esta “Zombie Ass: Toilet of the Dead” si es que el título no daba ya las suficientes pistas. Exacto, un nuevo splatter gore nipón, haciendo homenaje esta vez a ese poco prolífero, minoritario y marginal subgénero que es el de los muertos vivientes y tirando para la ocasión de esa original y poco utilizada coletilla “…of the Dead”, que tan pocos han osado utilizar desde que un tipo muy raro con unas gafas muy grandes… bla, bla. bla. La novedad en este nuevo episodio zombie, es que estos, no salen de la tierra, sino de las letrinas, por lo que como no podía ser de otra forma, están literalmente, cubiertos de mierda, caca, popo o como queráis llamarlo, no cabe duda, de que semejante vuelta de tuerca escatológica, solo nos podía llegar del país del sol naciente. Lo curioso del tema, es que el trailer, no tiene mala pinta, siempre que no estés desayunando y te vaya el royo anal, claro.

La sinopsis…. Bueno, ¿realmente le importa a alguien la sinopsis de esta película? No se, eso sería como preguntarle a nuestro vecino de que va la última película de Rocco Siffredi (si es que este tío sigue haciendo pelis, de lo cual no tengo ni puta idea, pues como sabréis, jamás he visto una película porno, mucho menos, italiana... buf!!). Pues eso joder, zombies cutres, científicos chiflados, parásitos alienígenas, chicas japonesas ligeritas de ropa, gore y mierda, mucha mierda. Dadle un poco a la materia gris, y montaos vosotros la historia.

Crítica: Los Cazafantasmas

2012-01-12T10:29:00.000+01:00

Siendo honesto con el lector, debo reconocer que nunca he sido muy fan de las películas ni los dibujos de los cazafantasmas.

Nunca entendí, como unas películas tan bobas habían podido tener tanto éxito en los 80, ni mucho menos el revuelo que se originó cuando Dan Aykroyd confirmó que todo el reparto original, además de su director, Ivan Reitman, volverían a trabajar juntos en una tardía tercera parte.

Tampoco ayudaba el hecho de que Bill Murray nunca me haya parecido, hasta Lost in traslation de Sofia Coppola, un actor interesante. Algo que me ocurre con gran cantidad de actores cómicos de los 80 como Chevy Chase, Martin Short y un largo etcétera, salidos la mayoría de ellos, del fantástico programa americano Saturday night live.

Y me gustaría aclarar algo antes de seguir, cuando digo que no me resultan interesantes, me estoy refiriendo a todos ellos como actores, porque como cómicos me encantan.

De ahí que siempre esperase más de ellos, un humor más negro y transgresor. Sus películas siempre me dejaron un extraño sabor de boca y la sensación de que habían suavizado su arte para poder ser compatibles con la maquinaria de Hollywood, algo que para un niño tan loco como yo, era inaceptable.

Hace tres años quise dar otra oportunidad a nuestros amigos y vi seguidas ambas películas en compañía de mi antiguo compañero de piso, todo un experto de la película que nos ocupa y su secuela. El resultado fue el mismo, indiferencia total, sobre todo tras el visionado de su triste segunda parte…

No me extraña que tras su estreno, Bill Murray fuese reticente a volver a vestirse con una bombona de butano a la espalda por tercera vez.

El destino a veces es extraño y cuando el señor Rector nos propuso hacer este ejercicio de memoria para estas navidades, no sé porque extraña razón elegí esta película.

Tal vez, para reconciliarme con ella y descubrir valores que nunca había apreciado en ella, como me ha sucedido ahora.

Tampoco voy a engañar a nadie, entiendo porque fue un rotundo éxito en su época y he disfrutado mucho viéndola, pero sigue sin parecerme ninguna obra maestra.

El guión, firmado por Dan Aykroyd y Harold Ramis, director de la estupenda “Atrapado en el tiempo”, es curioso cuanto menos, pero no una maravilla. Se trata de una película macarra al servicio del señor Murray, pero dedo reconocer que los personajes están bien construidos y las situaciones cómicas bien creadas.

Las actuaciones son divertidísimas porque los actores que las llevan a cabo no podían ser otros. Aunque como es sabido, el papel de Murray fue inicialmente escrito pensando en John Belushi y el de Ernie Hudson en Eddie Murphy.

Todo el elenco está fantástico, destacando por encima de todos ellos, como no podía ser de otra forma, Bill Murray.

La constante ironía de la que hace gala el doctor Peter Venkman provoca algunos de los mejores momentos del metraje y hace que nos enamoremos en escasos minutos del personaje.

Destacan también Rick Moranis como el pesado y torpe vecino, y la siempre estupenda Sigourney Weaver, quien muestra una sensualidad desbordante además de ser la pareja sentimental de Murray en la película.

Los efectos, son lo más entrañable de una película que fue realizada en la época dorada de los efectos especiales artesanales, todo emana un olor ochentero que se contagia…

La banda sonora es cuanto menos mítica y la dirección de Reitman no desentona en absoluto.

Una buena película para ver un sábado por la tarde con los amigos alrededor de unas cervezas.

¡Larga vida a los cazafantasmas!

"III", el cuento slasher del conejo, el cerdo y el drugo

2012-01-10T15:43:00.003+01:00

“III” (“TRES”) es una atractiva cinta que ha sido descrita como un híbrido entre una película slasher y una de monstruos al estilo de HP Lovecraft. La estética del film recuerda claramente a un slasher clásico de los años setenta y según palabras de su director, el debutante Trey Howell, en ella podremos ver a fuertes protagonistas femeninas, de esas que en vez de salir corriendo escaleras abajo para buscar a un tipo que las salve, deciden armarse de valor y plantarles cara a sus atacantes, mujeres similares a las que ya hemos podido ver en grandes cintas como “Alta Tensión”, “The Descent” o “The Descent 2”, dicho esto, la cinta no puede parecer más tentadora.

Aunque nadie ha dicho nada al respecto, y encontrar información de ésta producción no es una tarea fácil, me aventuraría a decir que “III” tratará sobre tres asesinos slashers, dos chicos y una chica, los cuales lucen unas siniestras máscaras, la de un conejo, un cerdo y un drugo (por si hay algún despistado en la sala, decirle que esto último es un miembro de la pandilla de “La Naranja Mecánica” de Kubrick), para así perpetrar sus sangrientos crímenes, lo que ya me desconcierta un poco es eso de los monstruos al estilo Lovecraft, así que hasta aquí puedo leer. El guión ha sido escrito por el mismo Trey Howell acompañado del actor Braxton Williams, mientras que en el reparto veremos a rostros jóvenes y desconocidos, casi todos debutantes que han salido de escuelas como la Savannah College of Art and Design, Trident Technical College, o la Charleston School of the Arts.

“III” está siendo filmada en Carolina del Sur tanto en 2D como en 3D. A continuación tenéis el téaser tráiler, debo decir que tiene efectos hipnóticos y que cuenta con unas sugerentes y cuidadas secuencias con aires retro que además vienen acompañadas de una música y unos mensajes en consonancia. La cinta saldrá durante este 2012 y sin duda habrá que seguirle la pista. Aquí os dejo el téaser:

Crítica: Cisne Negro

2012-01-10T15:07:00.000+01:00

1998, Festival de Cine de Sundance, un tal Darren Aronofsky se lleva el premio al mejor director por una extraña película rodada en blanco y negro, con escasos medios e ínfimo presupuesto.

La película en cuestión: ‘Pi: fe en el caos’ (‘Pi: Faith in Chaos’). En poquísimo tiempo la enigmática cinta pasa a ser pieza de culto y el nombre de su director comienza a sonar con fuerza. Inmediatamente el joven Darren Aronofsky se convierte en una de las promesas del cine americano indie.

El director estadounidense no pierde el tiempo y rápidamente vuelve a la carga –con más fuerza si cabe- con otra película indie: ‘Réquiem por un sueño’ (‘Requiem for a Dream’, 2002).

La segunda película del director es todavía más furiosa e impactante que la anterior, y todo hay que decirlo, bastante más angustiosa y desagradable ya que toca el tema de las drogas de manera bastante cruda y realista.

Esta película también se convierte en pieza de culto y además lanza al estrellato a su director.

Totalmente crecido y entusiasmado con su nueva posición de gran joven director americano, Aronofsky se lanza de cabeza (y sin red) hacia un insólito y sorprendente proyecto titulado ‘La fuente de la vida’ (‘The Fountain’, 2006).

La película se vende como un drama romántico de ciencia ficción en el cual se habla del amor, la muerte y la inmortalidad. Todo ello contado de manera muy poética, muy lírica, muy onírica y muy filosófica.

El descalabro (comercial) es importante, -normal, la gente no está preparada para algo así, se necesita tener una mente muy abierta y profunda para conectar con esta maravilla-; aún y con todo, el tercer largometraje de Aronofsky se convierte (al igual que los dos anteriores) en película de culto y no hiere de muerte a su creador.

Es por ello -como viene siendo habitual en él- que rápidamente se pone a trabajar en su siguiente proyecto. Esta vez volverá a lo terrenal y realista para contarnos la historia de un perdedor nato -un luchador de wrestling- que en su día fue uno de los grandes, me refiero claro está a ‘El luchador’ (‘The wrestler’, 2008). Una de las mejores películas de los últimos tiempos.

Aronofsky nos regala una joya del cine más indie y de paso le regala a Mickey Rourke el papel de su vida.

Y de nuevo sin perder el tiempo, se pone tras las cámaras para dirigir la que es su última película hasta el momento: ‘Cisne Negro’ (‘Black Swan’, 2010).

Entre tanta excelencia es difícil decir si ‘Cisne Negro’ es o no su mejor película, pero de lo que no cabe duda es que esta película es muy grande. Claro que, ¿qué se puede esperar de Darren Aronofsky? Yo personalmente solo espero o sobresaliente o matrícula de honor.

‘Cisne Negro’ es un thriller psicológico que habla del éxito, del fracaso, de la dificultad de lograr el éxito y de lo fácil que es alcanzar el fracaso. Asimismo Aronofsky nos relata cuestiones tan peliagudas como el reemplazo, el acecho y el doble.

Si Aronofsky pretendía crear angustia, mal rollo y un ambiente malsano, lo ha conseguido.

Desde que da comienzo la pesadilla el espectador no puede escapar. El malestar se torna irreversible y la ansiedad se apodera de uno.

Mérito del director sin duda, pero también de su actriz, la guapa Natalie Portman, que aquí realiza sin duda alguna se segunda mejor interpretación, -la primera es la que realizó en su debut siendo una niña, cuando interpretó a la tierna Mathilda en ‘Léon, el profesional’ (‘Léon’, Luc Besson, 1994)-.

La actriz se llevó el Oscar a la mejor actriz por su papel de bailarina angustiada (se lo merecía).

Además de con Natalie Portman el director pudo contar con la morbosa Mila Kunis (buena actriz que deberá escoger bien sus papeles para demostrarlo), Winona Ryder (otra buena actriz, solo que en horas bajas), Barbara Hershey (una de las grandes) y mi idolatrado Vincent Cassel, demostrando una vez más que es el mejor.

Cuesta pensar en Darren Aronofsky y no hacerlo en el inglés Clint Mansell. El extraordinario compositor musical ha trabajado en todas y cada una de las películas del director aportando su maestría y excelencia.

Sus carreras han estado ligadas desde la ópera prima del director y es impensable imaginar a otro músico en su lugar. ¿Quién no recuerda el tema principal de ‘Réquiem por un sueño? Aunque yo personalmente me quedo con el de ‘El luchador’.

Aquí Mansell vuelve a realizar un trabajo excelente.

‘Cisne Negro’ es uno de los mejores thrillers psicológicos de los últimos tiempos, una obra de un director inquieto y personal que siempre sorprende y que jamás realiza productos anodinos o banales. El espectador nunca sale del cine indiferente. Un fuera de serie vamos.

Me encanta esta película y me encanta Darren Aronofsky.

Lo que más me ha gustado: casi todo.

Lo que menos me ha gustado: le sobra un poco de metraje.

"ATM", piénsatelo dos veces antes de ir a sacar dinero

2012-01-09T07:16:00.001+01:00

Tres compañeros de trabajo deciden hacer una visita nocturna a un solitario cajero automático para sacar dinero en efectivo. Lo que nunca imaginaron es que esa decisión terminaría en una lucha desesperada para salvar sus vidas cuando son atrapados por un hombre desconocido…

Este es el argumento de “ATM” (abreviatura de “Automated teller machine”, o lo que es lo mismo: el cajero automático del banco), un intenso thriller que dirige el debutante David Brooks y que cuenta una de esas historias en las que un reducido número de personas termina encerrada en un determinado lugar a merced de un lunático. La cinta está escrita por Chris Sparling, todo un experto en esto de encerrar a gente y hacérselo pasar canutas, ya que también fue el guionista de la aclamada “Buried” (Rodrigo Cortés, 2010).

La película está protagonizada por Alice Eve (“The Raven”), Brian Geraghty (“En Tierra Hostil”) y Josh Peck (“Havoc”), y aunque viendo el tráiler parece que estará cargada de clichés (ese poli confiado que viene sin refuerzos y que todos sabemos como acabará...), siempre resulta interesante ver como se comporta un grupo de personas en esa situación y como se las apañarán para escapar del psicokiller que les quiere hacer picadillo.

De momento no hay ni una sola palabra acerca de su estreno, aunque es bastante probable que salga directamente en DVD durante este año. Aquí tenéis el tráiler:

Crítica: The Innkeepers

2012-01-08T22:44:00.001+01:00

Recuerdo hace ya unos añitos, cuando este, el que suscribe, trabajaba en el turno nocturno de una inmensa y siniestra fábrica en las afueras de Barcelona desempeñando labores de mantenimiento. Recuerdo también, como muchas noches, tenía que apagar mi walkman (si, aquellos rudimentarios reproductores portátiles de cintas de cassette) pues no me hacía puta gracia meterme por según que lugares privado de todas mis capacidades sensoriales… vamos, que estaba “jiñao”, con el culete prieto, prieto. Cuantas historias aterradoras llegaron a pasar por mi cabeza en aquellas largas noches de verano, joder, debería haber escrito un puto libro o en su defecto, haberme montado un blog literario… bueno, esto viene al caso por que hay escenarios (como la susodicha fábrica) potencialmente idílicos para construir una buena historia de terror, un grandioso hotel vacío, es otro buen ejemplo, como hiciese el genial Stanley Kubrick cuando adaptó la novela de mi buen amigo Stephen King en “El Resplandor”, sin duda, uno de los grandes títulos del royo este del cine de terror. Pues bien, “The Innkeepers”, la nueva película de mi estimado Ti West, vuelve a recuperar tan atractivo marco para desarrollar la enésima historia de casas embrujadas, almas atormentadas o simple y llanamente, para que me entienda todo el mundo, de fantasmas.

Y viniendo de un tipo como West, que en los últimos años nos ha dejado cosas tan grandes como “The House of the Devil” (atención, por que esta, superando las expectativas de los mas optimistas, ha sido editada en DVD en nuestro país, en España también) o tan divertidas como “Cabien Fever 2” (y mira tu que casualidad, que esta también la han editado), la gran expectación y no menos curiosidad que ha despertado con esta “The Innkeepers” en el público afín al género, están mas que justificadas.

“The Innkeepers” por si alguien aun no lo tiene claro, gira en torno a las desventuras de dos empleados de un gran hotel que está a una semana de cerrar sus puertas por falta de ocupación. Estos, aburridos por la monotonía de su trabajo, matan el tiempo fantaseando sobre la posibilidad de que en el lugar, habita el alma atormentada de una antigua propietaria que murió en extrañas circunstancias. No tardarán en descubrir (bueno, en este caso, SI tardarán) que esta vez, la realidad supera a la ficción.

En mi opinión, dos de las grandes virtudes de West como cineasta, son su gran capacidad para tratar con lo cotidiano y su mano de santo a la hora de otorgar profundidad y alma a sus personajes, por lo tanto, si a este vino de la casa, le añadimos ese bucólico telón de fondo que os comentaba, pues no es de extrañar, que este, el que suscribe, encarase el visionado de su nueva película no solo con la ilusión de un niño que se va a dormir pronto la noche de reyes, sino con una caja de kleenex (u en su defecto, un par de calcetines… si este es el caso, a poder ser, que sean limpios. Ante todo, higiene) a mano por lo que pueda surgir, que nunca se sabe y mas vale prevenir que curar (¿habéis intentado alguna vez limpiar una mancha de esperma de la tapicería de un sofá?). Bien. Por favor, que nadie me conteste a eso.

Para terminar de rematar el asunto, West, carga todo el peso de su obra sobre uno de los rostros mas populares del momento, el de la rubísima Sara Paxton (a la que recordamos de la reciente y nefasta “Tiburón 3D: La Presa”) aunque aquí en un registro muy diferente, el de actriz. Pues si, una Paxton mas aniñada de lo habitual y cogiendo el testigo de aquella maravillosa Jocelin Donahue en “The House of the Devil”, se marca una interpretación antológica al frente de esta… desastrosa función fantasmagórica echada a perder por el absurdo intento por parte de su director de rizar el rizo que previamente, el mismo había rizado. ¿Qué significa esta bobada? Pues que West lleva al extremo y hasta sus últimas consecuencias sus dos grandes virtudes. La de dimensionar a sus personajes, algo que le funcionó de perlas en sus dos filmes anteriores, donde mas allá de las historias que nos estaba contando, que podían interesar mas o menos dependiendo de cada sombrero, el espectador era prácticamente obligado a punta de pistola, a sentir empatía por todos y cada uno de estos, trabajados, mimados e incluso, diseccionados, aquí también funciona, por que señores y señoras, chicos y chicas, goblins y goblans, todos vamos a amar al personaje de Sara Paxton, vamos a amarlo mucho y no quiero decir desde un punto de vista sexual (eso ya depende de la entrepierna de cada uno), quiero decir desde un punto de vista emocional. Chapeau por Ti West en este sentido y por supuesto para Paxton por la parte que le toca, que no es poca.

El problema viene dado a la hora de tratar con lo cotidiano, algo que el director también manejó de fábula con anterioridad y que aquí se le escapa de las manos, lastrando demasiado una película que comienza apasionante y poco a poco se va convirtiendo en una experiencia tortuosa y a todas luces soporífera donde en sus 90 minutos de metraje, no pasa absolutamente NADA hasta sus últimos cinco. Supongo que en un desesperado intento del director por dar credibilidad a una historia tan manida como esta y de paso, huir de los tópicos que vienen de fábrica con las mismas. Eso está bien señor West, se agradece la intención, pero no se puede matar un mosquito a cañonazos, hay que tener muy presente aquello de el denominado daño colateral, “The Innkeepers” es un buen ejemplo de esto.

Por lo tanto, buena materia prima (personajes, escenario e historia) y muy bien planteada, pero terriblemente mal desarrollada, monocorde, repetitiva, sin sustos, sin acción, sin giros, sin fantasmas. En dos palabras: sin terror. Por no mencionar, la gran frustración que supone devolver el juego de calcetines, limpios, a nuestro cajón de la ropa interior... por mucho que sea uno de mis alumnos favoritos, de este suspenso no le libra nadie señor West, espero verle por aquí en Septiembre con la lección bien aprendida.

Lo mejor: La interpretación de Sara Paxton, la gran banda sonora y las apariciones fantasmales (eso si, un 0,01% del metraje).

Lo peor: Su aburrido desarrollo, su falta de “chicha” ectoplásmica, su insultante secuencia final y ver como West tira por tierra no solo su película, sino también el que posiblemente sea uno de los trabajos más brillantes que le veremos a la señorita Paxton de aquí en adelante. Él se lo guisa y el se lo come.

Crítica: Dentro del Laberinto

2012-01-08T12:37:00.000+01:00

La Navidad 2011-2012 se acabó y como regalo de Reyes os ofrezco esta semana esta crítica para cerrar el Especial Navidad que tan bien nos ha salido a ésta nuestra familia de cuervos y amigos capitaneados por el Sr. Rector, el Gran Cuervo.

En 1986 una coproducción británico americana (con Lucasfilm al frente) presentaba para la gran pantalla el film de fantasía y aventuras titulado “Labyrinth” (“Dentro del Laberinto” en España) bajo la dirección de Jim Henson (el creador de los Muppets o Teleñecos) y con Terry Jones al guión, que con los años se convertiría para sus fans en película de culto.

Sarah (Jennifer Connelly), una soñadora y fantasiosa adolescente, debe atravesar un laberinto para rescatar a su hermano pequeño Toby, que ha sido secuestrado por los goblins tras recitar la muchacha unos versos de su libro favorito, “Labyrinth”, y que ahora está en manos del poderoso rey Jareth (David Bowie). Sarah descubre, casi inmediatamente, que ha llegado a un lugar donde las cosas no son siempre lo que parecen. “Dentro del Laberinto” es una obra influenciada por “Alicia en el país de las maravillas” de Lewis Carroll y la película “El mago de Oz” en la que destaca un maravilloso diseño artístico y de producción, y un guión plagado de humor con una lograda caracterización de personajes. La ambientación nos envuelve y en especial el laberinto de cartón piedra y la sala de las escaleras es lo que más nos atrae. Los escenarios, en definitiva, nos recuerdan a producciones como “La historia interminable” o “La princesa prometida” .

Los actores, por otra parte, consiguen caracterizar con éxito a los personajes plasmados en el guión y se mezclan con el resto de personajes realizados con marionetas de goma llenas de vida y gracia (especialmente Hagle y Ludo) en todos sus gestos, que son muestra de la faceta más artesana de esta obra cinematográfica. Los personajes que pueblan el universo Goblin son una amalgama de monstruos y criaturas de toda clase que se mueven fantásticamente gracias al talentoso Frank Oz, quien ya trabajó con Jim Henson en “Cristal oscuro”.

También cabe remarcar la música de la película de la mano del maestro David Bowie, quien representa al rey de los Goblins con mucho carisma y llena la banda sonora de ritmos ochenteros con baterías, teclados eléctricos y guitarras. Sin ser un musical, la cinta nos ofrece momentos en los que los personajes cantan y aquí Bowie es donde más luce.

En referencia a las actuaciones, destaca una jovencita Jennifer Connelly que en su papel de Sarah demuestra un torrente de talento. David Bowie, por su parte, demuestra sus dotes interpretativos a pesar de decirse que fue escogido en tercer lugar tras descartar a Michael Jackson (cosa mala en la actualidad con el tema del secuestro del niño) y el gran Sting (aunque su actuación en “Dune” fue ridícula e inaceptable). Aun siendo el tercero en la lista, nadie como Bowie para marcar paquete con esas mayas ajustadas.

El personaje de Sarah es el de una adolescente en la edad del pavo cuyo recorrido a través del laberinto le ayuda a madurar y a aprender a valorar lo que tiene. Al principio la muchacha es recelosa de su intimidad y sufre un trastorno del orden (todos los objetos de su habitación tienen un lugar y con un simple vistazo sabe si alguien ha tocado algo) producido por la falta de control que siente en su vida a raíz del divorcio de sus progenitores y las nuevas nupcias de su padre. Su habitación es su fortaleza personal frente al mundo exterior y su libro es la ventana al exterior. ¿Cuántos de nosotros nos hemos refugiado alguna vez en la fantasía? Personalmente, ya en mi adultez, en ocasiones me refugio en mis películas ante los dolores de cabeza del trabajo y de la vida en general.

En la historia narrada subyace un poema de amor construido sobre el mito del laberinto, alegoría del camino hacia el interior de nuestros secretos. El rey de los Goblins se enamora de Sarah con la que inicia un juego de inteligencia lleno de magia, acertijos y misterio. En el transcurso del viaje por el laberinto en busca de su hermano, la joven se enfrenta con muchos peligros y conoce a nuevos amigos, con los que aprende el valor de la amistad y el coraje, pero sobretodo aterriza en el mundo de los adultos para abandonar la infancia; aunque no del todo (como nos muestra el final de la película). Con “Dentro del Laberinto” volvemos a las historias para toda la familia que nos muestra la metamorfosis del joven en adulto, esta vez de la mano de Henson quien demostró con “Cristal Oscuro” ser un narrador espléndido y un cuenta cuentos magnífico.

«Por increíbles caminos e innumerables fatigas, me he abierto camino hacia el castillo más allá de la Ciudad de los Goblins para recuperar al niño que me has robado. Porque mi voluntad es tan fuerte como la tuya y mi reino igual de grande. ¡No tienes poder sobre mí!».

LO MEJOR: Interesante fantasía gracias a un buen guión, espectacular ambientación gracias a un gran diseño artístico y de producción, y mágicos personajes gracias a los geniales Connelly y Bowie. Imaginativo cuento para toda la familia.

LO MENOS BUENO: Cierto es que algunos elementos de atrezzo pueden resultar algo de pega y para un adulto pueden suponer algo falsos, con lo que nos saca un poco de la historia. No obstante, pese a las pegas que pueda haber los escenarios de “Dentro del Laberinto” demuestran que detrás hay gente con mucho talento y buen ejemplo son El Pantano del Hedor Eterno o el túnel de manos parlantes.

Artículo: Blade Runner

2012-01-07T07:18:00.000+01:00

¿Qué se puede decir de ‘Blade Runner’ (‘Blade Runner’, Ridley Scott, 1982) que no se haya dicho ya? La respuesta es clara: nada.

Si acaso, lo que sí se puede hacer es dar una opinión totalmente personal y subjetiva (¿hay alguna que no lo sea?) de esta absoluta obra maestra.

Un servidor es un auténtico fanático del cine en general y del cine de género en particular, en especial, en la vertiente ciencia ficción. Y si la ciencia ficción se fusiona con la acción y la ultra violencia, entonces podemos decir casi con toda seguridad que la película que entre en ese grupo, se convertirá en película de cabecera y pasará a formar parte de mis imprescindibles.

‘Blade Runner’ entra en ese selecto grupo.

La primera vez que la visioné era yo un crío, entonces no entendía muy bien de qué iba el asunto, es más, apenas me interesaba más allá de sus secuencias de acción, su violencia y sus efectos especiales.

Llegué a la adolescencia y comenzó a interesarme algo más, sin embargo, aún no alcanzaba a comprender su magnitud.

No fue hasta que arribé a la edad adulta que supe apreciar toda su grandeza y esplendor.

Y es que ‘Blade Runner’ gana con cada visionado. Cada vez que la veo me gusta más, habiendo llegado a convertirse en una de mis películas de referencia.

El por qué me fascina tanto la ciencia ficción es un asunto que me costaría horrores exponer. No sabría explicar muy bien por qué me atraen tanto esos mundos imaginarios repletos de artefactos imposibles, seres de otros mundos, creaciones cibernéticas, experimentos, viajes interespaciales, mundos inhóspitos, vehículos espaciales, criogenizaciones, cyborgs, armas sofisticadas, robots, viajes espacio-temporales, etc.

Lo único que sé es que me hipnotiza, me coge de la mano y me adentra en un mundo del que me gustaría formar parte eternamente no teniendo así que volver jamás a la realidad.

Me encantaría poder enfrentarme a un Hal 9000, a un Roy Batty, a un T-1000, a un alien xenomorfo o a un simio parlante. ¡Qué narices, hasta me gustaría ser uno de ellos!

Con ‘Blade Runner’ me sucede exactamente eso. Gracias a su estupenda dirección, su extraordinario diseño de producción, sus increíbles efectos especiales, su cautivante música, su intrigante trama, su formidable fotografía, sus grandes interpretaciones, su perfecto montaje y también, su gran cantidad de simbolismos y carga filosófica, la cinta dirigida por Ridley Scott logra sumergirme en ese mundo eternamente oscuro tan solo iluminado por luces de neón, plagado de vapores que parecen surgir de la nada, constantemente inundado por una perpetua lluvia ¿ácida?, saturado de personas bizarras, peculiares, casi “fellinianas”, atestado de tortuosos callejones y repleto de caos y violencia.

Como ya he mencionado, su trama engancha, y de qué manera. Desde que ‘Blade Runner’ da comienzo el espectador no puede apartar la mirada de la pantalla. Sus impactantes imágenes se van sucediendo una tras otra y somos testigos del periplo que debe sufrir nuestro antihéroe Rick Deckard (un magistral Harrison Ford), un policía especial en la línea de los mejores investigadores policiales del Séptimo Arte.

Su angustia se transmite al espectador, su credibilidad y carisma nos ayudan a ser partícipes de su tortuosa investigación.

Una investigación que se hace creíble, una historia que se torna verosímil a pesar de transcurrir en el futuro. Y eso es debido a que es un futuro que, ya no solo no queda tan lejos, sino que además está ya casi entre nosotros (¿sin el casi?). Una situación de ficción que perfectamente puede respirarse ya en algunos territorios de nuestro mundo presente.

¿O es que acaso no hemos presenciado ya ese triste y húmedo clima en ciudades como Londres? ¿O no podemos ver ya las calles de Tokio repletas de carteles con luces de neón? ¿Y esas fantasmagóricas calles de Nueva York saturadas de vapores que surgen del subsuelo?

Así pues, el mundo creado en ‘Blade Runner’ no es un mundo tan ajeno ni tan extraño, es totalmente verosímil y sobre todo, coherente con lo que nos plantea.

La historia es bien sencilla. Un policía especial (un Blade Runner) llamado Rick Deckard, debe “retirar” (bonito eufemismo para describir cacería y muerte) a un reducido grupo de Replicantes de la rama Nexus 6, -androides capaces de pasar por seres humanos-. En su búsqueda y persecución se topará con una autómata de la que se enamorará, creando esto último diversos conflictos tanto externos (otros Blade Runners y autómatas) como internos (su deber, su honor, sus sentimientos...).

Constantemente se habla de lo importante que es el pensar durante el camino más que en la meta. Lo importante que es disfrutar del paisaje casi más que del destino. De lo interesantísimo que es el cómo más que el qué. ‘Blade Runner’ cumple esa máxima como pocas.

Leyendo su sinopsis uno podría pensar que estamos ante otra historia más de policías y ladrones con femme fatale de por medio. Una sencilla historia de detectives de los años 40 y 50 pero ambientada en el futuro. Y de hecho así es.

Pero la grandeza de esta película radica en cómo nos la cuentan, no en el qué nos cuentan.

Su asequible trama hace que la película se siga con facilidad, pero eso sí, siempre con entusiasmo, en especial debido a ese extraordinario mundo creado para la ocasión en el que la ingeniería genética está a la orden del día.

Sin embargo, a pesar de su sencilla (que no simple) trama, la cinta está trufada de multitud de referencias, simbolismos y filosofía.

Esos escalonados edificios que parecen sacados del Antiguo Egipto (véase también el interior de la mansión en la cual vive el creador de los Nexus 6).

Ese mismo creador (Dios) que crea vida y concibe nuevos (y superiores) seres (a imagen y semejanza de su autor).

Ese nuevo ser (Roy Batty, -genial Rutger Hauer-) que destruye y aniquila a su creador (y Padre) quitándole la vida de manera dolorosa y viciosa (tal y como se hizo con Jesucristo) en lugar de hacerlo rápidamente y sin tormento alguno.

El mismo Roy Batty clavándose un clavo en la mano (de nuevo la religión hace acto de presencia) mientras tortura a su perseguidor, para acto seguido, salvarle, perdonarle la vida y hacerle escuchar el monólogo más imponente, humano, existencialista, (e imitado, plagiado, homenajeado y parodiado), que se haya podido presenciar en toda la Historia del Cine.

Y así podríamos continuar hasta el Día del Juicio Final. Son todos estos paralelismos y simbolismos uno de los grandes motivos por los que ‘Blade Runner’ se hace, cada día que pasa, más grande.

Resulta curioso poder comprobar cómo en su momento no fue reconocida ni por crítica ni por público, y que, gracias a su reestreno en los 90, fue solo cuando comenzó a tomarse en serio esta maravillosa propuesta y a convertirse en verdadera pieza de culto.

Fue gracias al empeño de su director Ridley Scott que semejante empresa pudo llevarse a buen puerto.

Basándose (libremente) en la novela ‘¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?’ del visionario, genial y polémico Philip K. Dick (el cual murió justo antes de que se estrenara la película), los guionistas David Webb Peoples, -el cual escribió la más que notable ‘Soldier’ (‘Soldier’, Paul W.S. Anderson, 1998), una especie de historia paralela que transcurría en el mismo mundo que ‘Blade Runner’,- y Hampton Fancher, revisionaron el complejo mundo del escritor y novelista estadounidense y lo adaptaron a un lenguaje más comprensible para el gran público (lo cual no significa que la película sea pueril o edulcorada, para nada).

A pesar de que la película iba dirigida a (casi) todo el mundo, muchos no la entendieron, otros no conectaron, a otros les pareció aburrida, a otros rara (Philip K. Dick era un tipo raro, perturbado), en definitiva, que aun contando con un director que venía de triunfar con sus anteriores propuestas, -‘Los duelistas’ (‘The Duellists’, 1977), ‘Alien, el octavo pasajero’ (‘Alien’, 1979),- y que comenzaba a forjarse un nombre en la industria, teniendo a una estrella protagonizando la cinta, -Harrison Ford, el cual venía nada más y nada menos que de ‘La guerra de las galaxias: episodio V. El imperio contraataca’ (‘Star Wars: Episode V. The Empire Strikes Back’, Irvin Kershner, 1980) e ‘Indiana Jones: en busca del arca perdida’ (‘Indiana Jones: Riders of the Lost Ark’, Steven Spielberg, 1981),- y gozando de un considerable despliegue de medios, la cinta no tuvo la repercusión esperada, fracasando en su estreno en salas y siendo repudiada por un gran sector tanto de la crítica como del público.

Pero como ya he mencionado antes, ese grave error se logró subsanar en el año 1992, el año de su reestreno. ‘Blade Runner’, cual Ave Fénix, resurgió de sus cenizas y comenzó a volar tan alto que hoy día está considerada una de las mejores películas de todos los tiempos. Ahí es nada.

Personalmente me alegro de que Ridley Scott fuera el que finalmente llevara a cabo la difícil tarea de trasladar la obra de Philip K. Dick a la gran pantalla.

Ridley Scott es un director que me gusta, es más, me gusta mucho y no me he perdido ni una sola de sus películas. Incluso sus películas más flojas me interesan (por unos u otros motivos), como por ejemplo la endeble ‘La teniente O’Neil’ (‘G.I. Jane’, 1997), película blanda donde las haya que sin embargo me hace disfrutar enormemente (recordemos ese inolvidable, “¡chúpeme la polla!”, que le suelta una hipertrofiada (y rapada) Demi Moore a un entonces no tan conocido (y perfecto en su rol de tipo duro) Viggo Mortensen. A mi favor debo decir que soy fan de las películas de militares (tal vez tenga algo que ver mi pasado militar).

‘La teniente O’Neil’ no es la única película floja que ha dirigido el británico, sin embargo, no sé por qué extraña razón últimamente solo se le recuerda por sus obras menos afortunadas. Pero no debemos olvidar la gran cantidad de buenas (algunas excelentes) películas que nos ha dejado el mayor de los hermanos Scott.

Además de la obra maestra que nos ocupa, también ha dirigido otra grandísima película, una indiscutible obra maestra (enmarcada también –al igual que ‘Blade Runner’- en un contexto de ciencia ficción), hablo claro está de la antes mencionada ‘Alien, el octavo pasajero’ (‘Alien’, 1979).

Además de sus dos obras maestras, el bueno de Ridley ha dirigido películas tan interesantes y conseguidas como: ‘Black Rain’ (‘Black Rain’, 1989) , ‘Thelma & Louise’ (‘Thelma & Louise’, 1991), ‘Gladiator’ (‘Gladiator’, 2000), ‘Hannibal’ (‘Hannibal’, 2001), ‘Black Hawk derribado’ (‘Black Hawk Down’, 2001) o ‘American Gangster’ (‘American Gangster’, 2007).

Un tipo que hace en dos años tres buenas películas, -‘Gladiator’ (2000), ‘Hannibal’ (2001) y ‘Black Hawk derribado’ (2001)-, no puede ser tan torpe (aunque algunos se empeñen en que sí).

Ridley Scott maneja la cámara con maestría y solvencia, no le tiembla el pulso en ningún momento. A pesar de que llevaba pocas películas a sus espaldas, Ridley dirige como un veterano. El contar una historia futurista de ciencia ficción repleta de efectos especiales no obliga a Ridley a realizar un videoclip de dos horas, de hecho, después de seguir y ver toda su filmografía, se podría decir que ‘Blade Runner’ es uno de sus trabajos más clásicos y menos efectistas.

Personalmente no tengo nada en contra de los trabajos “videocliperos”, pero sí que se agradece que la cámara se quede quieta y permita al espectador ver con claridad lo que sucede en pantalla.

Aun teniendo tras las cámaras a un director amigo de las luces y los movimientos de cámara y semejante dirección artística, y contando con semejante realización repleta de artefactos, efectos, artilugios y demás parafernalia, ‘Blade Runner’ posee la virtud de colocar los efectismos a favor de la historia. Todo un acierto. Y eso que la estética de esta obra maestra es abrumadora.

Además de la dirección, también me veo en la obligación de destacar el reparto. El carismático Harrison Ford, el imponente Rutger Hauer, la sensual Sean Young, la enigmática Daryl Hanna, la aguerrida Joanna Cassidy, el misterioso Edward James Olmos... todos, absolutamente todos están perfectos en sus roles.

Actores y actrices profesionales y solventes que, exceptuando Harrison Ford, nunca han logrado llegar al estatus de estrella (aunque algunos/as casi lo consiguen).

El tener tal reparto de caras conocidas y eficaces pero no estelares, siempre ayuda a dar credibilidad a la historia que se está contando, de ahí que algunos directores prefieran trabajar con actores y actrices desconocidos/as.

‘Blade Runner’ también lo agradece.

‘Blade Runner’ tiene una gran dirección y un estupendo plantel de intérpretes, pero si hay algo que destaca por encima de todo, es su dirección artística, -por cierto, la película estuvo nominada a dos Óscar, uno, por sus magníficos efectos especiales, el otro, por su increíble e inolvidable dirección artística-.

Nada que se haya realizado después de ‘Blade Runner’ en el campo de la ciencia ficción escapa a su influencia. Ya sean superproducciones o películas de serie B (e incluso Z), todas las películas beben de alguna manera de la cinta de Ridley Scott.

Su influencia incluso ha llegado a la animación: ‘Akira’ (‘Akira’, Katsuhiro Otomo, 1988), una de las películas de animación más importante de todos los tiempos homenajea (o plagia, según como se mire) sin complejos (¡y de qué manera!) la cinta de los replicantes.

De los grandes aspectos que me quedan por destacar, señalaré la fotografía de Jordan Cronenweth y la música de Vangelis.

Tanto la fotografía del primero como la música del segundo me parecen sublimes.

Sin la aportación de estos dos caballeros ‘Blade Runner’ no sería lo mismo.

Cronenweth juega con las luces y la oscuridad logrando crear un desasosiego perenne. Las luces que van y vienen, los reflejos de luz, las luces de neón, las sombras, etc. Tanto en exteriores como en interiores el fotógrafo se luce (nunca mejor dicho) como quiere. Una minuciosa labor de un iluminado.

En cuanto a la tarea de musicalizar la película, el griego Vangelis fue el elegido, y él solito se encargó de que nadie olvidara jamás su composición musical. Pero, ¿qué música tiene una película de ciencia ficción? ¿Qué notas se supone que debemos escuchar en una cinta que transcurre en el futuro? Como nunca hemos estado en el futuro, pues no lo sabemos, sin embargo, Vangelis se aproximó mucho con su música electrónica. ¿Hay alguien que haya olvidado la mítica partitura de los créditos finales?

Tanto Cronenweth como Vangelis realizan un trabajo inspiradísimo y digno de ser recordado.

‘Blade Runner’, como todas las obras audiovisuales, no es perfecta (personalmente habría incidido más todavía en la cacería y matanza, uy perdón, quería decir en el retiro de los replicantes y menos en la historia de amor (personalmente me aburre muchísimo el amor).

Sin embargo, a pesar de sus imperfecciones, ‘Blade Runner’ cumple con creces su cometido, que es entretener y hacer pensar a un mismo tiempo (hoy día pocas películas comerciales logran semejante misión).

Además, no solo ha logrado hacerse un hueco en el género cyberpunk, -un género poco prolífico-, y en el de ciencia ficción, -un género menospreciado-, sino que también ha logrado erigirse como una de las mayores obras cinematográficas de todos los tiempos sea cual sea su género. Una pieza de culto que ha trascendido mucho más allá de Orión.

Para terminar, me gustaría destacar todas y cada una de las secuencias en las que se puede apreciar ese magno trabajo de dirección artística. Una obra de arte que no me cansaré de admirar.

"A Little Bit Zombie", una picadura de muerte

2012-01-06T13:54:00.000+01:00

¿Alguien dijo zombedy?. Acabamos de comenzar el 2012 y ya han salido los tráilers de dos comedias zombies, el otro día os hablamos de “Detention of the Dead” y ahora le llega el turno a “A Little Bit Zombie”, una divertida e incluso romántica cinta dirigida por Casey Walker (un veterano director de televisión) y escrita por Christopher Bond, uno de los creadores de “Evil Dead: The Musical” junto a Trevor Martin.

La cinta sigue las aventuras de un grupo de chicos que se escapan un fin de semana a una cabaña en el bosque para celebrar la despedida de solteros de una de las parejas que tiene planeado casarse la semana siguiente, hasta aquí nada nuevo. Hasta que a Steve, al novio, le pica un mosquito que le transmite un extraño virus que le produce un ansia atroz de comer cerebros. Steve intentará mantener semejante apetito bajo control, sobretodo para no dar un disgusto a Tina, su prometida, pero también deberá evitar ser descubierto por Max, un cazador de zombies que merodea la zona.

Si mezclas mosquitos, cabañas en el bosque, amigos, zombies y chalados del rifle, obtienes como resultado “A Little Bit Zombie”, una cinta protagonizada por Stephen McHattie (“Watchmen”, “Pontypool”, "El Crepúsculo de Summer"), Kristopher Turner (“Instant Star”), Crystal Lowe (“Km. 666 II: Camino Sangriento”), Shawn Roberts “Diary of the Dead”, “Resident Evil: Ultratumba”), Emilie Ullerup ("Sanctuary"), y Kristen Hager (“Leslie, My Name Is Evil”), que sigue al pie de la letra aquello de “si te casas, eres hombre muerto”, por cierto bonito póster “crepusculiano” que se han currado. La película se estrenará el próximo 4 de febrero en Cánada. Aquí os dejo el tráiler:

"Tokyo Species", de aliens y pornostars

2012-01-06T13:46:00.000+01:00

Espero que los tres bastardos de Oriente os hayan traído muchos regalos, si no es así os tendréis que conformar con el tráiler del último trabajo de la pornostar (o AV idol) japocanadiense Maria Ozawa a la que hemos podído ver en cintas como “Erotibot” o “Invitation Only”.

La cinta se titula “Tokyo Species” y si amigos, se trata de la versión japonesa de “Species”, la famosa cinta de ciencia ficción que protagonizó Natasha Henstridge. Aunque en esta versión mucho más demente y con bastante menos presupuesto que la de 1995, veremos a unas cuantas colegialas cachondas, algunas escenas lésbicas, algo de penetración softcore, y unos cuantos efectos de dudosa calidad.

Nozomu Sasaki dirige la cinta, y ya os podéis imaginar que el tráiler que os dejo a continuación no es adecuado para ver ni en el trabajo, ni en la iglesia, ni en la mesa comiendo con los suegros. “Tokyo Species” se estrenará en los cines de Japón en este 2012.

Una colegiala japonesa se suicida saltando desde lo alto un puente. Tirada en el suelo y gravemente herida, un ser alienígena se encuentra su cuerpo y decide convertirla en la anfitriona de una criatura sedienta de sangre y sexo que busca aparearse y reproducirse por doquier y que no duda en cargarse a todo aquel que le estorbe...

Crítica: Psicosis 3

2012-01-05T11:40:00.001+01:00

El inesperado éxito de “Psycho II” en las salas cinematográficas y las buenas críticas recibidas, dejaron en evidencia varias cuestiones a tener en cuenta por Universal Pictures y Hilton A. Green, ayudante de dirección de Hitchcock en la primera entrega y productor de la segunda.

La más importante de cara al negocio, el público quería más “Psycho” y estaba dispuesto a pasar por taquilla nuevamente para volver a pasar miedo en el motel Bates a pesar del tiempo transcurrido.

El fantástico final de la segunda parte era tan abierto y la simpatía que el público en ese momento sentía por el personaje de Bates era tan grande, que la gran pregunta que flotaba en el aíre era ¿Cómo continuarían sus responsables la historia?

Además, el final de la segunda parte planteaba una duda bastante importante para la propia saga ¿Era la señora Spool realmente la madre de Norman Bates?

Ante tanta expectación, Hilton A. Green, se propuso volver a hacer las cosas sin prisa y con mucho mimo, intentando asegurar así la calidad del producto.

El problema de las trilogías no planificadas es básicamente que las buenas ideas se acaban en la primera parte y las sucesivas secuelas son más de lo mismo pero peor.

“Psycho II” representaba toda una rareza en el género, había funcionado, poseía identidad propia y aportaba ideas nuevas, pero llegados a este punto ¿Qué podían contarnos que fuese novedoso dentro del universo de Norman Bates?, si Norman volvía a estar loco… ¿No sería la mayor parte del metraje un calco de lo sucedido en la original pero sin el factor sorpresa de esta? Todo ello sin olvidar que el maestro del suspense, una vez más, no formaba parte del proyecto…

Tom Holland prefirió dedicarse a preparar la que sería su primera película como director, “Noche de miedo”, a volver a sumergirse en el universo de “Psycho”.

Una buena elección si tenemos en cuenta el enorme éxito de su ópera prima y de lo consciente que era Holland de que su guión para la segunda parte había llegado más lejos de lo esperado en cuanto a calidad se refería. Él estaba satisfecho, así que ¿Para qué tentar a la suerte una vez más si realmente ya no estaba interesado en el proyecto?

El testigo lo recogió el guionista Charles Edward Pogue, un guionista cuyo mayor logro ha sido escribir esta secuela y ser co-guionista del gran clásico de Cronenberg “La mosca”.

A pesar de que Robert Bloch acabaría escribiendo una tercera parte de su saga literaria más famosa, “Psycho House”, aquí recientemente publicada como “El motel Bates”, esta no llegaría hasta 1990, cinco años después de arrancar el proyecto de esta tercera parte cinematográfica.

Así que Pogue tampoco tenía ninguna base literaria en la que inspirarse a la hora de escribir o perfilar la historia.

Richard Franklin, director de la segunda parte, al igual que Holland, estaba satisfecho con su trabajo y aunque la persona que finalmente acabaría dirigiendo el proyecto le ofreciese volver al motel más macabro de la historia del cine, no mostró interés por volver a sentarse en la silla del director.

Una vez acabado el guión, solo quedaba contratar a los actores que darían vida a los personajes ya conocidos por el público, pero también a los que quedaban por conocer…

La primera sorpresa llegó cuando Anthony Perkins, una vez leído el guión, propuso dirigir la película ¿Quién mejor que él, que había sido dirigido en la original por Hitchcock y conocía mejor que nadie el universo y la mente del enfermo Norman Bates, para dirigir la película?

Era un momento de euforia para el actor, su fama había vuelto gracias a la secuela anterior y además, tenía un montón de buenas ideas que aportar al proyecto.

Green aceptó la propuesta de Perkins y le cedió la silla de director. Un hecho que a la larga, acabó perjudicando a la película en dos puntos fundamentales para la saga hasta aquel momento, dirección y actuación.

“Psycho III” arranca con el personaje de Maureen Coyle, una mujer que escapa de su pasado una vez ha colgado los votos religiosos.

Tras un desafortunado encuentro con Duane Duke, típico guaperas con anhelo de convertirse en estrella de rock, acaba, igual que éste, en el motel Bates.

Mientras tanto, Norman, quien ahora es respetado en su comunidad, sigue disfrutando, en apariencia, de una vida tranquila, aunque en realidad esconda un terrible secreto en la habitación de su madre.

Esta supuesta tranquilidad, se verá amenazada por la curiosidad de Duane, su nuevo ayudante en el motel y el acoso de una periodista en busca de una explicación a la reciente desaparición de la señora Spool.

Pero el mayor de los problemas de Norman será conocer a Maureen, quien le recordará a la difunta Marion Craine.

Será su intensa y extraña historia de amor la que hará que Bates se plantee si quiere seguir siendo esclavo de su sobre protectora madre, o por el contrario, desea ser finalmente libre para pasar el resto de su vida al lado de la mujer que ama…

Por supuesto, por el camino irán siendo asesinadas mujeres jóvenes y hermosas, y no faltarán guiños a la original, que en vez de conseguir que el espectador se sienta cómplice en cada uno de ellos, hará que éste añore todavía más a la película dirigida por el maestro Hitchcock.

“Psycho III” es sin lugar a dudas, una película fallida, con momentos y propuestas interesantes, pero que son llevados a buen puerto en momentos muy puntuales y siempre por debajo de sus posibilidades.

Es también esta tercera parte, la más extraña de toda la saga con diferencia, lo cual no es malo, pero siempre se tiene la sensación de que Perkins como director no supo estar comedido en los momentos que lo requerían, ni desmadrarse cuando la historia lo permitía, no olvidemos que era un magnífico actor, pero “Psycho III” fue su primera película como director y se nota.

Más que una secuela, que lo es por meritos propios, para mucha gente, es más una curiosidad que una película por varias razones que paso a enumerar a continuación.

No nos engañemos, esta película es la tercera parte de un clásico que fue escrito sin pensar en secuelas. Todo lo que se quería contar, lo sorprendente, lo interesante y realmente importante, ya estaba contado en la original de 1960.

Esta película es una vuelta de tuerca enfermiza de aquella, se repiten situaciones de forma curiosa, es cierto, pero siempre resueltas de forma pobre e insatisfactoria para el espectador, a excepción del giro de 360º que se le da a la famosa secuencia de la ducha.

Los asesinatos, es cierto que están rodados con más clase que los de la segunda parte, pero siguen estando a la sombra de los originales.

En algunos momentos no tenemos la sensación de estar viendo una película relacionada con “Psycho”, sino más bien, un bodycount ochentero al más puro estilo “Viernes 13” o “Halloween”, donde los personajes que mueren son tan excesivamente planos, que sus defunciones poco importan al espectador, todo lo contrario al efecto conseguido por Hitchcock en la primera parte.

La dirección de Perkins contiene algunos momentos muy interesantes y logrados, sobre todo en lo que a atmósferas y transiciones se refiere, pero sin embargo es vulgar y poco sutil en muchos otros momentos.

Un ejemplo es la secuencia en la que la policía registra la casa de Bates y el espectador espera que su secreto sea descubierto y por ello, posteriormente detenido. Al carecer su planteamiento, montaje y puesta en escena del suspense y calidad necesarios, su desenlace provoca curiosidad más que sorpresa.

La sutileza era una marca de la original y en la segunda a pesar de haber algo más de sangre, siempre se buscó respetar el canon de la sutileza llevada a cabo por el maestro del suspense, pero en esta tercera entrega, se quedaron a medias entre la sutileza de las anteriores y el gore cutre y tosco de las producciones de terror para adolescentes, privando a la película de un estilo propio y concreto.

En definitiva, Perkins es actor, no director y por lo tanto, conoce el lenguaje audiovisual, pero no lo domina.

Los personajes escritos por Pogue son meros clichés, únicamente profundiza en la lucha interna del personaje de Bates y aunque se van plantando semillas para el estallido de varios conflictos, cuando estos llegan, suceden de forma poco creíble y natural, echando a perder todas sus posibilidades.

El guión cuenta también con el cliché mal entendido y bastante extendido en famosas trilogías del cine de terror, de que en la tercera parte se ha de volver siempre a la original, en vez de hacer que la historia avance, provocando que todo se convierta en una mera repetición con nula personalidad y escaso interés para el espectador.

El final, distinto al escrito por Pogue y exigido por Universal, es incoherente con la secuencia inmediatamente anterior y deja una triste sensación de haber visto más de lo mismo, pero mucho peor. Además de dejar clavada una espinita en el corazón de los fans de la saga, ¿Para qué tanto esfuerzo en hacer una segunda parte digna si la tercera acaba exactamente igual que la original?

La sensación de haber perdido el tiempo es innegable al comprobar que hasta en eso, habían plagiado a la original…

La banda sonora es horrible y responde una vez más a las modas del momento más que a lo que la película realmente necesitaba, por ello no me detendré más en este apartado.

Por último y a pesar de que los actores hicieron todo lo que pudieron para sacar adelante un trabajo más que correcto, si en el guión los personajes carecen de alma, poco más se puede hacer por muy buenos actores que se disponga.

Pero lo más sorprendente es que Anthony Perkins esté solo correcto y en algunos momentos hasta flojo en su papel de Norman Bates.

Todo ello debido al hecho de que su labor como director sin experiencia, le quitó excesivo tiempo y concentración para poder desarrollar su buen oficio de actor.

Debido a la floja actuación de Perkins y al triste guión de Pogue, la simpatía que el espectador sentía en la segunda parte hacía el personaje de Perkins, en esta película se traduce en una indiferencia total respecto a lo que pueda sucederle a lo largo del metraje, queriendo que la película acabe cuanto antes para poder abandonar la sala y olvidarla.

Pero como ya he dicho “Psycho III” tiene también cosas buenas, como transiciones muy interesantes y atmósferas muy bien creadas, aunque varias cosas sobresalen sobre el resto de elementos positivos.

“Psycho III” es la única que muestra la forma en la que Bates ve el mundo que le rodea. Es con diferencia, la más malsana de todas y ofrece momentos realmente terroríficos o macabros como el momento en el que la madre parece realmente levantarse de la cama, Norman ha de romper el brazo congelado de una joven para poder esconder su cadáver o sobre todo, la secuencia en la que el Sheriff decide llevarse a la boca varios hielos para refrescarse, algunos de los cuales, están ensangrentados. Al ver semejante escena, Norman no puede sino sonreír al ver al agente chuparse los dedos llenos de sangre al no ser consciente del detalle.

Otro detalle del guión que gusta mucho a los fans, es descubrir que la señora Bates era en realidad la verdadera madre de Norman y no la señora Spool, quien en realidad era su tía. Este detalle corregía uno de los pocos puntos feos del guión de Holland, que sin embargo responde más a un encariñamiento de los fans más freaks de la original con la señora Bates que con cualquier otra cosa, puesto que dicho punto de giro era completamente necesario para que la primera secuela tuviese sentido.

En definitiva, Película muy por debajo de sus enormes posibilidades que no deja de ser un cierre de trilogía curioso, pero poquito más.

Esta vez, el público y la crítica le darían la espalda al motel de aquel solitario personaje enfundado en su viejo jersey de cuello alto…

A pesar del fracaso, Universal intentaría exprimir hasta tres veces más el universo de “Psycho”, una en forma de bastarda e insultante TV Movie a modo de capítulo piloto para una serie que nunca vería la luz, otra con una vergonzosa cuarta parte que nunca debió de existir y por último, con un remake absolutamente innecesario, sin nada nuevo que aportar y con un casting completamente erróneo… pero esa y otras historias, se las contaré otro día…

"Detention of the Dead", zombies VS castigados del insti

2012-01-04T17:01:00.000+01:00

Ya lo sabemos, los zombies están más de moda que nunca y el mundo pierde la cabeza cuando sale una nueva película en la que se puedan leer las palabras “…of the Dead” (yo aun estoy esperando a que alguien realice la terrorífica “Gypsies of the Dead”, que alguien haga el favor de tomar nota). La estela de George A. Romero es larga y brillante, pero la que dejó Edgar Wright con “Shaun of the Dead” comienza a ser inagotable.

Alex Craig Mann se ha decantado por la segunda opción, la comedía de zombies (o zombedy para los amigos, como antes hicieran títulos como las divertidísimas "Zombies of Mass Destruction", "Dead Snow" o "Deadheads") para realizar “Detention of the Dead”, una cinta que saldrá a la luz durante este 2012 y que supone su debut tras las cámaras y tras el papel del guión, éste actor especializado en interpretar papeles cortos para series de televisión, quiere demostrar una vez más que los devoradores de carne humana también pueden provocar risas. Según su director, la cinta es una mezcla "El Club de los Cinco" (John Hughes, 1985) y la propia "Shaun of the Dead" (Edgar Wright, 2004).

Así a priori, “Detention of the Dead” no parece que sea una zombedy demasiado original, tiene pinta de que nos encontraremos de bruces con los tópicos habituales de este tipo de producciones independientes, pero el teaser me ha parecido bastante gracioso y tratándose de zombies y del “grupito de los castigados” (personajes que realmente están inspirados en los de “El Club de los Cinco”), podría ser una divertida propuesta.

Un grupo de estudiantes de la escuela secundaria son sorprendidos por una epidemia zombie mientras cumplen con su correspondiente castigo en una de las aulas. Atrapados en el instituto, los compañeros deberán dejar sus diferencias a un lado y trabajar juntos para poder sobrevivir. Tal vez es la ocasión de que aprendan algo útil… Al fin y al cabo, esto es el instituto…

"The Cabin in The Woods", la cabaña mecánica

2012-01-03T18:00:00.000+01:00

Después de un atípico, aunque muy especial, mes de Diciembre, teníamos pendiente hablaros de “The Cabin in The Woods”, una película que parecía maldita y que se debería de haber estrenado a principios de 2010, el problema no fue otro que ser financiados por la MGM justo cuando la bancarrota se cernía sobre el estudio.

Por suerte hace poco que se estrenó el primer tráiler de este esperado slasher que significa el debut del guionista Drew Goddard (responsable del guión de “Monstruoso”, y de varios capítulos de “Perdidos”, entre otras cosas), que en esta ocasión ha sido ayudado por Josh Whedon (guionista de “Buffy Cazavampiros” o “Alien Resurrection”) en el guión. En cuanto a la historia, como ya supondréis por el título, se centra en un grupo de amigos que deciden pasar sus vacaciones en una aislada cabaña situada en medio de un bosque, y ahí es donde damos paso a una retorcida historia de horror. La cinta se promociona como una nueva película de terror que pondrá patas arriba el género, una vuelta de tuerca que revolucionará todos los tópicos del género slasher, tal y como reza en el póster: “You think you know the stroy” (“Tú crees que conoces la historia”), pues esperemos que esta vez sea cierto, aunque así a simple vista la cinta parece una mezcla entre "Evil Dead" y "Cube" cosa ya de por sí muy interesante.

Veremos si Goddard es capaz de cumplir todo lo que promete, recordemos que es un tipo que aunque no crease los “mockumentaries”, sí que en cierto modo los revolucionó con “Monstruoso”. El reparto está encabezado por Chris Hemsworth (“Thor”), Kristen Connolly (“El Incidente”), Amy Acker (“Ángel”), Fran Kran (“Donnie Darko”), Jesse Williams (“Anatomía de Grey”) y Richard Jenkins (“Déjame Entrar”), entre otros.

Una cinta que no habrá que perderse y que promete causar sensación en la premeditada fecha de su estreno en USA y UK: el viernes 13 de Abril de 2012, de momento de España no han dicho nada de fechas. El avance es de lo más interesante, un batiburrillo que nos deja boquiabiertos, aunque como suele ocurrir revela demasiado, eso si, de momento han dado en el clavo con el tema que lo acompaña, ni más ni menos que la versión del “I Put I Spell on You” de Marilyn Manson.

Un grupo de cinco amigos decide ir a pasar unos días a una remota cabaña en lo profundo del bosque. Allí suceden cosas terribles. Cosas tan grandes y horribles que no pueden llegar a comprender, de lo único que serán conscientes de que el tiempo se les agota rápidamente...

Crítica: In Time

2012-01-03T17:54:00.000+01:00

Hace ya más de una década que el director Andrew Niccol sorprendió a propios y extraños con su ópera prima. Una intrigante película de ciencia ficción que se terminaría convirtiendo en auténtica pieza de culto: ‘Gattaca’ (‘Gattaca’, 1997).

La película protagonizada por unos estupendos Ethan Hawke y Jude Law y una enigmática Uma Thurman, obtuvo entre otros reconocimientos, una nominación al Oscar a la mejor dirección artística, otra nominación -esta vez al Globo de Oro- a la mejor banda sonora original (a cargo de Michael Nyman) y los premios a la mejor película y mejor banda sonora en el Festival de Cine de Sitges.

Un lustro después el director neozelandés volvió a la carga, pero esta vez lo hizo con una película que se centraba más en la comedia que en la ciencia ficción. La cinta en cuestión: ‘Simone’ (‘Simone’, 2002). Una película perteneciente al género cine dentro del cine, sí, ese género que parece ser a nadie interesa y, efectivamente, la película no causó el impacto de su anterior propuesta, –y eso a pesar de contar con el inmenso Al Pacino como protagonista-, recaudando una ínfima cantidad de dinero que no dejó contento a nadie.

Las cosas mejoraron mucho (artística y comercialmente) con su siguiente proyecto, la satírica ‘El señor de la guerra’ (‘Lord of War’, 2005), protagonizada por Nicolas Cage (en uno de sus pocos buenos trabajos desde que dio comienzo el presente siglo), Ethan Hawke (en su línea, es decir, muy bien), Bridget Moynahan (correcta) y Jared Leto (intérprete infravalorado que sin embargo siempre demuestra lo grande que puede llegar a ser –cuando le dan la oportunidad claro-).

No obstante, y a pesar de la correcta ‘Simone’ y la más que satisfactoria ‘El señor de la guerra’, parece que tanto Niccol como el público ansiaban volver a tener entre manos una película de ciencia ficción que rememorara los tiempos de ‘Gattaca’. Pues bien, parece que ese momento ha llegado. La película que nos vuelve a traer al Niccol más querido se titula ‘In Time’ (‘In Time’, 2011) y, sin llegar al nivel de su primer trabajo, hay que reconocer que es muy válida -e incluso notable diría yo-.

En un futuro próximo el dinero no existe, ahora la moneda de cambio (nunca mejor dicho) es el tiempo. Se compra con tiempo, se vende por tiempo, se trafica con tiempo, se roba por tiempo. El tiempo es el bien más preciado, todo el mundo lo busca, lo quiere y lo ansía -y obviamente cuanto más, mejor-.

Tan interesantísima premisa es con la que parte ‘In Time’, una película de ciencia ficción retro con algo de acción y crítica social y protagonizada por una de las estrellas del momento, el soso Justin Timberlake, mal acompañado de la más sosa todavía Amanda Seyfried (sí, esa joven mujer que parece un pez globo).

Es innegable la fuerza de su propuesta, aquí, el Andrew Niccol guionista da totalmente en el clavo, sin embargo, parece que Niccol no quiere (o no sabe) llevar su brutal e impactante premisa hasta sus últimas consecuencias y, llegados a su último tercio, lo que vemos es una versión fusionada y moderna de Robin Hood y Bonnie & Clyde.

Y ojo, no me estoy quejando de ello (disfruto mucho con los míticos y fascinantes Robin, Bonnie & Clyde), pero sí que me habría encantado ver la proposición de Andrew Niccol hasta el final, ver qué habría sucedido de seguir por ese camino trazado durante el primer tercio de la trama.

Al final la película se vuelve convencional, cierto: persecuciones, tiroteos, peleas, romance (ridículo), mensajes nada subliminales y no recuerdo cuántas cosas más.

Mas ese usual desenlace no empaña para nada la función y al finalizar ‘In Time’, uno se queda con la sensación de haber presenciado un notable espectáculo y una de las más logradas películas de ciencia ficción de la temporada.

Lo que más me ha gustado: su comienzo y todo lo relacionado con el tiempo que se traspasa de una persona a otra.

Lo que menos me ha gustado: la pareja protagonista. Él no tiene carisma y mucho menos para llevar el peso de una película de estas características. Ella tampoco tiene carisma, además, está más perdida que un pulpo en un garaje. De las dotes interpretativas ni hablamos.

“Prometheus”, el universo Alien está de regreso

2012-01-02T17:37:00.000+01:00

Sin duda “Prometheus” es una de las películas más esperadas de 2012, ni más ni menos que la película que supone el regreso de Ridley Scott a la ciencia ficción y al universo Alien. Hasta hace poco apenas teníamos unas pocas imágenes y un argumento que no daba demasiadas pistas. Hace poco y tras varias filtraciones, al fin pudimos ver el primer tráiler oficial de la ansiada cinta de Scott inspirada en el universo de su clásico “Alien: El Octavo Pasajero”, un tráiler que muestra lo justo, secuencias cortas y espectaculares acompañadas de una eficaz banda sonora, una combinación que pone los pelos de punta.

A pesar de que en un principio estaba previsto que “Prometheus” fuera una precuela de Alien en la que se explicara el origen del extraterrestre, el imaginario del film original "solo servirá como telón de fondo" para una nueva historia, según ha asegurado el propio Scott. En cualquier caso, el tráiler revela muchos lazos de unión con el aterrador universo de la película original de 1979.

Aunque aquí no salga Sigourney Weaver, la película cuenta con un reparto de primera, compuesto por Noomi Rapace (Lisbeth Salander de la trilogía “Millenium”), Michael Fassbender (“Un Método Peligroso”, “X-Men: First Class”) , Charlize Theron (“Pactar con el Diablo”), Idris Elba (“28 Semanas Después”) y Guy Pearce (“Don't Be Afraid of the Dark”), todos ellos forman la expedición de exploradores que descubre los orígenes de la vida en la Tierra. Una aventura que, según su escueta sinopsis oficial, les llevará a emprender un viaje a los lugares más oscuros del universo donde tendrán que librar duras batallas que les llevarán al límite tanto física como intelectualmente. El guión corre a cargo de Damon Lindelof (“Perdidos”) y de Jon Spaihts (“The Darkest Hour”) . “Prometheus” se estrenará en España el 8 de junio del 2012 en formato 2D y también en 3D.

Ridley Scott, director de “Alien, el octavo pasajero” y “Blade Runner”, regresa al género que le ayudó a definirse. Con “Prometheus”, crea la base de una mitología, en la que un equipo de exploradores descubrirán una de las claves de los orígenes de la humanidad en la Tierra, que les llevará en un viaje emocionante a los confines más oscuros del universo. Allí deberán librar una batalla terrible para salvar el futuro de la raza humana…

"Beneath the Darkness", Dennis Quaid se viste de malo

2012-01-02T15:52:00.000+01:00

Una de las primeras cintas que se estrenará (al menos en USA) en este recién comenzado 2012 será “Beneath the Darkness”, un thriller de terror protagonizado por Dennis Quaid (“Pandorum”), quien en esta ocasión dará vida al malo de la película, un tipo solitario y desequilibrado que lleva una vida secreta muy oscura.

El director argentino Martin Guigui, dirige la cinta que contará la historia de un grupo de jóvenes que deciden luchar para demostrar que un tipo considerado héroe local en el pueblo, es en realidad un asesino psicópata que le quitó la vida a uno de sus amigos ante sus ojos y todo esto lo deberán hacer sin caer en sus garras. Aimee Teegarden (“Scream 4”), Tony Oller, Stephen Lunsford, Devon Werkheiser, Brett Cullen y Amber Bartlett completan el reparto. “Beneath the Darkness” se estrenará el próximo 6 de enero en los cines de Estados Unidos, abajo podéis ver el tráiler aunque debo advertiros que es de los que se pasan a la hora de enseñar.

“Ely Vaughn (Quaid), es un pilar de la comunidad en el pequeño pueblo de Smithville, Texas. Es el director de la funeraria y ha sido venerado desde sus días como quarterback en el instituto. Pero desde la trágica muerte de su esposa hace dos años, Ely se ha apartado de sus vecinos mientras los jóvenes del pueblo cuentan rumores sobre casos sobrenaturales en su mansión, que es también la casa funeraria. Cuando un grupo de amigos del instituto decide averiguar si estos rumores son ciertos, se sorprender al ver a supuesto apenado viudo bailando con una misteriosa mujer tras las cortinas de su cuarto. Guiados por la curiosidad, los jóvenes esperan a que Ely salga de casa para entrar a investigar, pero en vez de encontrar pistas sobre la identidad de la mujer, se toparan con un grotesco secreto. Y ahora, Ely no se detendrá ante nada para enterrar, literalmente, su pasado...”

Nido de Cuervos os desea un feliz 2012

2011-12-31T12:23:00.001+01:00

Muere el 2011. Así que ahora, que tengo un ratito, no me gustaría despedirme de él sin dar las gracias a una serie de personas que han convertido este a priori, profético y apocalíptico año, en una fecha para el recuerdo de alguien, un agonizante y esquelético cuervucho solitario que una vez, tuvo la genial idea de ponerse a desvariar sobre cine fantástico y que mira tu por donde, ahora luce orgulloso, bien alimentado y con las plumas brillantes e impecablemente acicaladas en lo alto de su propia satisfacción… un poquito mas cerca de las estrellas.

Personas que han convertido un diminuto blog de cine fantástico en lo que es ahora, personas como Darkotica (aka “rastreator”), siempre a la caza de la noticia, siempre rizando el rizo, intentando llegar donde no ha llegado nadie antes (si, me encanta Star Trek), peinando la red y traduciendo ancestrales lenguas muertas para acercarnos títulos que de otra forma, pasarían totalmente inadvertidos para el ojo humano y siempre (o casi siempre, que no tenga duda nuestro buen amigo Eddie) rigurosamente documentados. Personas como Wikus Van de Merwe, el jodido gigante estudiante de cine que se mama cualquier cosa que sea proyectada en una sala de cine para posteriormente diseccionarla con la precisión de un bisturí y que además, en lo personal, siempre tiene la inestimable cualidad de decirle a uno lo que piensa, abiertamente (aunque no siempre estemos de acuerdo, eh, jodido alicantino). Personas como Ted Bundy, siempre dispuesto a sacrificar horas de sueño con tal de llevar a buen puerto sus muchas empresas, capaz de cargarse sobre las espaldas la cobertura de un evento tan grande como es el Festival de Sitges y salir airoso, siempre el primero a la hora de implicarse y de proponer cosas diferentes, como por ejemplo ese divertido especial de Halloween que tanto disfrutamos algunos. Personas como Ash Williams, mi compatriota, con el cual comparto, entre otras cosas, miedos infantiles y que nunca encuentra visionados destacables para reseñar y acaba tirando de clásicos (que no está la cosa tan mal, Sr. Williams). Personas como Norman Bates, quien sacrifica horas de estudio y ciertas partes de su anatomía para acercarnos esos maravillosos análisis cinéfilos tan suyos (¿Será la industria de Hollywood capaz de seguir su ritmo en lo que a la franquicia de Psicosis se refiere?). Personas como El Sepulturero Torero. El único, el inigualable, el genio. De él, lo único que podemos hacer, es aprender y regocijarnos en las sombras por la dicha de tenerlo entre nosotros. ¿Quién mi iba a decir a mi, que iba a sacar tanto provecho de mis visitas nocturnas al cementerio? Parece mentira que esté tan mal visto esto de profanar tumbas… Personas como The Wrong Girl (aka “cabecita loca”), una personalidad digna de estudio, que parece que no está, pero que al final, siempre llega a tiempo a la cita y lo hace, además, perfectamente acicalada (no haces honor a tu nombre… un petó). Y por supuesto, personas como Lestat, nuestro amigo del otro lado del charco, que sigue acompañándonos en este apasionante viaje hacia el lado oscuro del celuloide y como la señorita Missterror, quien ha hecho de este especial navideño tan especial que hoy justo termina, algo, si cabe, un poquito mas especial, por que jamás las alas de cuervo, le quedaron tan bien a nadie.

Personas como las que nos seguís a diario, algunas osadas, incluso se atreven a comentar con nosotros de forma habitual: Dr. Gonzo, Ash, El Señor de las Tildes (manifiéstate cabrón), The Film Connoisseur, Anonymous (este a veces, incluso se hace pesado y todo) y otros muchos que sin duda se me olvidan ahora (lo siento, es lo que tiene ser algo cortito). También quiero hacer aquí y ahora, un llamamiento a nuestro seguidor Moscovita, si tío, hablo de ti, que seguramente, ahora estás leyendo esto, salúdanos joder (aunque sea en ruso), muero por saber tu nombre.

Y por supuesto, a blogs tan o mas fantásticos que el nuestro, como Almas Oscuras (que grandes sois), La Opinóloga de Terror (un abrazo a la irrepetible Karla), Dimensión Fantástica (James Wallestein for President!!) o Una Eternidad. Tres Minutos (Alicia… no tengo palabras) por nombrar algunos, que tan buenos ratos nos hacéis pasar.

Y no quiero, no puedo, olvidarme de los Ligres, criaturas fantásticas mitad tigre mitad león, que si, que existen, que a mi me lo han dicho fuentes fiables. Fuentes en las que confío más, que en mi mismo.

A todos, GRACIAS.

¡!Muerte al amanecer!!! ¡!Muerte!!!

Siniestro año 2012 tengan ustedes.

The Fucking Rector.

Crítica: Aventuras en la Gran Ciudad

2011-12-31T11:48:00.000+01:00

No me cansaré de repetirlo. Los 80 fueron en gran parte propiedad de las comedias de enredos, aventuras o sobre las relaciones juveniles, películas recomendadas para toda la familia que aseguraban pasar un buen rato y, en ocasiones, reventar las taquillas.

Chris Parker (Elisabeth Sue – nominada como mejor actriz en 1995 por “Leaving Las Vegas”), una encantadora y bella adolescente de 17 años, planea una cena romántica con su novio, pero éste le da plantón. Así que emplea la noche cuidando a los hijos de sus vecinos que van a una fiesta en la gran ciudad. Convencida de que va a pasar una noche sosegada, la tranquilidad se rompe cuando su histérica amiga Brenda (Penelope Ann Miller) le llama suplicando ser rescatada de los peligros que tiene la sucia estación de autobuses del centro de la ciudad, donde ha ido a parar después de escaparse de casa. Una aburrida noche se convierte en una explosión de aventuras agitadas y espeluznantes. Durante la expedición, los jóvenes (un adolescente enamorado de la niñera -Keith Coogan como Brad Anderson- y una niña, hijos de los vecinos, y el amigo del chaval interpretado por Anthony Rapp) y la niñera son perseguidos por una banda de gángsters de vehículos robados, cantan blues para salvar su vida en un bar de mala muerte y escapan de cuchillos, cadenas y balas de bandas de quinceañeros, haciendo de ésta una noche de aventuras en la gran ciudad que nunca olvidarán.

Escrita por David Simkins y dirigida por el fantástico Chris Columbus, “Adventures in Babysitting” es una comedia adolescente de 1987 al estilo “¡Jo, que noche!” de Martin Scorsese pero siguiendo la línea de las taquilleras y rentables producciones de aventuras juveniles cuyo máximo representante está en las obras de la productora Amblin Entertainment del rey Midas Spielberg.

El personaje más carismático de la cinta es sin lugar a dudas la niña Sara Anderson (Maia Brewton). Ya desde el principio se nos presenta como fiel admiradora del personaje de cómics Thor. Su habitación es un mausoleo del superhéroe de Marvel. En las paredes pósters y dibujos cuelgan por doquier con la imagen del Dios y una extensa colección de merchandising viste el dormitorio. Además, Sara lleva sobre su larga melena una réplica del casco de Thor que complementa con otra réplica del famoso martillo. Para chincharla, su hermano mayor dice que “Thor es un maricón” y ella defiende como una verdadera fan la dignidad de su ídolo ficticio. En relación a los gustos de la pequeña del grupo, podemos disfrutar e identificarnos con la mocosa (yo era y soy fiel defensor de Spiderman, incluso cuando aun no sabía leer me compraban cómics del superhéroe) en una tierna escena en la que la niña confunde a un mecánico (Vincent D’onofrio), con gran parecido físico al personaje (incluso porta un martillo), con Thor. “Oh, Thor, poderoso Dios del Trueno”, dice la niña arrodillándose ante el mecánico. Muy ocurrente y entrañable la escena.

La película, en definitiva, consigue entretenernos y poco más, pero gana adeptos por el trato amable de la situaciones y las escenas amenas que nos ofrece junto al hecho de que sean unos adolescentes los protagonistas del enredo. No se gira en torno a las relaciones de los adolescentes como por ejemplo en “El Club de los Cinco” y el film se centra únicamente en las aventuras de éstos, pero al fin y al cabo eso es lo más importante en esta cinta.

Con este film Chris Columbus debutó como director, después de labrarse una buena reputación como guionista de productos comerciales de gran calidad como “Gremlins” (1984), “Los Goonies” (1985) o “El joven Sherlock Holmes” (1985). Cabe recordar que como realizador, Columbus logró divertirnos con “Solo en Casa” y su secuela o maravillarnos con las dos primeras partes de la saga “Harry Potter” o desternillarnos con “Mrs Doubtfire”.

La película consiguió recaudar 34 millones de dólares, toda una proeza teniendo en cuenta de que el film contaba con un director novel, un presupuesto reducido y un reparto poco conocido.

No me cansaré de repetirlo. Los 80 fueron únicos y no volverán si no a través del visionado de este tipo de películas, con más o menos calidad pero con un único alma.

Feliz 2012 y Feliz Fin del Mundo Mundial familia cuervil y amigos.

LO MEJOR: Aventuras adolescentes por la noche y en la ciudad. El personaje de la niña adoradora de Thor da mucho juego.

LO MENOS BUENO: Algunas de las situaciones con las que se encuentran los jóvenes resultan algo flojas y preparadas.

ANÉCDOTAS: David Simkins, guionista de la cinta, hace un cameo. Es el chico que acompaña al chico que tiene la revista PlayBoy en la fiesta universitaria. Tiene el pelo largo, lleva gafas y viste una sudadera universitaria.

La protagonista, Elisabeth Sue, la pudimos disfrutar en míticas películas como “The Karate Kid” (1984), “Regreso al Futuro II” (1989) y “Regreso al Futuro III” (1990), la vimos en la nominada al Oscar “Leaving Las Vegas” y recientemente participó en “Piranha 3D”.

La tierna Maia Brewton también aparece en “Regreso al Futuro” y en la estupenda serie de televisión “Aquellos maravillosos años”.

MI EXPERIENCIA: Una de las películas más vistas en mi infancia y que descubrí gracias al videoclub que mis padres tuvieron desde principio de los ochenta hasta principio de la década de los 90. Grandes recuerdos me trae esta película del genial Chris Columbus.

Crítica: El Secreto de la Pirámide

2011-12-30T08:50:00.000+01:00

Sherlock Holmes es un detective del Londres de finales del siglo XIX que destaca por su gran inteligencia, por ser un observador nato, por su frialdad, su excelente uso de la ironía y por sus deducciones a la hora de resolver enigmas.

Ideado en la mente de Sir Arthur Conan Doyle, el detective Holmes ha protagonizado 4 novelas y 56 relatos, los cuales, componen el denominado Canon holmesiano.

Sherlock Holmes es uno de los personajes literarios más adaptados al celuloide (los otros tal vez sean Tarzán y Drácula), sin embargo, ‘El secreto de la pirámide’ (‘Young Sherlock Holmes’, Barry Levinson, 1985) muestra un elemento innovador que no se había visto hasta entonces: su juventud.

Así es, la pubescencia del detective más famoso de todos los tiempos nos es mostrada en esta maravillosa aventura repleta de brío, energía, inventiva, frescura y –bien entendido- espectáculo.

Cada vez que veo esta película –o ‘Los Goonies’ (‘The Goonies’, Richard Donner, 1985) o ‘Gremlins’ (‘Gremlins’, Joe Dante, 1984) o ‘Willow’ (‘Willow’, Ron Howard, 1988) o ...- pienso lo mismo: “ya no se realizan películas así”. Y es que es cierto, salvo contadas ocasiones (casi siempre son Joe Dante o Steven Spielberg los de esas ocasiones), películas como la que nos ocupa dejaron de hacerse hace mucho tiempo.

Y es una verdadera lástima, porque lejos de los vacuos y anodinos espectáculos con los que nos avasallan hoy día, ‘El secreto de la pirámide’ posee vida, magia, encanto y sobre todo CINE (así con mayúsculas).

Hay fuerza y energía en sus imágenes, tiene una buena historia, además bien contada, sus personajes no son unidimensionales, al contrario, tienen un pasado y su presente te interesa y su futuro te importa, los efectos especiales no son su razón de ser, sino que están ahí para hacer avanzar la trama (por cierto, estuvo nominada para los Oscar en este apartado, igualmente en esta película se pudo ver al primer personaje creado enteramente por ordenador –el caballero con espada de la vitrina de la iglesia-), los villanos tienen carisma y presencia, quieres conocerlos, saber sobre ellos y entender por qué hacen lo que hacen.

En definitiva, todo está bien pensado y realizado, ves el resultado de un trabajo bien hecho, y eso, damas y caballeros, es un placer que no debe dejarse pasar por alto.

No sé si habrá alguien que no la haya visto, pero si así es, solo puedo decirle que no pierda más tiempo y que la consiga porque no se arrepentirá. A los que la hayan visto, les invito a volver a hacerlo porque los visionados de las buenas películas siempre son una satisfacción, asimismo, este tipo de películas ganan con cada nuevo visionado.

Por cierto, vean los títulos de crédito finales hasta su conclusión, porque la sorpresa que hay es de la grandes y satisfactorias.

Lo que más me ha gustado: casi todo.

Lo que menos me ha gustado: algunos clichés, pero eso es algo que debe esperarse en una película comercial.

"Viaje al Centro de la Tierra 2", Verne para toda la família

2011-12-29T15:48:00.000+01:00

Después de que en 2008 se estrenase “Viaje al Centro de la Tierra”, adaptación muy libre del famoso libro de Julio Verne, que dirigió Eric Brevig y protagonizó Brendan Fraser, ahora nos llega “Viaje al Centro de la Tierra 2: La Isla Misteriosa” (Journey 2: The Mysterious Island), otra nueva y muy libre adaptación de la novela que el escritor francés escribió en 1874, y a su vez secuela de la película del 2008.

En la nueva entrega dirigida por Brad Peyton, podremos ver a Josh Hutcherson (que repite en su papel), Dwayne Johnson (“El Rey Escorpión”), Luis Guzmán (“Boogie Nights”) y Vanessa Hudgens (“Sucker Punch”), sin olvidarnos del siempre correcto Michael Caine (“Hijos de los Hombres”), en una cinta que promete aventuras y fantasía en 3D para toda la familia. La película llegará a los cines españoles el próximo 16 de Marzo de 2012.

“Esta nueva entrega de aventuras comienza cuando Sean Anderson (Hutcherson) recibe una señal codificada pidiendo ayuda. Esta procede de la isla misteriosa Julio Verne, situada en un lugar donde no debería haber una isla. Es un paraje con extrañas formas de vida, montañas de oro, mortíferos volcanes y más de un asombroso secreto. Incapaz de impedir que realice el viaje, el nuevo padrastro de Sean, Hank (Johnson) decide unirse a él. Junto a un piloto de helicóptero (Guzmán) y su bella y voluntariosa hija (Hudgens), emprenden esta nueva aventura en búsqueda de la isla para rescatar a su único habitante y escapar antes que un tsunami la inunde y entierre sus tesoros para siempre…”

Crítica: La Pequeña Tienda de los Horrores

2011-12-29T11:21:00.000+01:00

No puedo evitar empezar con una pequeña declaración de intenciones antes de continuar hablándoos de “La pequeña tienda de los horrores”:

- No me gustan los musicales.
- “La pequeña tienda de los horrores” es un musical.
- Me encanta “La pequeña tienda de los horrores”.

Con estas tres sentencias, que en un principio pudieran parecer que se contradicen, quería dejar claro algo antes de que muchos de vosotros salgáis corriendo (dándole al botón “atrás” del explorador), al leer que en Nido de Cuervos se hace una escribe sobre un musical protagonizado por Rick Moranis (!!??). No os preocupéis, “La pequeña tienda de los horrores” es un musical que le puede gustar incluso a aquellos a los que no le gustan los musicales, como es mi caso.

“La pequeña tienda de los horrores” es un versión de la clásica “La tienda de los horrores” de Roger Corman, una película de 1960 que ya en su día fue una película serie B, que supuso un éxito bastante grande a pesar de lo precario que rodeaba a la película, y que rodeo en general al bueno de Corman en casi todas sus producciones.

No se muy bien que se debió romper en la cabeza de Frank Oz para imaginarse la película original como un musical pero puedo asegurar, a quien no haya visto la original, que es difícil hacerlo.

La trama nos introduce en el drama de una pequeña tienda de flores en un barrio marginal de una gran urbe que esta a punto de cerrar (sí, la maldita crisis de nuevo!), las cosas no van nada bien y el dueño (Vincent Gardenia) tendrá que echar a sus dos ayudantes, Seymour y Audrey (Rick Moranis y Ellen Green), si las cosas no mejoran. Un día, Seymour (el ayudante) descubre un pequeña planta que hará que las cosas cambien de forma radical para la tienda. Todo los vecinos del barrio quieren ir a ver a esa nueva planta tan vistosa que nuestra pequeña tienda expone en su escaparate, y ya de paso, comprar algunas flores. Las ventas parecen ir viento en popa, pero Audrey II (así es como bautizan a la “adorable” plantita) que ha hecho posible todo eso, parece cada día mas mustia y abatida.

Antes de que la pobre Audrey II perezca irremediablemente, Seymour descubre un día, casi de casualidad, como debe alimentar a la no tan inocente plantita: con sangre humana, aunque al final acaba descubriendo algo mucho peor que eso, Audrey II no es de este mundo, se trata de una planta alienígena, y para mas inri, muy hambrienta y tocapelotas.

Con mucho humor negro iremos siguiendo las peripecias del pagafantas (el esta enamoradísimo de su compañera Audrey) de Seymour. Por cierto, Rick Moranis debe ser el arquetipo del aspecto de un pagafantas, el papel le viene como anillo al dedo…

El caso es que nuestro protagonista, Seymour, se las ira ingeniando como puede para ir alimentando a la dichosa planta, primero con su propia sangre y luego, ya seco y enfermizo, con la de algún que otro indeseable al que nadie echará de menos.

“La pequeña tienda de los horrores” es además de un musical, un película con mucho humor negro de ese que tan bien se les da a los americanos, pero es que además el resto del reparto es todo un “all stars casting” de la comedia americana de los 80 y los 90: Steve Martin, James Belushi, John Candy y Bill Murray… “no hase falta desir nada mas” como decía aquel, verdad? Steve Martin y Bill Murray protagonizan una escena que es seguramente uno de los momentos top de la comedia americana de los últimos 20 años.

Hay otros grandes momentos durante la película, a destacar el chaladisimo personaje del dentista, que interpreta Steve Martin, desfasadísimo y sobreactuadísimo, como me gusta a mi. Los momentos del personaje de Rick Moranis con la planta Audrey II son también maravillosos, es que no logro imaginar a nadie mas haciendo el papel que hace Rick Moranis en esta película.

Es una película de la que guardo un gran recuerdo, una película que atrapa, con su toque gamberro e irreverente y sus números, es difícil no quedar fascinado si se ve en edad preadolescente, como me paso a mi, quien la vio en su época, es imposible que no le encante, pero a quien no la haya visto, casi ya en 2012, es totalmente recomendable. Para mi, después de muchos visionados, el ultimo hace poco, precisamente para escribir la review que están ustedes leyendo ahora mismo, sigue siendo un pequeña obra maestra.

Las canciones, yo sin ser una gran amante del rollo Motown, del R&B, etc… me encantan, tienen en general un nivel enorme, maravillosa “Downtown”, por ejemplo, o la propia “Little Shop Of Horrors” que abre la película. Acompañan muy bien las coreografías, con un ambientación y unos decorados muy teatreros, de estética muy colorida y alegre, muy de musical de Broadway, pero con esa chispa de la serie B que le da un aire muy especial a todo el film. A destacar la voz que da voz, valga la redundancia, y las canciones de Audrey II, la planta: sencillamente espectaculares.

Igual de espectacular que sus canciones, es la propia marioneta de la planta, o mejor dicho, las diferentes plantas, ya que durante la película, esta va creciendo y veremos diferentes marionetas de la misma, todas ellas muy logradas, a quien no le gustaría tener en casa una pequeña Audrey II en su primer estado?

La ultima marioneta de la planta, en su estado mas grande, tenia que ser movida por mas de 30 personas y las escenas donde aparecía tenían que ser grabadas a 14 fotogramas, por lo que los actores que compartían plano a menudo tenían que actuar como si lo hicieran a cámara lenta. El resultado en general de los efectos y los maquillajes es bastante bueno.

“La pequeña tienda de los horrores” o “Little shop of horrors” es una película que mezcla musical, comedia negra, drama, horror y ciencia ficción con su toque romántico, como no, es de los 80. Es una película muy disparatada, con un muy buen ritmo de cine clásico, que solo rompen en contadas ocasiones las canciones, que por cierto tiene muchísimas (aviso!), otra de esas joyas que paso bastante inadvertida en su día, sobretodo por estos lares donde los musicales nunca han sido muy del agrado general. Muchos la descubrimos ya en televisión, donde la programaron mucho en “las catacumbas de noche”, como decía el gran Gasset.

Buscando información sobre la película he dado con un dato que desconocía y que me ha dejado perplejo: resulta que la película tuvo un preestreno en Estados Unidos, que tenia otro final. En ese final, la planta se hacia tan grande que acababa con absolutamente todos los habitantes de la ciudad. Pero parece que este final no acabo de gustar durante el preestreno y los responsables de la película decidieron estrenar finalmente la película con otro final. Que error, me parece que hubiera sido un final brutal.

En definitiva, no se la pierdan ustedes, y sobre todo como siempre, que la disfruten.

Crítica: La Novia Cadáver

2011-12-28T10:04:00.000+01:00

La moda nos obliga a hablar mal de Tim Burton, que si ha decaído mucho, que todo lo que hace es ahora siempre más de lo mismo. Pero en el tercer largometraje de animación, el director nos trajo una película stop¬-motion (técnica de animación fotograma a fotograma realizada con muñecos) que no deja indiferente a nadie.

Producida y codirigida por Burton, este cuento macabro y siniestro nos relata la historia de Víctor y Victoria, que están a punto de casarse. Es un matrimonio de conveniencia y organizado por sus padres. Nuevos ricos con nuevos pobres. Víctor, que es un soñador, es un poeta, sus padres habían sido pobres (pescadores). Victoria, que también es melancólica y soñadora; y que tiene unos padres venidos a menos que necesitan casarla con un tipo con dinero urgentemente. Romanticismo gótico decadentista. Paisajes románticos con mayúsculas. Cuidado estético al máximo. Además, compone una historia de contrastes. Un mundo gris, triste, aburrido, decaído; el mundo de los vivos. En perfecta contraposición con el mundo de los muertos, donde vive la alegría, la luz, los colores, la música; pero sobretodo, el amor y la compasión, el cariño. Es un claro ejemplo del universo paralelo del director, que siempre se aleja de la visión de la masa para crear sus pequeños mundos distintos, de sociedades monstruosas, de maldades recónditas y personajes siniestros muy, muy buenos de corazón.

Precisamente, para esta película y ayudado por el dibujante español Carlos Grangel, Tim Burton liderando un equipo de diseñadores que crean más de 60 personajes (eran 82 pero se vieron reducidos a 60) con vida propia, con historia, con su conflicto y su carga moral. Si a esto añadimos la música que acompaña la cinta, de manos del eterno Danny Elfman; conseguimos una ambientación y una iluminación perfectas que cargan la escena (una tras otra) de un surrealismo y expresionismo mágicos.

No es una historia más porque tiene una ternura gótica y un toque burtoniano que se queda en tu mente. Unos personajes ideados a la semejanza de ciertos actores fetiches para el director, que otorgan carácter y una personificación total del dibujo (que deja de ser un ente plano de 2D). Para mí, en la novia cadáver; las voces están clavadas. Las interpretaciones de Johnny Depp y Helena Bonham Carter, Emily Watson; amén del resto de secundarios (y no tan secundarios) tienen una calidez impresionante. El hecho de que en verdad se interprete el interior de los personajes y lo que no dejan ver. Personajes que incluso muertos, muestran una belleza increíble porque se deja ver que en verdad, su alma es hermosísima. Así se puede comprobar el contraste de como los personajes que luchan contra las normas establecidas por la sociedad, contra la coartación de las libertades son delicados, conectan entre ellos; son bellos en esencia. Mientras que los personajes que son regidos por las conveniencias sociales, las apariencias y todo lo que sea pretensión son esperpénticos, totalmente ajenos la sencillez y a la cotidianidad. Sonrisas, guiños, son los elementos que conmueven al público por parte de unos personajes que sólo pretenden vivir. Porque finalmente, esa es la moraleja que Burton quieren enseñarnos con esta película. Hay que vivir feliz en este mundo porque no hay un más allá dudoso y catastrófico que nos espera para hacernos pagar todo lo malo que hicimos en vida. No hay que vivir con miedo o esperando a ver que pasará, porque poco más va a pasar en el más allá. Que simplemente seguiremos viviendo de acuerdo a lo que queremos hacer, tal y como hacen todos los espíritus que pueblan el bosque, que sólo intentan tirar hacia delante sin represiones ni explicaciones.

En definitiva, un paraíso visual. Una sucesión de magia, de color, de oscuro ingenio, de planos rebuscados, de una imaginación excelente. Una historia preciosa con un triángulo amoroso y tierno.

Crítica: Terrorvision

2011-12-27T07:11:00.000+01:00

Departamento de sanidad del planeta plutón, planta de desechos mutantes. Una criatura es expulsada al espacio por las autoridades pertinentes y como no podía ser de otra forma, tras un error de cálculos y una serie de desafortunadas casualidades, esta llega a través de las ondas electromagnéticas al planeta tierra. Para ser mas concretos, al seno de los Putterman, una familia de clase alta que vive en una lujosa casa de diseño en las afueras de la ciudad y que recientemente, acaban de instalar un sofisticado sistema de televisión por parabólica, ideal puerta de entrada para la criatura del espacio exterior.

Esta es la delirante premisa de la que parte “Terrorvision”, película de 1986 dirigida por Ted Nicolaou, en lo que significó el debut en el largometraje de un tipo, que fraguaría su carrera cinematográfica de ese momento en adelante y hasta nuestros días, dirigiendo películas fantásticas para adolescentes de escasa repercusión y alguna que otra cinta de terror de serie B/Z, vamos, uno de los principales proveedores de películas baratas para video club de los 90.

“Terrorvisión” es uno de esos títulos entrañables con los que muchos crecimos cinematográficamente hablando allá por principio de los susodichos 90 y que desde entonces y a pesar del paso de los años, ha permanecido en estado letárgico en lo mas profundo de nuestro cerebelo, a medio camino entre la bonita evocación de infancia y la pesadilla psicodélica, recuerdo andrógeno y distorsionado por la erosión del inexorable padre tiempo quien en toda su grandeza, lo ha moldeado, amasado y manipulado a su antojo hasta convertirla para algunos, en película de culto. -¿Te acuerdas de “Terrorvisión , aquella peli del niñito rubio de rostro angelical y el monstruo que salía de la tele? Que buena era, que peliculón…. ¡!Mentira!!! sucio y tramposo Cronos que juegas con nosotros cuan marionetas. Por que hostia puta, que mala es la cabrona… pero, que divertida también, por que nos pueden manipular la mente, pueden distorsionar nuestra realidad, pero al corazón no se le puede engañar, no amigos, ese es un vaquero muy duro y esta paja mental del señor Nicolaou que fue, que es “Terrorvision”, sigue siendo ha día de hoy, 22 largos años después de su gestación en algún sombrío bar de carretera bajo el sabio consejo de tres o cuatro botellines de cerveza vacíos, una experiencia 100% disfrutable y 100% recomendable para cualquier aficionado al género de rancio paladar.

“Terrorvision”, a parte de un absurdo divertimento, es también un fantástico análisis social (aliñado con algo de irreverente crítica) de finales de los ochenta, con una familia, los Putterman, que refleja con escatológica fidelidad, a la ídem de clase alta de la época, al igual que haría tres años después, Bryan Yuzna con “Society”, aunque en esta ocasión, desde una óptica mucho mas desenfadada y en tono de comedia. Incluso, si apuramos, podemos entender la cinta como una visionaria metáfora sobre lo peligrosa que se tornaría la caja tonta para nuestra integridad física y mental unos cuantos años después, pues no hay duda alguna de que sintonizar depende que cadenas televisivas en la actualidad, puede resultar una experiencia mucho mas aterradora que enfrentarse a un ente alienígena.

Pese a sus muchos defectos, como las dudosas interpretaciones de todos los miembros del reparto (a excepción quizás, del pequeño Chad Allen en el papel de Sherman, el pequeño de los Putterman,), de su horrible montaje, irregular ritmo y parapléjico desarrollo de la historia, “Terrorvisión” es un fantástico lubricante sexual (sabor cereza) para disfrutar sin sequedades de hora y media de cine gamberro a tres bandas entre el terror, la ciencia ficción y la comedia de sobremesa, sin pretensiones y ajeno a cualquier otro tipo de análisis y consideración. Una criatura alienígena mutante (antaño una simpática mascota allá en su Plutón natal) que vive dentro las ondas y que sale del televisor cuando le brota para alimentarse de todo bicho viviente con el que se cruza, no hay mas. Tampoco hace falta. Un buen puñado de vistosas muertes, ojito a los graciosos efectos especiales que se gasta, los cuales aun a día de hoy, resultan la mar de válidos (creo que a esto se le llama envejecer bien), al gran diseño del alienígena (nada que ver con la insultante frialdad y falta de personalidad vista en su congénere digitalizado de “Super 8”) o a la simpatía que consigue transmitir el filme a nivel visual en todo momento (esa pedazo maqueta de Plutón, la cual invita a montarse en “bolindre” y partir hacía allí, YA) a pesar de sus evidentes limitaciones presupuestarias.

A esto hay que sumar un buen puñado de dantescas situaciones cómicas y otros tantos personajes para el recuerdo, como el citado Sherman, fango elemental o barro primigenio de lo que terminaría siendo unos cuantos años más tarde y tras el paso evolutivo previo experimentado en “Game Over”, película de 1989, el personaje de Macaulay Culkin en el clásico de la comedia familiar “Solo en Casa”. Luego tenemos a Spiro, el adonis griego homosexual, el novio metalero de la hija de los Putterman, el abuelo aficionado a las armas, de fuertes convicciones patrióticas o Medusa, la presentadora de un programa televisivo de terror que grabó a fuego su desproporcionado escote, en las enfermizas mentes de toda una generación de hormonas adolescentes. Por todo esto y por un montón mas de intranscendentes detalles como el doblaje del pequeño Sherman, las muecas de su padre, la cachonda banda sonora o la deliciosa decoración de la casa de los Putterman, “Terrorvision” es un visionado obligado así como una magnífica oportunidad para revivir una forma de entender el cine fantástico, la de nuestra infancia, que tanto echamos de menos algunos.

Valió la pena gastarse ciento cincuenta pesetas para alquilarla en el video club por: La criatura, su desenfado y los solos de guitarra al aire que se pega el heavy, desde ya, personaje de culto.

El “pero”: Que tengamos que retroceder más de veinte años en el tiempo para poder disfrutar propuestas de este tipo.

Crítica: Cristal Oscuro

2011-12-26T00:19:00.000+01:00

Bienvenidos al mundo de la fantasía. Bienvenidos al mundo de la magia. Bienvenidos a la onírica mente de Jim Henson. Bienvenidos a "Cristal Oscuro".

En realidad, para poder ver y entender el virtuosismo de esta obra, deberíamos poder tener la capacidad de arrancarnos los ojos de adulto y colocarnos en su lugar dos trocitos de cristal, que nos devolvieran la ingenuidad que hemos ido perdiendo por el camino, y hablo de ingenuidad y no de inocencia, porque fundamentalmente no considero que "Cristal Oscuro" sea una fábula para niños, sino una metáfora para adultos.

Fue en 1982 cuando Henson decidió que el arte había que compartirlo, que ya tenía suficiente experiencia con marionetas como para hacer algo grande, algo atemporal, algo que no fuera ni del ayer, ni del hoy, ni del mañana, algo que no perteneciera a la noche o al día, sino un algo que englobara todos esos conceptos.

La historia no es fácil de explicar, pero soy una valiente, así que, al menos ,lo intentaré: En otro mundo, hace miles de años, la tierra de cristal estaba gobernada por los Urskeks (símbolos del mundo sin corrupción),que vivían en relativa armonía con la naturaleza y que obedecían al gran cristal. En un momento de esa relativa calma, comienza una guerra interna entre las dos partes de las que se componen los Urskeks y una de ellas rompe el cristal oscuro, así se dividirán en dos razas totalmente opuestas, pero complementarias: los Eskeksis y los Místicos.

Estos dos tipos de seres estarán ligados entre sí, la naturaleza de uno no puede sobrevivir sin la naturaleza del otro, así la muerte de uno, significará la desaparición de su opuesto.

En el momento en que se nos invita a ser partícipes de esta historia, han pasado ya mil años desde la divergencia de estos seres y los Skeksis son la tribu que gobierna, y justo en ese momento, estamos a punto de presenciar un esperado acontecimiento, ya que se aproxima la fecha en la que los tres soles entrarán en conjunción con el cristal, lo que determinará la restauración del orden y la unión del bien y del mal, pero eso solo ocurrirá si el cristal oscuro está completo, con la falta de un solo fragmento, el poder total e independiente, les será entregado a los malvados Skeksis, símbolo del caos, la envidia y la destrucción. Y por supuesto, falta un fragmento...

Obviamente, como en toda aventura fantástica, existe una profecía que determinará el devenir de todos los personajes. En esta profecía, un gelfring (Jen)tendrá que encontrar el fragmento que falta del cristal, ir al castillo oscuro y completar la gran pieza antes de la conjunción de los tres soles.

Una vez más, el mundo vuelve a estar en manos de una ser sin mácula de maldad y dotado de una sensibilidad y de una inocencia envidiable.

El resumen de la trama es éste, ahora, la interpretación del simbolismo es tan rica, como imaginación poseas y yo, metida de lleno en el mundo Henson lo ví todo de la siguiente manera:

El inicio viene determinado por la muertes de los líderes de ambas tribus, y mientras los Skeksis luchan hasta la humillación y la degradación por conseguir el rol de nuevo líder, los pacíficos y calmados Místicos, simplemente afrontan su nuevo destino con esperanza y un as en la manga (porque, queridos míos, tener un as en la manga es fundamental para la supervivencia en todos los aspectos).Ese as, se materializa en Jen,el único gelfing que sobrevive en tan apocalíptico mundo y a quien los Místicos han instruido bajo sus enseñanzas y su paz.

La escisión entre los Místicos y los Skeksis, desde mi punto de vista, marca el inicio del mundo tal y como lo conocemos nosotros, un mundo en constante lucha: el bien y el mal, la paz y la guerra, la luz y la oscuridad, el ying y el yang....y Henson apoya visualmente este constante enfrentamiento mediante magistrales diseños de sus personajes: los Skeksis son duros, son como buitres hambrientos de carroña, mientras que los Místicos son amables y de miradas lánguidas y melancólicas. Unos transmiten nerviosismo y exasperación y los otros calma y sabiduría.¿Quién soy yo?¿Quién eres tú?¿Con quién identificarse?¿Son los buenos tan buenos y los malos tan malos?

En el periplo de Jen hasta encontrar el oráculo que le proporcione el fragmento (ese oráculo es la carismática Ogra),nos damos cuenta de que en el universo del bueno de Jim todo se mueve, todo está en constante movimiento. La naturaleza está viva porque la naturaleza es vida.

Una vez que Ogra proporciona el fragmento a Jen y que nos muestra su pequeño universo, que predice el ángulo de la eternidad en espera de la gran conjunción del fin del mundo, deseas que esa vieja bruja pudiera sentarse contigo a tomar café y resolverte los grandes dilemas de la existencia, porque ella es sabiduría, ella conoce absolutamente todas las verdades universales, pero no toma parte, sólo simboliza el conocimiento al que todos podemos llegar haciéndonos las preguntas necesarias y siendo lo suficientemente curiosos como para buscar las respuestas adecuadas.

Jen y su cristalito siguen en su viaje al castillo oscuro, con una épica banda sonora como acompañamiento, y ahora empiezan los problemas: llegan los Garthins (que no son mas que las criaturas que actúan de matones para los Skeksis ) y arrasan con todo. Los Garthins son caos y masacre, pero no están dotados de inteligencia ni del don de la palabra,¿veis el simbolismo?¿Veis que Henson quiere decirnos que la palabra es el camino para el fin de los conflictos?¿que privados de comunicación sólo somos armas ciegas?

Los paisajes se tornan oscuros y desolados cerca de los Skeksis y áridos para los Místicos (que se van abocados a la extinción) Símbolos, símbolos, símbolos...

Como en toda historia que se precie, el héroe necesita a su heroina, a su alma gemela, y la encuentra en Kira, otra gelfring criada por los simpáticos y festivos Podlins.Jen y Kira entremezclan sueños y recuerdos y en la búsqueda de la identidad de cada uno de ellos, se darán cuenta de que la identidad verdadera la forja cada uno con sus decisiones. Ellos comienzan una amistad inmediata porque se necesitan y porque la amistad es ofrecerse a ciegas, porque el corazón se lo dice, se lo ordena y porque no les hace falta haber tenido mucho contacto para saber que se complementan a la perfección.

En la parte final, este mágico mundo nos muestra la tiranía de los Skeksis sobre los seres más débiles, en este caso, sobre los Podlins,a quienes vaciarán de su esencia vital, arrebatándoles sus temores y sus pensamientos y nutriéndose de ellos ,y está claro que eso está al orden del día, que el grande se come al pequeño y entre todos nos devoramos unos a otros ,y en medio de esta locura, me doy cuenta de que sin miedos, sin ilusiones, sin sueños y sin algo por lo que luchar, somos mas esclavos que los pequeños Podlins ,somos esclavos de la peor de las tiranías, la de una vida sin ilusión.

SPOILER El desenlace llega con el éxito de Jen y el sacrificio de Kira.El cristal es restaurado en el instante preciso y regresa la luz. El castillo oscuro queda reducido a la nada y en su lugar surge un nuevo castillo de esperanza.

En esta vuelta al orden natural, los Skeksis y los Místicos se fusionan nuevamente para dar lugar a una nueva raza de líderes que devuelven el control a la naturaleza. Esto no significa que el bien triunfe sobre el mal, sino que el equilibrio sólo se consigue con una parte de bondad y otra de maldad y que sólo depende de nosotros no dejar que una de esas dos partes subyugue a la otra. FIN SPOILER

La moraleja es que Jen es el alma ingenua que de repente llega a un mundo competitivo y egoísta y pretende demostrar que las cosas pueden ser de otra manera, porque de vez en cuando surge algo o alguien que nos hace darnos cuenta de que hay que replantearse el modo en que percibimos a los demás y sus acciones. Para mí, la metáfora de los diferentes estados emocionales en "Cristal Oscuro" es un hecho.

A grandes rasgos, esto es para mí "Cristal Oscuro".

Técnicamente es impecable, un mundo de marionetas (y algunos humanos marionetizados) de una expresividad asombrosa. Sus reflejos de dolor, sorpresa, miedo, alegría, etc están logradísimos, una gozada para la vista.

Mi conclusión es que es una propuesta inteligentemente infantil diseñada únicamente para adultos.

La luz del cristal oscuro te cegará: si te dejas llevar por un mundo onírico y disfrutas de la fantasía de unos personajes míticos.

Desearás romper el cristal en mil pedazos con tus propias manos para acabar con la armonía de las marionetas: si no conectas con la aventura en los 10 primeros minutos.

"Papá, Soy una Zombi", animación Burton made in Spain

2011-12-25T09:58:00.000+01:00

Hoy os traemos el tráiler de “Papá, soy una Zombi”, un largometraje de animación dirigida por la pareja formada por Ricardo Ramón y Joan Espinach, producida por Digital Dreams Films y Abra Producciones, y distribuida por Barton Films.

Con claros homenajes al cine de Tim Burton, esta cinta española contará la historia de una joven y rebelde chica de 13 años de apariencia gótica que aprenderá a enfrentarse a sus miedos y problemas de la vida, tras su emocionante e inolvidable estancia entre zombis, momias, vampiros, brujas y demás seres de la noche. Una apuesta interesante y original para el cine español, que el pasado mes de noviembre fue galardonada con el premio Enfants Terribles al mejor largometraje en la 49 edición del Festival Internacional de Cine de Gijón. “Papá, soy una Zombi” se estrenará en los cines españoles el próximo 10 Febrero.
Por cierto, Feliz Navidad a todos!.

“Dixie es una niña de 13 apasionada por lo gótico. Le encanta maquillarse, vestirse de negro y todo lo que tiene que ver con el mundo de los muertos. Además, su padre se dedica al negocio de las pompas fúnebres. Sin embrago, aunque parece una adolescente confiada y segura de sí misma, la vida de Dixie no es nada fácil. Su madre les ha abandonado para cumplir su sueño de dedicarse a la botánica y Julia, su amiga de toda la vida, ha comenzado a alejarse de ella y apenas puede verla.

Para colmo de males, el chico que le gusta parece no saber ni que la pequeña Dixie existe. ¡Todo le va mal! Sin embargo, un día Dixie se despierta convertida en una zombie y a partir de entonces empezará a ver las cosas de forma diferente. Ya no tiene que preocuparse por el instituto, ni por el chico que le gusta. Ahora tiene una misión muchísimo más importante que todas esas cosas de niña: luchar contra las fuerzas de la oscuridad...”

Crítica: Exploradores

2011-12-24T00:42:00.000+01:00

Joe Dante siempre será recordado principalmente por ser el director de “Gremlins” y su secuela. Pero el realizador y productor estadounidense de películas en su mayoría de contenido humorístico y de fantasía y ciencia ficción también tiene títulos para recordar como “El chip prodigioso” (1987), “Matinee” (1993) o “Exploradores” (1985), el film que os recomiendo para estas Navidades.

Siguiendo la estela de críticas de películas de aventuras de adolescentes de la brillante década los ochenta (“Cuenta conmigo”) y en sintonía con la factoría Amblin, reinante en las taquillas del momento (“Regreso al Futuro”, “Gremlins”, “Los Goonies” o “E.T. el Extraterrestre”), “Exploradores” narra los sueños visionarios de tres muchachos aventureros que descubren, en el improvisado laboratorio del sótano de los padres de uno de ellos, un campo de fuerza sin inercia que utilizarán para volar con su propia nave espacial construida con chatarra y lanzarse así en un fantástico viaje interplanetario.

El metraje comienza con una escena de “La Guerra de los Mundos” que se emite por televisión. Al otro lado de la habitación nuestro protagonista, Ben Crandall (Ethan Hawke), duerme placidamente inmerso en un sueño fantástico. Junto a su amigo Darren Woods (Jason Presson), el joven proporciona los datos del sueño a su colega Wolfgang Mueller (River Phoenix), un prematuro científico con un laboratorio en el sótano, que creará con ellos y con la ayuda de su ordenador (antaño las películas mostraban a una persona inteligente junto a un ordenador) un campo de fuerza esférico que, primero, destrozará la habitación, luego, en el exterior, transportará al inteligente Wolfgang por los aires y finalmente les servirá a los jóvenes en su propósito de descubrir el espacio exterior y hacer realidad esos sueños.

La nave espacial, compuesta por chatarra, se queda grabada en la retina, especialmente si uno es adolescente cuando ve la película. El chasis se forma a partir de un vagón de una atracción de feria, luego le siguen los complementos como las dos entradas compuestas por puertas de lavadora y un parabrisas hecho con la carcasa delantera de un televisor (un baúl y cubos de basura son el resto) y por último, a bordo, se instala el ordenador con su enorme teclado de la época como mandos de control de la particular nave.

Yo era de los que después de ver el film se dedicaba a construir naves espaciales con mierda de la calle. Era fantástico; la nave y las breves y un tanto superfluas escenas de amor adolescente donde el pequeño Ethan Hawke comparte el sueño de ir al espacio con el de ganarse a la chica que le gusta de su colegio.

Simpática película y entrañables adolescentes con un prometedor y malogrado River Phoenix de científico con enormes gafas y su jerga informática y científico futurista que aceptas por el simple hecho de tener y saber llevar un ordenador.

La cinta adquiere fuerza y atractivo en su primera parte, en la que los chicos se reúnen, descubren el campo de fuerza, construyen la nave y se preparan para viajar al espacio. El interés se mantiene en todo momento debido a la curiosidad por saber que les espera en el exterior. Pero una vez llegan a su destino todo pierde encanto con un inesperado giro en la trama.

SPOILER. Tras activarse una coordenadas programas en la nave, los jóvenes viajarán por la galaxia hasta llegar a una nave alienígena, donde en su interior les esperan dos monstruitos verdes de apariencia ridícula (tal vez de niño uno los ve más divertidos), con muy poca gracia y bastante ñoños, adictos a la televisión norteamericana de la cual han aprendido infinidad de frases de anuncios, programas y películas. Aquí el director, confeso amante de los seriales de los 50, realiza con las parodias del extraterrestre un homenaje a las películas de ciencia ficción de aquella década como “War of the Worlds”, “This Island Earth” o “The Day the earth stood still”. Pero también Dante y su guionista, Eric Luke, destrozan la magia creada al inicio.

Los extraterrestres resultan ser dos hermanos y adolescentes como los muchachos. Todo se descubre cuando una nave más grande los absorbe y aparece otro alien de dimensiones enormes que les pega la bronca. Uno de ellos, Wak (Robert Picardo), reconoce que es su padre y que le han cogido la nave, como un adolescente coge sin permiso el coche de papa. Al parecer, los extraterrestres también se sienten incomprendidos por sus progenitores, tienen sueños por cumplir y son igual de imbéciles que los humanos. FIN SPOILER.

Pese al mal trance que Dante nos hace pasar con el desarrollo de la historia, “Exploradores” nos enseña de forma muy entretenida que no existen límites cuando queremos llevar a cabo nuestros sueños. Tal vez, el atractivo y el mensaje del film pierde razón de ser con los adolescentes de hoy en día (esta frase siempre hace sentirme más viejo). Es posible que ahora esta película sea desterrada al visionado para los más pequeños porque podría resultar bastante “cutre”, como se dice coloquialmente, para el resto del público, excepto para los nostálgicos. Aunque también es verdad que el intento de Dante por ser Spielberg (los films de chicos que vivían excitantes aventuras fantásticas eran muy rentables y fueron muchas producciones de corte similar las que se lanzaron en la época) y su obvio fracaso en ello es tan estrepitoso que el film puede parecer aburrido incluso para un sector del público más nostálgico de los ochenta en gran parte debido a unos crios poco carismáticos y unos extraterrestres infumables, pese a tener al genio Rob Bottin al frente de los efectos de maquillaje. En contraste, los efectos especiales son lo que más luce de la película y los hizo realidad la brillante Industrial Light and Magic de George Lucas.

A medio camino entre “Los goonies” y “El vuelo del navegante”, la película de acción y fantasía combina humor sutil y calidez, y es muy propicia para ver en familia con los más pequeños; comprensiblemente difícil de valorar para los adolescentes de ahora.

LO MEJOR: Los efectos especiales y la primera parte de la película.

LO MENOS BUENO: La segunda parte, con unos decepcionantes aliens demasiado infantiles (más cercanos a una cartoon en vivo), junto al poco carisma de los personajes protagonistas.

EL PLANO: La nave espacial recién construida.

ANÉCDOTA: En el doblaje español, Ben tiene la voz del famoso “Gordi” de “Los Goonies”.

MI EXPERIENCIA: Naves hechas a partir de mierda de la calle y, después de muchos años, mi encuentro en persona con Joe Dante en el Festival de Cine Fantástico de Sitges.

"The Pirates! Band of Misfits", stop-motion en alta mar

2011-12-23T08:01:00.000+01:00

Sony Pictures Animation y el famoso estudio de animación británico Aardman (“Wallace y Gromit”, “Chiken Run, “Arthur Christmas”), han unido fuerzas para crear el film “The Pirates! Band of Misfits” (algo así como ‘¡Los Piratas! Panda de Inadaptados’), una producción en stop-motion que contará la historia de unos extravagantes piratas que pelearán por convertirse en el Pirata del Año.

Hugh Grant, Martin Freeman, David Tennant, Jeremy Piven y Salma Hayek entre otros, pondrán sus voces en la versión original de ésta cinta codirigida por Peter Lord (“Chicken Run”) y Jeff Newitt.

“The Pirates! Band of Misfits” es una producción digna de contemplar, y además promete diversión y muchas risas, para conseguirlo cuenta la historia del Pirata Capitán (Grant), un entusiasta pero poco exitoso pirata que se considera el terror de los siete mares con la ayuda de su equipo (Martin Freeman, Brendan Gleeson, Russell Tovey y Ashley Jensen). Sin considerar los grandes obstáculos que tiene delante, el capitán tiene un solo sueño: superar a sus rivales Black Bellamy (Jeremy Piven) y Cutlass Liz (Salma Hayek) en la obtención del Premio al Pirata del Año. Para conseguir este premio, los héroes deberán viajar desde las playas de la Isla Sangre hasta las calles de Londres, y en el camino conocerán varias sorpresas, como una malvada reina (Imelda Staunton) y un joven científico (David Tennant). La película se estrenará el 30 de marzo en salas 2D y 3D.

Crítica: Acero Puro

2011-12-22T00:37:00.000+01:00

Seguro que todo el mundo recuerda ‘Rocky’ (‘Rocky’, John G. Avildsen, 1976), aquella película que le quitó el Oscar a la inigualable ‘Taxi Driver’ (‘Taxi Driver’, Martin Scorsese, 1976), pues bien, ‘Acero Puro’ es más o menos igual, pero cambiando hombres (Rocky) por robots (Atom).

Basada en una historia corta del escritor y maestro de la ciencia ficción Richard Matheson (escribió una marabunta de obras entre las que se encuentra la famosísima y mítica ‘I Am Legend’ –de lectura obligatoria para cualquier amante de los vampiros-), la película dirigida por Shawn Levy –director de temible currículum- es básicamente una copia más o menos buena de la imprescindible película protagonizada por Sylvester Stallone.

Si en aquélla el cuerpo de Rocky parecía de acero, en ésta, Atom es literalmente de acero. El protagonista robot no pertenece a la digamos clase A (esto es boxeadores), sino que pertenece más bien a otro tipo de robots, es sparring, es decir, está diseñado para entrenar a otros robots y recibir golpes de éstos. Supuestamente no aguantaría ni un solo round.

Pero he aquí que Atom cuenta con la inestimable ayuda de un humano y antiguo aspirante al título que se quedó a las puertas de ganar el combate de su vida (sí, como Rocky); y éste es nada menos que Hugh Jackman, demostrando una vez más (y van...) que es un actorazo inmenso y uno de los tipos con más carisma del Sistema Solar.

La película cumple con creces su cometido, que es básicamente entretener y hacer disfrutar a los más jóvenes (y a los que no somos tan jóvenes).

Cuenta con todos y cada uno de los ingredientes que debe albergar una cinta de estas características, así pues, tenemos: historia de superación personal (aunque es el robot el que lucha en el ring, en realidad es Hugh Jackman el que debe luchar, luchar contra las adversidades que tan gentilmente la vida ofrece).

Tenemos también historia de amor padre-hijo, historia de amor hombre-mujer (solo hay un par de besitos muy castos, -sí sí, que es una producción Dreamworks para toda la familia-), historia de antiguos rivales y rencillas no tan antiguas, humor tontorrón (sin llegar a lo molesto, ¡gracias!) y unos combates espectaculares y brutales.

No marcará un antes y un después, pero ‘Acero Puro’ no llega a ofender como sí lo hacen otras propuestas de similares características, y es más, incluso tiene momentos muy logrados (todos y cada uno de los combates).

Los robots son alucinantes y los combates impresionantes.

Si tuviera hijos, sin duda alguna los llevaría a verla, como no los tengo, pues me voy solo a verla (bueno, en realidad fui con la novia).

Una buena opción para pasar una tarde de lo más amena y entretenida.

Lo que más me ha gustado: los robots y los combates. Y bueno, Hugh Jackman.

Lo que menos me ha gustado: es obvio, al ser una producción destinada al gran público y, en especial a los más jóvenes, la película contiene unos cuantos elementos indignos. Pero bueno, uno sabe a lo que va y no es cuestión de quejarse de obviedades.

"El Hobbit: Un Viaje Inesperado", primer tráiler del viaje

2011-12-21T18:00:00.001+01:00

"Mi querido Frodo. Una vez me preguntaste si te había contado todo sobre mis aventuras. Y aunque puedo decirte honestamente que te he dicho la verdad... puede que no te lo haya contado todo…"

De este modo arranca la carta que el viejo Bilbo Bolsón le escribe antes de partir a su querido sobrino Frodo, y de este modo tan soberbio es como arranca el primer tráiler de “El Hobbit: Un Viaje Inesperado” (“The Hobbit: An Unexpectec Journey”). Justo una década después, cuando se cumplen diez años desde que la primera entrega de “El Señor de los Anillos” se estrenara en cines, Peter Jackson nos vuelve a llevar a la Tierra Media con el póster y el primer tráiler de “El Hobbit: Un Viaje Inesperado”, una de las dos partes en las que se ha dividido la adaptación de la famosísima novela fantástica “El Hobbit” de J.R.R. Tolkien.

“El Hobbit” narra el emocionante viaje de Bilbo Bolsón y trece enanos a la Montaña Solitaria para reclamar el tesoro robado por el dragón Smaug y cuenta como Bilbo llegó a tener el anillo después de arrebatárselo a Gollum.

Guillermo del Toro, Philippa Boyens, Fran Walsh y Peter Jackson se han encargado de escribir el guión, y Howard Shore pone la música. Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage, James Nesbitt, Evangeline Lilly, Andy Serkis, Elijah Wood, Orlando Bloom, Hugo Weaving, Stephen Fry, Lee Pace, Luke Evans y Benedict Cumberbatch son los protagonistas.

La película se estrenará el 14 de diciembre de 2012 (dentro de un añito vamos), mientras que la segunda mitad, ‘The Hobbit: There and Back Again’, llegará a los cines el 13 de diciembre de 2013. Ambas podrán verse en 2D y 3D, pero…por las barbas de Gimli, aquí tenéis el tráiler!:

Cortometraje: "Burn-E", otra odisea en el espacio

2011-12-20T14:03:00.001+01:00

“Burn-E” vendría a ser ni más ni menos que el spin-off de la fantástica “Wall-E”, se trata de un divertido cortometraje de animación de Pixar Animation Studios dirigido por Angus MacLane. El corto cuenta las aventuras y desgracias de un pequeño robot, pero no un robot cualquiera, aquí los de Pixar hilan fino y es un robot que ya conocemos, todos lo pudimos ver en “Wall-E”, incluso puede que muchos de nosotros nos preocupásemos durante unos instantes por él.

El corto se desarrolla en la nave Axiom y gira en torno a un robot de reparación llamado Burn-E (Basic Utility Repair Nano Engineer) que debe soldar un elemento estropeado en el exterior de la nave y queda accidentalmente atrapado fuera de la misma ¿ya sabéis de quien hablo?. “Burn-E” se incluyó como material extra en todas las ediciones de “Wall-E”, pero abajo lo tenéis completo (aunque la imagen está al revés, lo siento pero son cosas del copyright), que lo disfrutéis, que estoy segura de que así será.

Cuando Wall-E pasa su mano sobre los anillos de Saturno, provoca que una de las pequeñas rocas se aleje y se ponga a girar alrededor de Marte hasta que finalmente se transforma en un meteorito que choca con el Axiom, lo que rompe una de las lámparas. Rápidamente envían a un robot a repararla, Burn-E. Cuando el robot está realizando su trabajo, coincide que Wall-E y Eva están volando alrededor del Axioma. Sus divertidas locuras en el aire provocan que Burn-E se distraiga y no llegue a realizar bien sus tareas. Después de muchos intentos lo consigue, pero cuando Burn-E quiere volver adentro de la nave, su puerta ha sido cerrada y él se queda atrapado en el exterior...