martes, 30 de abril de 2013

Crítica: Iron Man 3

Tras el arrollador éxito de “Los vengadores”, regresa a la cartelera la saga Iron Man que entra en una nueva fase y rompe moldes respecto al resto de films de la franquicia como del resto de películas de Marvel.

"Fantosfreak XIV", terror en Cerdanyola

 
Iniciando cuentra atrás para la edición número catorce....3....2.....1...........
 
El Festival de Cine Fantosfreak de Cerdanyola abre de manera gratuita, sí, habéis leído bien GRATIS, el Parque del Turonet donde la gente de a pie podremos disfrutar de una importante representación del cine  de autor más freak, fantástico y de terror que nos podamos imaginar. Bajo la dirección de Rafa Dengrà (Alexander Dreissel), director de la productora SoulPsychoKiller, este festival se ha posicionado como una de las citas más esperadas por los amantes de los cortometrajes del género.


Hasta ahora se han recibido una treintena de producciones procedentes de veintidós países, y otros ciento diez trabajos entre las diferentes comunidades autónomas que forman éste, nuestro país. El plazo para entregar los cortos será el próximo 10 de mayo. Si tenéis algún proyecto que queréis que vea a luz sólo tenéis que entrar en su web y leer las bases para la participación.

En ediciones anteriores se han proyectado muchos cortos que han participado o han sido galardonados en festivales de renombre. La singularidad del Fantosfreak y la exhaustiva selección que hacen de lo que proyectan ha permitido que se convirtiera en escenario de promoción de muchos cortos, como por ejemplo, Porque hay cosas que nunca se olvidan, que se ha llevado el récord guiness al corto más premiado en un año y medio, con más de trescientos galardones.

A falta de cartel buena es foto promocional donde podemos ver a unos individuos con máscaras de animalicos, ése elemento TAN de moda este año. A la espera estamos de más noticias. Para lo que no tenemos que esperar más es para saber cuando estamos citados, será en plena época estival, del 15 al 19 de julio
 
 

Crítica: El Dentista

Como es mi primera crítica hacia uno de los directores que admiro no quiero empezar sin contar una anécdota personal que seguro que muchos ya me la habréis oído. Pero como cual viejo chocho senil voy a repetir.

Andaba por el año 1999 y era mi primera visita al Festival de Sitges. Por aquella época no iba muy mal de duros y fui a ver casi toda la programación que ofrecía el festival. Pero si hay una sesión que recuerdo con cariño fue la doble que proyectaron: “The Toxic Avenger IV: Citizen Toxie” y “Terror Firmer” de la Troma. Llegué un poco antes por ver el ambiente y eso, y pude escoger el sitio. Normalmente escojo un sitio apartado donde pueda disfrutar plenamente del visionado pero ese día me picó por ser social y me senté al lado de un señor que parecía amable. Tuve que girar la cabeza tres veces para y por mi asombro ver que era el mismo ¡Brian Yuzna! Imaginaos yo con sesión doble de Troma al lado de Yuzna. El tipo resultó ser súper simpático y se ganó mi admiración para siempre.

jueves, 25 de abril de 2013

"Grieta en la Oscuridad", una grieta en el Nocturna 2013


Hace un año que se empezó a rodar en Mollet del Vallès (en la casa del pintor Joan Abelló) y en Barcelona el nuevo corto de Xavi Rull como director y Maria Costa como guionista. Esta pareja de jóvenes emprendedores, que por allá en 2011, decidieron fundar su propia productora, Noctambule Cinema, la que les serviría como lanzadora para sus propios proyectos y un sello de identidad para su forma de hacer cine.

Ante nosotros tenemos un thriller de suspense que durante veinte minutos nos narra como Carlos (Roger Berruezo), un joven y brillante escritor acaba de obtener un reconocimiento internacional por su última obra de arte. Durante una conversación casual, éste recuerda la figura de su mentor y rápidamente se da cuenta que no todo el mundo tiene una visión positiva de Ángel Millán (Ferran Rañé), quien tras un largo silencio creativo vuelve a ser comidilla de todos a gracias a una polémica trilogía. Decidido a probar que Millán sigue siendo el hombre que él conoció, Carlos le hace una visita, pero se encuentra con la extraña sorpresa de que en su casa habita un siniestro personaje.

Solamente queda decir que podréis echarle un ojo en Nocturna, el Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid. Grieta En La Oscuridad ha sido incluido en la Sección Competitiva Nocturna SHOTS de dicho festival que tendrá lugar del 3 al 9 de junio. Los madrileños y los que son adoptivos como yo lo fui un día, no se lo tendrían ni que pensar dos veces y dejarse caer por allí. He dicho.

 

Trailer Oficial Grieta en la Oscuridad from Noctambule Cinema on Vimeo.

miércoles, 24 de abril de 2013

"Science Team", lo nuevo de Drew Bolduc


En este blog apostamos por los que se intentan hacer un hueco con ínfimo presupuesto, así que aquí os traigo el nuevo proyecto de Drew Bolduc que co-dirige y del cuál es guionista. Bolduc es un viejo amigo del blog, y ya llamó mucho la atención con su anterior proyecto The Taint, donde nuestro estimado Rector le dedicaba unas palabras de amor con su crítica y la catalogaba de visionado obligatorio. Pues bien, él no viene sólo, como director de fotografía tenemos a  William Robinette, y como productora y asistente de dirección a Michele Lombardi.

En esta sátira totalmente independiente veremos la lucha por la supervivencia de un joven, Chip, su madre muerta, un alien con poderes telepáticos y una organización gubernamental, Science Team, la cuál se encarga de mantener la paz interestelar y proteger a América de todos los aliens malvados que quieren acabar con ella.


Actualmente acaban de estrenar su primer vídeo promocional, ya que están buscando financiación para poder llevarlo a buen puerto. El rodaje empezará este mismo Junio en Richmond (Virginia). 

Desde aquí les deseamos toda la suerte del mundo y no hace falta decir que estaremos MUY expectantes. La cinta promete risas, lásers, sangre y muertes brutales a lo old school.



Science Team Promo from Drew Bolduc on Vimeo

Crítica: Minority Report

En mi primera clase de Derecho Penal mi profesor nos habló de “Minority Report” como ejemplo de lo que no permite la legislación. A su argumento me remito. En el año 2054 el crimen ha sido erradicado en Washington D.C. El futuro se puede predecir y los culpables son condenados antes de que cometan su delito. En el seno de la unidad de élite de Precrimen, perteneciente al Departamento de Justicia, todas las pruebas para condenar a alguien (desde imágenes alusivas al tiempo, al lugar y otros detalles) son vistas por los Precogs, tres seres psíquicos cuyas visiones sobre los asesinatos nunca se han revelado fallidas. Es la fuerza contra el crimen más avanzada, un sistema perfecto. Y nadie trabaja con más ahínco para Precrimen que su principal baluarte, el jefe John Anderton (Tom Cruise). Destrozado por una trágica familiar, Anderton ha volcado toda su pasión en un sistema que potencialmente podría evitar a miles de personas la tragedia por la que él ha pasado. Seis años más tarde, la próxima votación para darle carácter nacional sólo ha servido para reforzar su convicción de que Precrimen funciona. Anderton no tiene ninguna razón para dudar de ello… hasta que se convierte en el sospechoso número uno.

martes, 23 de abril de 2013

Crítica: Shark Week

Menos mal que los tiburones no tienen copyright, ya que de ser así The Asylum no solo tendría pleitos contra las grandes producciones sino que además se le agregarían multas por usar los escualos en casi la mitad de sus producciones y es que como su título indica la película va de tiburones.

domingo, 21 de abril de 2013

"No One Lives", cuando te sale el tiro por la culata

Con nuevo cartel y con red band trailer estrenado hace unos pocos días empieza su campaña de publicidad de cara al estreno en EEUU el 10 de mayo. Aunque esta película, aquí, en nuestras queridas tierras se presentó en la pasada edición del Festival de Sitges. Sé que los que fueron listos y la pudieron disfrutar se llevaron una grata sorpresa y otros desgraciados como yo se quedaron con las ganas.


El director no es otro que Ryûhei Kitamura conocido por películas/genialidades como Versus, Azumi o ya habiendo dado el salto al mercado americano El vagón de la muerte (The Midnight Meat Train). El guión corre a cargo de David Cohen.

La cinta nos cuenta como una pareja es secuestrada por la típica banda que busca problemas en un bar de carretera. Matan a la fémina de la pareja y entonces es cuando los paletos de pueblo se darán cuenta que el hombre de la relación, Luke Evans, no es lo que parece ser. En el maletero del coche de la pareja descubrirán un doble fondo donde había oculta una joven, Adelaide Clemens. Y aquí niños y niñas es donde empieza lo bueno.


Este no-slasher nos promete sangre y gore del rico y con fundamento. No creo que defraude a los fans de Kitamura ya que aunque haberse vendido, digo, haber traspasado el charco dicen que este trabajo sigue muy en la línea de sus anteriores proyectos en cuanto a lo explícitos y violentos que son. No me enrollo más y echadle un ojo al trailer.



Crítica: It´s In The Blood

“It’s in the Blood” empieza con el pródigo hijo October (Sean Elliot, que también ha co-escrito la película) que vuelve a casa a visitar a su padre Russell, el sheriff de un pequeño pueblo (Lance Henrikson). Ni la distancia ni el tiempo han ablandado los sentimientos contradictorios que hay entre ellos, y ambos se embarcan en un viaje con excursión en los bosques remotos de Texas en un último intento de arreglar la relación. Cuando un accidente bastante friki deja a Russell renqueando con una herida en la pierna, que da bastante grimica; recae en su hijo arreglar el desaguisado. Pronto descubrirán que algo monstruoso les acosa en el bosque, haciéndoles imposible desplazarse 10 metros del campamento. October tiene que usar sus conocimientos y su memoria fotográfica en orden para construir un refugio defensivo de lo que sea que hay intentando atraparlos.

sábado, 20 de abril de 2013

Crítica: Videodrome

Max Renn (James Woods), director de una pequeña cadena de televisión llamada Civic TV que emite blandiporno y violencia extrema, anhela conseguir algo verdaderamente duro, más realista. En su búsqueda, Renn se verá atrapado por las imágenes de una violencia inusitada, de un sadismo veraz de un programa llamado Videodrome, emitido desde Pittsburg, acabando víctima de su obsesión. Por cuanto la señal de Videodrome provoca un tumor cerebral y alucinaciones programables. Entonces, Renn ya no separará la violencia del sexo. Y frente a su inicial y profesional contemplación de las escenas de sadomasoquismo, posteriormente se transformará en complaciente verdugo flagelando a un televisor que es Nikki Brand (Deborah Harry) o, mejor dicho, que reproduce su imagen placenteramente sufriente. Una Nikki, de la que no sabemos si está viva o muerta. Sólo percibimos su imagen, deseable, mórbida, nueva vampira de la modernidad generado por la revolución tecnológica.

Las alucinaciones se multiplican y la proverbial capacidad intranquilizadora de Cronenberg se ofrece en imágenes perturbadoras: unos labios femeninos que surgen de la pantalla televisiva, y Renn introduciendo su cabeza entre los tentadores labios; un televisor que vomita sus vísceras; una hendidura en el estómago de Renn que tanto alberga una cinta de vídeo como una pistola... Imágenes que cumplimentan la requisitoria del cineasta frente al todopoderoso influjo de los medios audiovisuales, creadores de una nueva realidad, que es el tema de “Videodrome” (David Cronenberg, 1982).

La TV es la realidad del que mira, la imagen el poder; quien controla las masas de espectadores tiene el poder. Lejos de “Network”, Cronenberg nos muestra un film complejo a la vez que confuso lleno de aire malsano, atmósfera sofocante o imágenes sucias e insanas (“cine susio”). El cineasta plasma sus ideas en el marco de su mundo personal en el que la enfermedad, el contagio, el virus, que amenaza la normalidad, aboca al hombre a un proceso de destrucción y a perder su condición humana convirtiéndolo en un nuevo ser.

Lo más interesante de la labor del cineasta es su predilección por la meticulosa descripción de los síntomas de la enfermedad, uniendo fascinación con repulsión. También interesantes son los decorados del film: sucios y claustrofóbicos como la emisora de TV, el apartamento del protagonista o el hangar final.

“Videodrome” centra su contenido filosófico hacia la llamada Nueva Carne, en la que el individuo o colectivo no está conforme con su envoltura carnal (la piel, los huesos, la sangre, etc.) y cambia su ser. Dicha corriente se postula por la búsqueda de la revolución del cuerpo humano a través de su modificación. En el film podemos ver un ejemplo de ello cuando Renn (cuyo apellido viene de renacimiento) se hace con la pistola fálica, que recuerda la que años después aparecerá en “eXistenZ”, arma de la que salen unos apéndices filamentosos que se insertan en los nervios del brazo del protagonista, uniéndose a su cuerpo de forma que es esa mano la que se convierte en arma. Lo orgánico se une con lo inorgánico. A medida que Renn va entrando en esa otra realidad se va alejando de la suya anterior transformándose hasta alcanzar su apogeo cuando le aparece una vagina en su barriga en la que, casi como si practicase un fist fucking, introduce su puño para meterse varios objetos.

Para este film, que en un principio se iba a llamar “Network of Blood” (“Canal de Sangre”), Cronenberg contaría con mayor presupuesto del que había dispuesto hasta entonces, en torno a seis millones de dólares, una cifra bastante alta si tenemos en cuenta que “Scanners”, su film más costoso, había requerido sólo tres y medio. Aun así, el director tuvo que abandonar varias ideas ambiciosas y realizar numerosas modificaciones en el guión antes de poder empezar a trabajar, si bien todos los cambios no se realizaron por motivos económicos.

El rodaje comenzó en Toronto los últimos días de octubre de 1981 y finalizó en diciembre de ese año. El equipo volvió a ser el habitual y además para los efectos especiales de maquillaje se contó con un extraordinario profesional, Rick Baker, que acababa de trabajar en “Un hombre lobo americano en Londres” (John Landis, 1981) ganando un Oscar.

LA ESCENA: El protagonista metiéndose el puño dentro de la raja (su vagina) de su estómago.

LO MEJOR: Las alucinaciones de su protagonista. Una interpretación grandiosa de Woods unida a un meticuloso trabajo de realización tras las cámaras de Cronenberg, así como el mensaje que transmite la cinta: la atracción del sexo y la violencia y cómo estamos afectados por la televisión.

LO PEOR: Sin comentarios.


viernes, 19 de abril de 2013

Crítica: Dreamaniac

Aquella palabra que fue una vez harto amada, Grindhouse; se ha sobre-utilizado tanto últimamente para definir a las ya conocidas ‘películas de culto’ que ha pasado a valer nada. ¿Se refiere a aquella época cinematográfica de los 70 anterior al obligatorio marcado ‘R’ del cine moderno, donde las cintas violentas hiper-sexualizadas se pasaban en sesiones dobles o triples en pequeños cines durante una semana o dos y va que te matas? ¿Se refiere únicamente al dueto de Tarantino/Rodríguez de Planet Terror/Death-Proof, quienes aseguraban que habían conseguido hacer volver el auténtico sentimiento de las dobles sesiones con tráilers falsos, películas enfatizadas y un producto acabado explícito? No nos queda claro en qué momento se desvinculó el concepto de Grindhouse del folclore actual pero bueno, vamos al tema…

Durante los últimos años de la década ochentera (¡vivan los 80!) hubo una popularidad que no se puede negar de Pesadilla en Elm Street; la historia que todos conocemos del asesino que atacaba y mataba a sus víctimas en sus sueños, pero que en verdad las mataba en la vida real. Y parece ser que todo estudio (de cine, ¿eh?) pudiente trató de desarrollar su propia versión del ‘asesino que nunca duerme’ que acabó en una orgía de pesadillas Daliescas del mundo del horror. Por supuesto, la mayoría de ellas no tuvo un impacto real en el mundo del cine y pasaron al olvido y a la estantería de no-vale-la-pena-ni-sacar-una-secuela. Pero Dreamaniac fue el intento de Full Moon de reembolsarse pasta con el género de terror de muerte-mientras-duermo. ¿Cómo funcionó? Vamos a decir que era difícil de permanecer despierto.
 
Dreamaniac es la historia de Adam, un solitario aficionado al Heavy Metal que está secretamente atormentado por las visiones de un súcubo (¿mande?) maligno llamado Lily (tócate las pelotas) que se viste como una prostituta de los 80. Durante los altamente lícitas escenas de sexo (máquina de humo), a ella se la ve hacerle unas felaciones que terminan con su boca llena de sangre y haciendo al pobre despertar entre gritos. (No hay derecho). Adam es un hombre atormentado, tan afligido que a menudo enciende velas negras (no quiero bromas) en un intento de comunicarse con esta bestia o quizá, incluso; convocarla a quedarse en un plano más permanente. Las cosas que haría este muchacho por conseguir tener una novia que se parezca a las portadas de sus discos de monstruos… bueno, allá tú. No es que Adam necesite titi en su vida que ya tiene a su devota novia Pat (Kim McKamy, quien luego se convertiría en una actriz porno bastante popular [Ashlyn Gere], mujer que creo que provocó bastantes sueños donde hacía cosas peores que la bestia Lily). Pero el muchacho está obsesionado con el monstruo felador, así que Adam está ahí echando cabezadas cada vez que puede para reencontrarse con Lily pero eso sí, guardando tiempo para acostarse con su novia también en los primeros diez minutos de peli no vaya a ser que se pase media hora sin estar folleteando y se acabe el mundo.

Parecía mentira pero las cosas se van a poner peor, más complicadas, para Adam cuando la hermana de Pat, Jodie; organice una fiesta en su casa, quiere que la hermandad la acepte. Entre los invitados, no te lo vas a creer; pero está Lily, ella misma; una mujer bastante llamativa que nadie conoce excepto Adam y que nadie recuerda haber invitado pero a todos les da cosica decirle algo. No pasa nada, no sufráis porque se hará comino entre los invitados a golpe de cuchillo y los invitados están demasiado ocupados siendo unos auténticos cretinos como para ser maleducados o darse cuenta de que hay una mujer que les está atacando.

El tema básico de la película, nada excepcional igualmente; funciona como un trampolín muy válido típico de cinta de terror, pero, por alguna razón, todos los aspectos de la premisa de la misma sobre un demonio del mundo de los sueños nunca terminan de cuajar. Ningún detalle tiene realmente sentido y raramente se complementan. Por ejemplo: Adam es un aficionado de la música heavy y NUNCA suena ninguna canción o melodía perteneciente a este género musical. En la fiesta suena música mierder todo el rato y él está ahí disfrutando como el qué más. ¿Pero tú no eras heaviata, pardiez? El súcubo es bastante EPIC FAIL en sí mismo también… en los sueños se amorra al pilón y hay sangre pero cuando se materializa en carne y hueso; ya el tema sobrenatural se va a tomar por culo y empieza a matar a diestro y siniestro con armas físicas normales, de tú a tú. Hay algunas escenas de sexo muy sugestivas, quizá porque este trabajo de ficción fue escrito por un director oficialmente gay, David DeCoteau; donde algunas de éstas donde los personajes principales son hombres, la cámara se recrea en las partes vulnerables más que en el tema que tratamos. Pero no os creáis que hablo de sexo explícito o erótica, no… la verdad es que sabes que hay un acto sexual sucediendo pero más por lógica que por lo que se muestra. El hombre quería ver huevo, poco más…

Ya para terminar, dejadme decir que me hice con la versión DVD y la copia es oscura, tenebrosa y parece que ha sido copiada de un VHS, una joya vaya. Y lo mejor es que cuando empieza, Full Moon dice que la cinta puede ser poco precisa en algunos planos pero coño, lo dicen cuando empiezas a verla y no la puedes descambiar. Ponlo en la cajita del DVD para que pueda pensármelo, ¿no? Ya es puro enfado, pero vaya, lo quería decir. No necesito comer sardinas yo para beber agua.
 
 
 

jueves, 18 de abril de 2013

"Oldboy" tampoco se libra del remake

Ha llegado ese temido día señores, el remake ya tiene fecha de estreno. Pero no adelantemos acontecimientos. 

Spike Lee ha querido hacer una nueva versión/remake, diez años después, de la gran película de Chan-Wook Park, Oldboy. La cual es la segunda parte de la trilogía de la venganza. Teniendo en cuenta que el director de Malcolm X cuenta con Mark Protosevich, guionista de cintas como Yo Soy Leyenda, La Celda o Thor no sé yo muy bien si entre manos tenemos una combinación ganadora.

Ahora la pregunta del millón: ¿Quién encarnará el papel que en su día hizo impecablemente Min-Sik Choi? Pues no es otro que Josh Brolin (Planet Terror). También podremos ver en pantalla a Elizabeth Olsen (Silent House), sí, la pequeña de las gemelas Olsen, y a  Sharlto Copley (Distrito 9).

La sinopsis la conocemos todos (y si hay alguno por ahí que no, ya está tardando en ver la de 2003, 500% recomendable y disfrutable). Un hombre de negocios (en el remake publicista) es secuestrado durante veinte años. Confinado en una pequeña habitación donde hay una televisión y poco más, un buen día porque sí es liberado. Nuestro protagonista irá seguirá las pistas adecuadas para dar con quién le ha retenido y torturado durante esos largos años, lo que no sabe es que sigue siendo una pieza clave de un puzzle que empieza por V y acaba por A.

Así, a bote pronto, la química entre el remake y yo es cero. A ver cuando se dignan a sacar teaser para poder comprobar si se acerca a lo retorcida y brutal que es la original. El estreno será en USA el 11 de octubre de este mismo año.

 

miércoles, 17 de abril de 2013

Crítica: Would You Rather

Hace poco más de un año se anunciaba en este blog el lanzamiento de la película: Would you rather, levantando cierta expectación entre algunas de las personas que visitan con frecuencia el contenido del mismo. He de anunciar que a priori, cuando visioné el tráiler, me pareció que podría ser una película muy interesante, una de esas serie b desconocidas que depararan gratas sorpresas, máxime si tenemos en cuenta que las historias con gente muy dispar, en cuanto a caracteres, encerrada en espacios confinados y que tienen que hacer frente a diversas situaciones o pruebas (en la mayoría de los casos límites para seguir con vida) me suelen agradar y mantener atento durante todo metraje.

lunes, 15 de abril de 2013

Crítica: Posesión Infernal (2013)

La semana pasada, el sr.Bundy nos traía la crítica de “Posesión Infernal” , uno de los clásicos por excelencia y filme de culto del cine de terror que dirigiera el mítico Sam Raimi allá por 1981. Ahora le toca el turno a su esperado y controvertido remake, el cual corre a cargo, para rizar el rizo, de un debutante, el uruguayo Fede Álvarez. Servidor se adentró este pasado sábado noche en una (y es literal) pestilente sala de cine madrileña (eso si, con la mejor compañía del mundo y el estómago lleno de pollo frito), para comprobar en sus propias carnes en cual de las varias categorías de remakes con las que nos ilustró hace poco nuestro estimado compañero Max Cady, podríamos acunar a la temeraria propuesta de Álvarez... después de hora y media de metraje, y varios desmembramientos, estoy en condiciones de atestiguar, con mi mano sobre la sagrada biblia, que éste podría ser perfectamente arrojado al retrete de lo innecesario y que además, podríamos tirar de la cadena sin el menor de los remordimientos. Aunque, siendo sincero, y si me preguntáis abiertamente si me gustó la experiencia, no encontraréis otra respuesta que no sea un rotundo SÍ.

sábado, 13 de abril de 2013

Crítica: Axed

Despedido!!! No hay mayor película de terror hoy en día que escuchar esta palabra de boca de tu jefe, ¿verdad?

"Axed" es eso, "Axed" es el mundo al día siguiente de estar despedido.

A priori, la premisa es interesantísima, pues no hay nada mas de actualidad que la precaria situación laboral que estamos viviendo ahora mismo, y pocas cosas se me ocurren mas devastadoras que las consecuencias de un despido a avanzada edad. Uniendo esto a la férrea mentalidad británica y su sentido del saber estar, tenía que ser ley que "Axed" se moviera por los terrenos de la locura y la desesperación.

viernes, 12 de abril de 2013

Crítica: La Isla

Poesía visual sobre el deseo y el dolor, dos sentimientos que van unidos con más frecuencia de la que nos gustaría. Esta película dio a conocer en Occidente al (interesantísimo) cineasta coreano Kim Ki-Duk, convirtiéndose desde entonces en un fijo de los grandes festivales de cine (Berlin, Cannes, San Sebastián, Venecia, etc.) de la vieja Europa.

La premisa de la que se parte para reflexionar de forma metafórica y con elementos surrealistas sobre las relaciones personales y los sentimientos humanos es sencilla: Una mujer (interpretada de forma magistral por Jung Suh, a pesar de no hablar en todo el metraje) regenta un negocio de pequeñas casas flotantes en una laguna donde las personas van a satisfacer sus instintos más básicos (cazar, en forma de pesca, beber, comer y practicar sexo). A este paraje llegará un hombre (interpretado por Yoosuk Kim) que huye de su pasado y entre este y la propietaria del establecimiento surgirá una relación de atracción-odio que excede los límites de lo convencional.

Sin apenas líneas de diálogo (ni falta que hacen para disfrutar de esta bella y arrebatadora historia) y decantándose por una realización visual minuciosa y repleta de sugerencias, gestos, miradas y silencios (mucho silencio) se describe de forma extraordinaria el dolor que se experimenta cuando somos incapaces de conseguir el amor de otra persona, ese objeto de deseo tan satisfactorio como pernicioso, tanto física como mentalmente.

El protagonista masculino huye de un acto violento y atroz que arrastra en forma de culpa, cuyo peso es tan agónico y tormentoso que piensa en apartarse de todo y por último quitarse la vida. La protagonista femenina, por su parte, es incapaz de comunicarse con un mundo extraño y brutal que la rodea, a pesar de ofrecer su cuerpo a todos aquellos que lo solicitan se siente aislada, vacía y sola, pese a estar estrechamente unida, ella es el verdadero sustento, a las personas que la rodean (esas casitas flotantes que forman un micro-archipiélago social). Ambos personajes y sentimientos, culpabilidad y soledad, se atraerán desde el principio y se dejarán llevar por los instintos más primarios y salvajes aunque el sufrimiento los consuma en el intento (dolor que inexorablemente nos auto-infringimos cuando amamos y deseamos a alguien). Esta dramática historia de pasión y sexo, transita entre el misticismo oriental y el sadomasoquismo más extremo (autohumillación y automutilación), y aunque cuenta con imágenes surrealistas muy potentes y sugerentes que nos sobrecogerán, todo fluye de forma suave y coherente sin caer en el hermetismo y la incomprensión de otras películas.

Kim Ki-Duk desarrolla toda la historia en un único escenario, una laguna descontextualizada de espacio y tiempo, y con escasos personajes. A pesar de ello la cinta está dotada de un detallismo enorme debido a una minuciosa puesta en escena y una fotografía maravillosa que va dotando de irrealidad el microcosmos que se nos muestra conforme avanza el metraje.

Las imágenes son de una belleza y violencia salvaje, siendo en la mayoría de los casos sublimes y desagradables a partes iguales. Algunas escenas (aunque básicamente dos) se quedarán grabadas en la mente de aquellos que decidan dar una oportunidad a esta cinta para el resto de sus días. Nunca unos anzuelos habrán provocado tantos nudos en la garganta. Me temo, no obstante, que muchos (los más fanáticos de las producciones de Jerry Bruckheimer) abandonarán la función antes de que esta acabe (pese a durar tan solo 85 minutos) debido al pequeño esfuerzo que supone juntar todas las piezas de este brillante puzzle elegíaco.

El arrebatador final con el que concluye la función, no dejará a nadie indiferente, pues es uno de los más preciosos y enigmáticos que ha dado el cine contemporáneo (y me atrevo a decir, la historia del cine). Lástima que revelarlo sería quitarle toda la esencia a esta tremenda historia. Es algo que deberéis experimentar por vosotros mismos, no obstante, para los curiosos os dejo un último párrafo.

Nota: A continuación expongo brevemente a modo de SPOILER lo que me sugiere el desenlace de la película. Los amantes, siendo conscientes de no tener cabida en el mundo que les rodea, el cual los empuja a cometer actos atroces (asesinatos), deciden abandonarlo, sumiéndose él en el sexo de ella, su sexo es su isla-refugio y ella, nuevamente sola, convirtiéndose en su propia isla-refugio, la cual se hunde lenta y de forma irremediable en la inmensidad de la mar (la sociedad).


  

jueves, 11 de abril de 2013

"Sitges 2013", el nacimiento del mal

 
Hoy justamente faltan seis meses para la nueva edición de tan estimado festival y dan el pistoletazo de salida sacando a la luz el cartel de este año. Es un claro homenaje a La Semilla Del Diablo (Rosemary's Baby) del señor Polanski. La imagen ha sido creado, como no, por la agencia China. Parece ser que este año Sitges estará marcado por la visita del ángel caído. 

Otra buena noticia que acompaña al cartel es el sí quiero a la asistencia después de diez años de Takashi Miike. Hace poco hablábamos de él, aquí, en nuestro blog en la crítica de Audition. Sitges rendirá homenaje al director proyectando su nueva cinta en la Secció Oficial Fantàstic a Competició, Lesson Of Evil (Aku no kyôten). En ella nos cuentan los traumas de una maestra psicópata. Y para hacer la visita más redonda el Festival programará una retrospectiva de Miike y publicará un libro sobre este referente del cine actual.

Por último comentar que en esta edición tendrán como objetivo number one la selección de títulos que creen tendencia dentro de la amplia ramificación de lo fantástico, teniendo muy en cuenta a la nueva generación de talentos y en especial a la cinematografía catalana.

No sé vosotros, pero yo este año voy llueva, truene o nieve.
 
 

"Big Eyes", Tim Burton como un niño con ojos nuevos


Yasmina Minguet Paranido
¡¡Extra, extra!!

Parece que Tim Burton se ha divorciado de Johnny Depp. No, ahora en serio, nuestro entrañable director parece que quiere volver a levantar cabeza y se ha puesto al timón de un proyecto en el que ya estaba metido como productor, Big Eyes


¿Os suena el nombre de Margaret Keane? Pues sobre esta artista estadounidense y su marido Walter trata el nuevo proyecto. Se hizo famosa por ser la pionera en la técnica Big Eye, de ahí el nombre de la cinta, que no es otra cosa que pintar personas o animales con los ojos excesivamente grandes y saltones, se dice que la intención es intentar plasmar así la búsqueda de la inocencia. A mí lo que me parece es que más que en busca de la inocencia va en busca de lo creepy. Estas pinturas tuvieron su boom y se pusieron de moda sobre todo en las décadas de los 50 y 60 formando parte del movimiento pop.

¿Que por qué ha elegido a esta pareja y no a un pintor como por ejemplo Mark Ryden? Aunque a mí el estilo de Ryden me pega más con Burton (si no echad un vistazo aquí a la izquierda), la vida de los Keane se ve que es más interesante. Esta pareja empezaron desde abajo, ella pintaba y él era todo un comercial. Walter a más a más de vender las obras de su mujer se las acreditaba como suyas mientras Margaret se quedaba en la sombra creando. Llegó el divorcio y ésta demandó a su marido ya que se quería quedar con sus obras. Vaya, que veremos un drama en toda regla y la lucha por los derechos de la mujer en la época.

Los chosen one para interpretar al ya no-matrimonio son dos señores actores. Por un lado tenemos a Amy Adams (The Master) y por el otro a Christoph Waltz (Django Unchained).

En cuanto a los guionistas contamos con otro par; Scott Alexander y Larry Karaszewski. Expertos en biopics, uno de ellos ya había colaborado anteriormente con Burton en Ed Wood.

Esta es toda la información confirmada hasta la fecha. Esperemos que el resultado sea tan bueno como la pinta que a priori refleja.

 

miércoles, 10 de abril de 2013

"Fantasporto 2013", palmarés

La reciente producción de Guillermo del Toro, “Mamá” fue la gran vencedora del 33º Festival Internacional de Cinema Do Porto o Fantasporto 2013 en su Sección Oficial de Cine Fantástico alzándose con los premios a mejor película, mejor director y mejor actriz. En la Semana de los Realizadores, el más premiado de los cineastas del Fantasporto, Karen Shakhnazarov, volvió a ganar con “White Tiger”, dividiéndose los principales premios con Kim Ki-Duk y su deslumbrante “Pietá”.

A destacar también el Premio Especial del Jurado atribuido a la producción gallega “O Apóstolo”, que cuenta con una banda sonora compuesta por el minimalista Philip Glass.
 
En cuanto a la sección Orient Express, el vencedor fue la surcoreana “The Grand Heist”, de Kim Joo-Ho, una comedia histórica que arrancó las carcajadas del público durante su proyección.

El Premio de la Crítica fue para “The Seasoning House”, una historia de terror basada en hechos reales dirigida por Paul Hyett y protagonizada por Kevin Howarth, Sean Pertwee y Rosie Day, que cuenta como durante la guerra de Bosnia, los jóvenes eran torturados para satisfacer los bajos instintos de los militares.

Curiosamente el premio del público fue a parar a manos de la noruega “Thale”, de Aleksandre Nordaas, que se inspira en una leyenda de la mitología nórdica.

Pese a la crisis, la asistencia a las salas fue notable contando además con casi 300 invitados, de los cuales 120 procedían de fuera de sus fronteras y proyectando trescientas obras, entre largometrajes y cortos, procedentes de 37 países.

A continuación el palmarés al completo.

GRAN PREMIO FANTASPORTO 2013

MEJOR PELÍCULA: “Mamá”
PREMIO ESPECIAL DEL JURADO: “O Apóstolo”
MEJOR DIRECTOR: Andrés Muschietti por “Mamá”
MEJOR ACTOR: Toby Jones por “Berberian Sound Studio”
MEJOR ACTRIZ: Jessica Chastain por “Mamá”
MEJOR GUIÓN: Alex Schmidt por “Forgotten”
MEJORES EFECTOS ESPECIALES: “Iron Sky”

23ª SEMANA DE LOS REALIZADORES

PREMIO MEJOR PELÍCULA: “Pietá”
PREMIO ESPECIAL DEL JURADO: “White Tiger”
MEJOR DIRECTOR: Karen Shaknazarov por “White Tiger”
MEJOR GUIÓN: Boudewijn Koole y Jolein Laarman por “Kauwboy”
MEJOR ACTOR: Aleksey Vertkov por “White Tiger”
MEJOR ACTRIZ: Lee Jung-Jin por “Pietá”

ORIENT EXPRESS

MEJOR PELÍCULA: “The Grand Heist”
PREMIO ESPECIAL: “The Weight”

PREMIOS NO OFICIALES

PREMIO DE LA CRÍTICA: “The Seasoning House”
PREMIO DEL PÚBLICO: “Thale”


Crítica: El Exorcista 2: El Hereje

Enfrentarse a la secuela de la mejor película de terror de todos los tiempos no es una empresa fácil. Ni para los responsables de hacerla, ni para el espectador ansioso por degustar otra maravilla. En verdad no estoy de humor para volver a rebuscar en los problemas de producción, dirección y demás tinglados que sufrieron los responsables de esta película, ya que para problemas ya estoy servido. No es mi trabajo en culpar al guionista o a quien sea, de que la secuela no tuviera el beneplácito ni de la crítica, ni del público, que a mi juicio la juzgaron con demasiada antelación y se dejaron arrastrar por la sombra que dejo la primera parte y no fueron capaces de ver las maravillas que, por lo menos a mi, me a despertado esta película. También he de decir que este último visionado era el quinto o sexto y por tanto algo de frescura ha perdido. Pero intentaré expresar mis emociones solo contando las dos primeras veces, si me acuerdo claro.

martes, 9 de abril de 2013

Crítica: Los Últimos Días

“Los últimos días” (David y Alex Pastor, 2013) tiene una idea central muy interesante al igual que sus imágenes apocalípticas. Todo sucede en la actualidad, cuando se extiende por todo el planeta una misteriosa enfermedad que provoca una agorafobia extrema llamada Pánico. Un pánico irracional a salir al exterior que provoca la muerte de forma fulminante a quien lo intenta. Ni los vehículos son refugio. Sólo permanecer dentro de los edificios, las estaciones, el metro y sus túneles o las cloacas. La Barcelona de la película es una Barcelona invertida, donde las avenidas están desiertas y los interiores están abarrotados de supervivientes, donde los animales (del zoo de Barcelona y de la naturaleza) campan por las calles y los hombres intentan cazarlos como pueden (las palomas son fuente de alimento y hay muchas en la Ciudad Condal), donde los túneles de metro se han convertido en avenidas y las estaciones en campos de refugiados.

lunes, 8 de abril de 2013

Crítica: Posesión Infernal

Un grupo de cinco jóvenes, Ash (Bruce Campbell), Linda (Betsy Baker), Cheryl (Ellen Sandweiss), Shelly (Sarah York) y Scott (Hal Delrich), van a pasar el fin de semana a una cabaña perdida en un espeso bosque alejado del mundanal ruido en las montañas de Tennessee. Una vez instalados, y cuando se encuentran cenando, la trampilla que da acceso al sótano se abre de golpe. Extrañados, deciden bajar a investigar. Allí encuentran un magnetófono, un extraño cuchillo ritual y un libro antiquísimo.

Al conectar el magnetófono, la voz de un hombre que dice ser un científico, les descubre que el libro que tienen entre sus manos fue encontrado en las ruinas Cantarianas y es un tratado sobre las prácticas de enterramiento y los ritos fúnebres sumerios. El ejemplar es conocido como El Libro de los Muertos (Naturan Demanto) -en claro homenaje a H. P. Lovecraft-, un volumen encuadernado en piel humana y escrito con sangre cuyas páginas contienen fórmulas y rituales para devolver a la vida una serie de entidades malignas que se hallan en estado letárgico. La voz comienza a recitar unos conjuros y en el bosque algo vuelve a la vida. Uno a uno, todos los chicos irán cayendo bajo el influjo del poder de los demonios, convirtiéndose en los muertos malignos. Y la única forma de acabar con todos ellos es... descuartizarlos.

Cumplida su tercera década de vida, “Posesión Infernal” (“Evil Dead”, 1982), la ópera prima de Sam Raimi, es considerada en la actualidad una cult movie y un título clave del cine gore. Lo más destacable son sus valores formales y emocionales, conseguidos mediante la yuxtaposición del horror y el humor, de lo realista y lo absolutamente fantástico. Combinación del terror gore y el humor negro, que nunca cae en lo gratuito, reconocido como splatstick.

Film bisagra entre el sombrío American Gothic de los años setenta y la ligereza posmoderna de los años ochenta, “Evil Dead” fue un legendario gran éxito de presupuesto raquítico, siendo prácticamente de serie B, que supuso el descubrimiento cinematográfico de Sam Raimi, un joven veinteañero con talento y ganas (admirador de “El Resplandor”, “El exorcista”, Wes Craven, Tob Hooper o George A. Romero) que se hizo un lugar dentro del cine de terror, consiguió el premio Clavel Medalla de Plata a los mejores efectos especiales y el Premio Internacional de la crítica en el Festival de Cine Fantástico de Sitges de 1982 y se ganó la admiración en Cannes del mismísimo Stephen King, quien asistía al festival para presentar “Creepshow”, su colaboración con George A. Romero. “El film de terror más original de 1982”, aseguró el escritor en una entusiasta reseña de la revista Twilight Zone. Dado que King gozaba ya de una fama mayúscula en todo el mundo, sus palabras fueron el acicate necesario para que una distribuidora se hiciera por fin con los derechos del film y lo llevase a los cines. Y, por supuesto, la frase del escritor figuró en su cartel de forma muy prominente. No obstante, su mayor éxito lo obtuvo en los videoclubes y en la venta del video para el mercado doméstico.

A pesar de los años transcurridos, sus imágenes no han perdido fuerza ni impacto entre el público y han dado origen a uno de los mayores fenómenos fan en el mundo entero. La película cristaliza mitos y leyendas, y pone en escena nuestros miedos más profundos, reuniéndolos en una historia emblemática. De este modo, “Posesión Infernal” ha impresionado e inspirado a aquellos que se han acercado al género posteriormente.

Bart Pierce se encargó de los efectos ópticos quien, combinando sus conocimientos técnicos con su espíritu de improvisación, logró resultados asombrosos. Pierce fue uno de los primeros en utilizar las técnicas de animación imagen por imagen, reservadas hasta entonces a las películas infantiles. Fue a través de este procedimiento que pudo llevarse a cabo la secuencia final, donde asistimos a la descomposición de unos cadáveres vivientes. Dicha secuencia llevó tres meses completos de trabajo en estudio, y hoy se considera una de las más influyentes de la historia de los efectos especiales.

Pierce también integró los llamados matte shots, planos de trucaje que exigen un intenso trabajo de laboratorio. Con esta técnica se realizó la escena en la que una de las chicas es violentamente atacada por unos árboles del bosque.

Tom Sullivan es el responsable de todos los efectos de maquillaje del film. Durante el rodaje se utilizaron lentes de contacto para que los actores parecieran realmente posesos. También mucho maquillaje y látex que eran tóxicos y provocaron toda clase de urticaria a los actores.

Para el recuerdo nos queda la escopeta, la motosierra, la presencia del Oldsmobile Delta 88 del 73, el árbol violador, los momentos gore y, por supuesto, los travellings por el bosque del ente maligno, realizados atando la cámara, llamada cámara kamikaze, a un tablón con Raimi corriendo a toda prisa por el bosque o incluso subido a una bicicleta donde el espectador ve en primer plano la fuerza del bosque.

La película sirvió también para que naciera una leyenda: Bruce Campbell, con su álter ego en la pantalla bajo el nombre de Ash Williams. Campbell, a pesar de sus limitaciones como actor, construye un personaje lleno de carisma, un verdadero antiheroe que se convirtió en todo un icono en posteriores secuelas. “Posesión infernal” fue su primer trabajo como actor (casi) profesional. Y no sólo eso, sino que también aportó dinero a la película junto a Sam y Robert G. Tapert (acreditados los tres como productores ejecutivos) y ejerció de chico para todo en el rodaje. Actualmente, Campbell no sólo mantiene su amistad con el clan Raimi (no hay mas que buscar sus cameos en la saga “Spiderman”, por ejemplo), sino que defiende orgulloso su condición de actor de serie B, como atestigua su libro de memorias “If Chins Could Kill”. Desde entonces, Campbell protagonizó y produjo también todas las secuelas de la exitosa “Posesión Infernal”. Posteriormente, aparecería en el papel de Autolycus en dos famosas series de televisión: “Hércules: Los viajes legendarios” y “Xena: La princesa guerrera”. En ambas series tomó el rol de director en algunos capítulos. También ha aparecido en películas como “Colgado de Sara” (Reginald Hudlin, 2002), “The Majestic” (Frank Darabont, 2001), “Abierto hasta el Amanecer 2” (Scott Spiegel, 1999), “2013: Rescate en L.A.” (John Carpenter, 1996) o “Maniac Cop” (William Lustiq, 1988).

En el año 1978, Raimi y sus amigos de Birmingham (Michigan) grabaron un cortometraje amateur titulado “Within the Woods” (de 1.600 dólares de presupuesto) con el que satisfacen sus inquietudes cinematográficas consiguiendo crear muy mal rollo entre el público que acudió a su pase consiguiendo un mediano éxito económico. El corto también les servía para financiarse su próximo proyecto.

Tres años más tarde apareció “Evil Dead”, proyecto nacido de la mano y el dinero (ayudaron principalmente amigos y familiares) de Sam, su hermano Ted Raimi y sus colegas Robert G. Tapert y Bruce Campbell y conocida en nuestro país como “Posesión Infernal”, que fue la primera parte de una trilogía. Influenciada por la obra de H. P. Lovecraft, el primer título barajado fue “Necronomicón”, cambiando a “El libro de los muertos” y finalmente, por eso de llevar la palabra “libro” (inapropiada para atraer adolescentes), se cambió por el definitivo título “Evil Dead”.

Como en toda película de bajo presupuesto, Raimi y Campbell echarían mano de conocidos y amigos para componer el equipo técnico de “Posesión Infernal”. Muchos de ellos, ya habían trabajado en “Within the Woods” (Sam Raimi, 1978), como el supervisor de efectos de maquillaje Tom Sullivan.

Con su película (titulada aún “Book of the Dead”) calentita entre las manos, Raimi quería estrenarla por todo lo alto. Y Bruce Campbell tenía muy claro dónde debía hacerlo: en el cine Redford de Detroit, el local donde vio sus primeras películas de terror siendo niño. El director y el actor trabajaron a fondo en el evento, tendiendo una alfombra roja, imprimiendo sus propios tickets y, según dicen, alquilando varias ambulancias para que montasen guardia fuera de la sala, por si algún espectador sufría un infarto durante la premiere. Tanto teatro dio sus frutos, en la forma de 1.000 entradas vendidas (el cine Redford tiene, actualmente, 1.500 localidades) y en un naciente interés de la industria por aquella película hecha con poco dinero y que tanto miedo daba.

La segunda entrega sería una adaptación mejorada de “Evil Dead” titulada en España “Terroríficamente muertos” y la tercera se llamaría “El Ejército de las Tinieblas”. Éstas perduran por encima de los posteriores trabajos de su director.

CURIOSIDADES:

Como dato curioso a mencionar, en la cabaña de “Posesión infernal” figuran los restos de un cartel de “Las colinas tienen ojos”, el clásico de Wes Craven.

Por otra parte, tras sufrir un rodaje tan accidentado, Sam Raimi y sus amigos decidieron dejar un testimonio perdurable del mismo. El método elegido fue una cápsula del tiempo, un recipiente sellado (en realidad, una caja de puros cerrada con cinta aislante) en el que fueron depositados la bombilla de un foco, un pedazo de una de las ramas del árbol violador y un texto que explica el auténtico significado de la película. Desde entonces, muchos fans han tratado de desenterrar el misterioso contenedor, pero lo único que han conseguido ha sido llenar de socavones el predio donde se hallaba el edificio, o eso dicen.

LA ESCENA: La escena en la que la pobre Cheryl (Ellen Sandweiss) sufre el ataque sexual de un vegetal poseído es una de las más terroríficas del filme y de las más trabajosas. Sin embargo, en el guión original aparece descrita con una sola línea: "Los árboles atacan a Cheryl". Raimi le dio su forma definitiva durante el rodaje, algo que, si bien dotó al film con un momento cumbre, le acarreó muchos sinsabores: se trata de la escena de la película censurada en más países, considerada aún hoy de ser denigrante para las mujeres. Consciente de ello, Raimi afirmó arrepentirse de haberla rodado por ser demasiado brutal, pero en el reboot de 2013 aparece.