Crítica: Ms .45

NELLIE VANCE NOS HABLA SOBRE OTRO DE LOS GRANDES TÍTULOS DE LA FILMOGRAFÍA DE ABEL FERRARA

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Si alguna conclusión podemos extraer de la variopinta filmografía de Abel Ferrara, es que el director no parece tenerle miedo a nada. Desde ese exploit tan gamberro que fue “The driller killer” (1979) hasta la sofisticación de “The Addiction” (1995), pasando por dirigir capítulos de “Miami Vice” o ficcionalizar el último día de Pasolini, Ferrara se ha ganado a pulso su estatus de auteur por su valentía a la hora de explorar y fusionar los géneros cinematográficos. Esta intrepidez es una de las cualidades que caracterizan la película que nos concierne hoy, y una de mis favoritas del director, “Ángel de venganza” (1981).

Crítica: La Novicia Musulmana

El mundo de las monjas siempre ha resultado fascinante. Dicho así, parece incluso algo pretencioso, pero la realidad es que generó (y sigue generando) excelentes productos narrativos. O quizás sea mejor aludir a que la corrupción de estas y su relación con lo prohibido es un excelente ejemplo de la dualidad humana. En el mundo del cine podemos hablar de dos ejemplos paradigmáticos y alejados en el tiempo: “Haxan” (Christensen, 1922) es una de las joyas atemporales más interesantes de la década de los 20. Esta especie de mockumentary ilustraba de una forma inolvidable el mundo de la brujería, y tenía una escena en su último acto que sigue produciendo escalofríos a día de hoy. Un grupo de monjas entraban ataviadas en un sagrario dominado por el Demonio. Este corrompía al grupo devotas, que entraban en una suerte de éxtasis cuyos rostros siguen generando escalofríos en la actualidad. Del otro lado, “The Nun” (Hardy, 2018), una pieza más del Universo Warren, nos ofrecía de una forma bastante olvidable la vivencia de un monasterio dominado por el Mal. Una y otra compartían un excelente uso del apartado técnico y una ambientación notable, pero mientras la primera es un ejemplo de expresionismo sin igual, la otra se quedará en una más que anecdótica precuela con actuaciones mediocres y un guion insalvable.

Crítica: Sin City 2: A Dame to Kill For

En la vida, hay cosas que son sinónimo de satisfacción y certero preludio de infinitos placeres. Esos labios rojos de terror a los que es imposible resistirse para luego derretirse con su sabor, ese grito desgarrador del metal god que te atraviesa cual lanza justiciera para matarte y hacerte renacer en cero coma, esa bandeja de maki variado que te transporta al mismísimo japón feudal (y que en ocasiones tienes que disputarte con los dulces labios rojos), esa sintonía tan característica al iniciar tu ps4, justo antes de partir hacia Thedas e incluso el sonido del despertador cuando abres tus agonizantes ojos para quererte morir y caes en la cuenta de que es domingo y no tienes que ir a trabajar. Momentos mágicos y maravillosos presagios de una inminente felicidad. Hay otro momento y este, hay que agradecérselo a mi tejano favorito y es que ver aparecer el logo de Troublemaker Studios antes de visionar una película, es casi con toda seguridad, el inicio de un maravilloso viaje.

Crítica: Revenge

Litros de sangre han llovido desde que la época dorada del nouvelle horreur vague marcase a toda una generación de realizadores y de público. Ya hemos hablado largo y tendido de la grandeza de aquella época y de como, entre otras muchas cosas, colocó a la mujer en un lugar, dentro del género, que se había ganado a pulso con el paso de los años, pasando de eterna sufridora necesaria, a absoluta protagonista. Hoy, donde aquellos cineastas de primera generación parece que han perdido (salvo excepciones) gran parte de la pegada de entonces, no deja de ser poéticamente hermoso que sea de nuevo la mujer, quien tenga que venir a poner orden y de paso, hacer resurgir una vez más, un cine de terror Francés fuertemente estancado y que hasta hace poco, apenas subsistía gracias a las rentas del pasado.

Crítica: Julia

Soy mujer. Soy mujer de repeticiones. Soy una mujer visceral. Soy una mujer imperfecta. Soy una mujer impulsiva que se recrea una y otra vez en sus imperfecciones. Me gusta el cine de terror y entiendo mi minoría. A menudo, intento salir de esta piel de mujer tan puñetera a veces, para pasar por alto el componente machista que sigue estando tan marcado en determinados subgéneros fantásticos. Conozco las reglas del juego, entiendo que la pechuga tiene su importancia en el slasher, por ejemplo, de hecho es casi regla de oro. Asumo también que el desnudo masculino en este subgénero debe estar considerado como algo muy poco estético por parte de los directores, porque rara vez se puede apreciar.

Crítica: Scherzo Diabólico

Tranquilos, que el nombre de Pablo Guisa como productor ejecutivo de ‘Scherzo Diabolico’ no os traiga a la memoria el de Mike Hostench y las nefastas ’11-11-11’ de Darren Lynn Bousman o ‘Asmodexia’ de Marc Carreté. Hemos de ser sinceros, la última cinta de Adrián García Bogliano no es una maravilla, no es una película que no hayamos visto antes con mucho mas ritmo y fuerza, pero ‘Scherzo Diabólico’ acaba resultando una cinta mucho más simpática y entretenida que las películas de Carreté y Bousman. Lastima que para poder acabar disfrutando de esta cinta el espectador tenga que superar unos primeros cuarenta y cinco minutos excesivamente lentos y por momentos aburridos donde parece que la historia no va a aportar absolutamente nada, lo que puede acabar derivando en que mas de uno acabe desconcertando de esta película.

Crítica: R100

Si hay dos directores verdaderamente interesantes por completo en el panorama cinematográfico japonés, son mi adorado Sion Sono, valiente, arriesgado, barroco, retorcido y absolutamente brillante y distinto en todo lo que hace y Hitoshi Matsumoto, que imprime a su cine un carácter personal también y un carácter personal único diferenciable y distintivo.

Crítica: I Spit On Your Grave: Vengeance Is Mine

¿Os imagináis que toda vuestra percepción sobre algo cambia en un segundo? ¿Habéis vivido esa sensación de creeros en posesión de la verdad absoluta, pensando que estáis por encima, y saberos ignorantes en el último momento? Es impresionante cómo un detalle puede hacer que todo cambie, que todo aquello que dabas por sentado se tambalee y se caiga, y que al caer, se rompa en mil pedazos, y más impresionante aún, que cuando lo recompones, sea mucho más bonito que antes de caerse. Ese es un giro de la vida, un argumento vital y personal, que te enseña lo tontos y presuntuosos que podemos ser a veces.

Crítica: Wolfcop

Crecí en los años ochenta, crecí cuando la carrera de Michael J. Fox estaba en uno de sus mejores momentos (Que duró mas o menos de mediados de los ochenta a principios de los noventa) y cuando en 1985 rodó dos de sus cintas mas conocidas, una de ellas la mítica “Regreso al Futuro” la otra “Teen Wolf. De pelo en pecho” (Aunque en España la primera se estrenó a finales del 85 y la segunda ya entrados en 1986).

Crítica: The Torture Club

Kôta Yoshida tiene el mérito de haber rodado una de las pelis más raras y locas que he visto en mucho tiempo. No me refiero a esta decepcionante “The torture club”, sino a su anterior felonía, la bizarra “Yuriko's Aroma”, cinta en la que una masajista en la treintena se enamoraba de un joven quinceañero y se obsesiona por su olor corporal. Rozando la pedofilia, con escenas más que subidas de tono, masturbaciones y fetichismo por el olor a sobaca mora, la cinta no dejaba de ser algo realmente inaudito en la filmografía japonesa (bastante enfermiza de por sí).

Crítica: Gun Woman

El Pinku Eiga(Violencia Rosa en castellano) es un subgénero cinematográfico de acción japonés surgido a finales de los años '60 y que tuvo su mayor fuerza en los años '70. Está delimitado por una serie de normas y características fundamentales, entre las que las más importantes son: siempre están protagonizadas por mujeres jóvenes y hermosas, las tramas están relacionadas con venganza, guerrillas o bandas callejeras, se muestran asesinatos y/o cualquier otro tema en el que se recurra a la violencia. Dentro de este género destacan films como Blossoming Night Dreams o Stray cat Rock , entre otras muchas, y una de las musas mas representantes en este movimiento es Reiko Oshida, protagonista del clásico de culto Okatsu The Fugitive. 

De entre todos los directores que se volcaron con el Pinku, destacan talentos inigualables como los de Kôji Wakamatsu, Norifumi Suzuki, o Takashi Ishii, que lleva la «exploitation» a límites más extremos. 

Wakamatsu, recientemente fallecido, llegó a dirigir más de 100 películas, produjo algún que otro título polémico como “El imperio de los sentidos” y dedicó toda una carrera dedicada a un género como el «pinku eiga», reflejo de una generación de cineastas nipones de los que él ha llegado a ser considerado el más importante en algunos círculos e, incluso, uno de los principales cineastas de la década de los 60 en Japón, con títulos como The Embryo Hunts in Secret, Violated Angels o Go, Go Second Time Virgin, que definió uno de esos géneros marginales que nunca está de menos reivindicar por un carácter subversivo que todavía no ha perdido su efervescencia hoy en día, por décadas que pasen. Su último estreno fue en Sitges, Caterpillar, trabajo incluso nominado al Oso de Oro de Berlín. 

Concluida esta chapa que os meto, vamos a analizar la peli en cuestión, “Gun Woman”, del muy interesante director y guionista Kurando Mitsutake, claro admirador devoto de mi adorado Wakamatsu. 

La trama de la cinta es tan rebuscada como suelen serlo en el subgénero: La película comienza con dos sicarios en un viaje por carretera a Las Vegas discutiendo sobre un violador japonés monstruoso sádico y asesino al que llaman "hijo de Hamazaki", por ser hijo de un político japonés millonario. La historia gira en torno a él en un primer momento. Es un tipo bajo, flaco y pálido como un cadáver con ojeras y mirada de perturbado mientras despliega su violencia impune. Cuando Hamazaki muere, el hijo recibe un montón de dinero de la herencia con la condición de salir de Japón y no volver jamás. Entonces, tras una serie de violaciones y asesinatos en diferentes países, se establece en Los Angeles.

Él psicópata culpa a un médico por la muerte de su padre, porque no pudo salvarle la vida, y el hijo de Hamazaki encuentra a este médico y su esposa, a la que viola despiadadamente y la asesina después, ante la mirada paralizada del doctor, nuestro verdadero protagonista. 

El médico entonces, con un sentimiento de venganza extremo compra a una mujer drogadicta, la sana y entrena para convertirla en el arma perfecta, incluso implantándole armas en su propio cuerpo, con las que matará a su objetivo, el despiadado asesino multimillonario, aunque tenga que morir desangrada al arrancar las distintas partes del arma. 

Este rebuscadísimo plan es la única oportunidad que le queda a nuestro protagonista para lograr su venganza que se desarrollará en una instalación subterránea, alejada de la verdadera trinchera donde vive el sádico rodeado de sus guardaespaldas no están alrededor, donde el despiadado asesino con el que quiere acabar va a satisfacer sus fetiches sexuales. 

Independientemente de si se es fan o no del género, lo que os puedo asegurar es que la película es absolutamente entretenida, no da lugar a dudas absurdas ni tiempo para aburrirse, si bien no llega al nivel de excelencia de Pinkus clásicos, que mezcla con un aire de explotation y gamberrismo muy propios del director. 

Con una buscada estética cutrona, rozando la de la producción de serie B, pronto se rebela como una producción cuidada, estética, con una banda sonora excelente, de Dean Harada y una fotografía obra de Toshiyuki Imai, en la que cada encuadre está destinado a permanecer por mucho tiempo en nuestras retinas, y el buscado ambiente, gracias a las técnicas de filmación que hacen que la película parezca más antigua de lo que es, creando un esteticismo único. En cuanto a los actores, hay que decir que la mayoria están increíbles (especialmente Mayumi, Asami (en su mejor interpretación), Kairi Narita y Noriaki Kamata) como partes de un montaje nostálgico que en mi opinión es lo mejor de la cinta. 

La película tiene momentos absolutamente impresionantes, con una gran cantidad de sangre: gore puro hecho sangre oscura y pegajosa, en un claro homenaje al Hardgore de los 80, en el mejor sentido. Aunque en mi opinión la violencia es demasiado basta y se olvida pronto. 

En el fondo estoy un poco sorprendido y hasta molesto por el montón de malas críticas que está recibiendo la cinta en nuestro continente. No creo que sea absolutamente necesario ser fan del cine gore japonés para disfrutar de esta excelente película. Es cierto, es una peli violenta, con mucha sangre derramada, inquietante, fea a ratos y sin embargo, es también una historia profunda, hermosa y cautivadora sobre la venganza, pero también y sobre todo acerca de la humanidad, la compasión, y la unión. 

El eje central de la historia es cómo dos seres humanos pueden ser obligados llevados por el odio, el dolor y el vacío y se alimentan de su relación mutua con la violencia y la sangre, demostrando que el amor no es el único sentimiento que es capaz de unir por siempre a la gente; los sentimientos oscuros, cuanto más oscuros aún más, también pueden conducir a una relación eterna, que es más astuta, más, interesante y fuerte. 

La película está llena de giros en la trama rebuscada, pero es fácil de seguir sin perderse. La acción es poco menos que impresionante y pese a que la cinta tiene un par de agujeros en la trama y alguna que otra actuación más débil, en mi modesta opinión es una grandísima película en general, un homenaje en toda regla y una resurrección de un género más que meritoria. 

Mitsutake se emplea a saco para regalarnos un Pinku en toda regla. Si en su anterior peli “Samurai Avenger: The Blind Wolf” nos entregaba un western samurái bizarro y desquiciado, su Gun Woman se basa en un guión tan rebuscado como efectivo, llegando a momentos en los que uno llega a creer que está ante una de esas pelis de los 80 que veíamos a escondidas en mi generación, y muy superior a filmes mucho menos atrevidos como Machine Girl, Tokyo Gore Police, Versus, Robo Geisha, Vampire Girl vs Frankenstein Girl, Mutant Girls Squad, Helldriver, Gothic &Lolita Psycho, Battlefield Baseball, y demás intentos de hacer un Pinku decente y se quedaban entre el gore, el slasher, el splatter y la comedia. 

En definitiva, es una película valiente, si bien no destaca por un alto presupuesto. Puede que no todo el mundo disfrute de sus retorcidos giros de diálogo, estilo y trama al más puro estilo Quentin Tarantino, devoto admirador del género. Hay en Gun Woman mucha más sangre y asesinatos sin sentido que en cualquier superproducción de Hollywood, y además es todo muy, muy gráfico. En gran parte del film, Asami está casi desnuda o tiene sus turgentes, pequeños y delicados pechos japoneses al aire, si bien la cinta no tiene nada de erótica, y está cubierta de tierra, sudor, barro o sangre. 

Como toda buena película necesita un buen malo, y aquí encontramos uno de los villanos más despreciables que jamás hayamos visto. Y el personaje de Asami parece calcado de Nikita, en otro homenaje a Luc Besson. 

Y para acabar de redondear sus virtudes está el final, que algunos han comparado con los de las primeras películas de M. Night Shyamalan. Es un final/venganza absolutamente sorprendente, diferente y gratificante. No se le puede pedir más. 

La cinta ganó recientemente el premio especial del jurado, como su director, Kurando Mitsutake, en el Yubari International Fantastic Film Festival 2014. 

Lo mejor: Su ambientación, y Asami, musa del genero splatter y que en Gun Woman nos hace amarla entre patadas y disparos, todo esto ligerita de ropa, para más señas. 

Lo peor: Por su estética “feísta” del principio puede desconcertar.

Yo, la recomiendo absolutamente, en especial a nostálgicos de un cine que alejado de motivaciones políticas y sexistas revolucionó el panorama cinematográfico de toda una época.

Artículo: 50 Mujeres en el Espacio: Las astroheroinas más buenorras del cine. Parte I

El 20 de julio de 1969 el Hombre (en los piés de Armstrong y Aldrin) llegó a la Luna desde el módulo “Águila” en la misión del Apollo XI. O si llevan razón los conspiranóicos, al menos eso es lo que nos hizo ver la tele americana. La tele. Décadas atrás el hombre no sólo había colonizado en ella la Luna, sino todo nuestro Sistema Solar y otros cuantos, en películas baratas, entretenidas, en un radiante blanco y negro primero y un chillón color anaranjado después, con un aprovechamiento de sus escuálidos recursos a todas luces fabuloso. 

El hombre, el macho terrestre, el género masculino de nuestra especie viajó allende los planetas, ¿pero qué fué de las mujeres de esa época?. Normalmente, y como reflejo de la sociedad que filmaba, tenía únicamente dos opciones: a) ser la esposa aguardante, emotiva y fiel del astronauta de turno, o b) era la tía buena casquivana y galáctica, muchísimo más entretenidas que las primeras e incluso que sus propios maridos. 

Valga pues, esta recopilación de mis 50 mujeronas galácticas, terrestres y extraterrestres preferidas, como un recuerdo a una época en la que los que se atrevieron a hacer esas películas no eran conscientes de lo imposible de sus expectativas. 

Y sí, para no pecar en ningún momento de sexista, lo próximo por venir serán mis 50 maromos de las galaxias... 

Cohete K-1 (EE.UU. 1950 Kurt Newmann): El Cohete K-1 despega en su primera misión a la Luna, llevando a bordo al Dr. Karl Eckstrom, a la bella matemática Lisa Van Horn, al coronel Floyd Graham, al navegador Harry Chamberlin y al ingeniero de vuelo Bill Corrigan. Durante el vuelo una lluvia de meteoritos los desvía de su trayectoria y la tripulación pierde el conocimiento. Al despertar se encuentran vagando por el espacio sin saber cuánto tiempo han estado inconscientes. Su nave, en lugar de dirigirse hacia la Luna, se está aproximando a Marte. Quizá estas prisas por llegar la primera a las salas de estreno, antes que “Con destino a la Luna”, de Georges Pal, y sin mujeres en su tripulación, expliquen la retahíla de incongruencias y la falta de rigor científico que lastran el film de principio a fin, una pena porque algunas escenas llegan a ser interesantes, y no tiene precio como testimonio del nacimiento de un género que tantísimas joyas iba a engendrar y que en esta página sigue haciendo nuestras delicias... 

Nuestra primera heroína espacial es Osa Massen, quien pretendía ser fotógrafo hasta que la prolífica directora de cine danés Alice O'Fredericks le dio un papel en su película Kidnapped ( 1935). Después de sólo dos películas en Dinamarca , se le dio una prueba de pantalla en los USA por la 20th Century Fox y llegó a Hollywood en 1936. Era una época en la que los grandes estudios, animados por el éxito y el estatus casi mitológico que Greta Garbo estaba logrando en Hollywood, clamaban por encontrar bellezas extranjeras distantes, frías y diferentes y convertirlas en estrellas de la pantalla americana. Osa fue una de las primeras, luego llegaron otras como Anna Sten , Signe Hasso , Sigrid Gurie , Gwili Andre y, por supuesto, Ingrid Bergman. Con Cohete K- 1, absoluto pionero en el thriller de ciencia ficción ultraplanetaria hizo una de sus últimas intervenciones en pantalla grande, como tripulante del cohete destinado a la Luna, pasando a continuación al nuevo medio, la TV, en series como Caravana (1957) y Perry Mason ( 1957 ). Tan misterioso como las mujeres fatales que interpretó , la encantadora Osa hizo una salida Garbo desapareciendo de la escena pública y dedicándose a una vida (bastante movidita) privada lejos de los medios. En esta peli, hace de matemática preciosa, sexy y puritana, como una de las primeras tripulantes de una misión espacial. 

Flight to Mars (EE.UU. 1951 Lesley Selander): Aprovechándose del tirón que tuvo “Con destino a la Luna”” el año anterior, Selander, experto en westerns de serie Z rueda en el 51 una peli regulera que podría servir perfectamente de ejemplo del cine que se hacía y del papel de la mujer en él. Una partida de norteamericanos -la escena se inicia en el Pentágono- prepara un viaje a Marte. Salvo un escritor, los demás son científicos, entre ellos una mujer. Previsiblemente, atraviesan algunos peligros en el espacio estelar, como un reguero de meteoritos que, explica uno de los tripulantes de la nave, se desintegran antes de llegar a la Tierra. Después se produce el marcianizaje que, curiosamente, está bajo un período nevoso. Los marcianos les dan la bienvenida, destacando una escultural Marguerite Chapman, como la marciana amorosa Pero no corresponde abundar en detalles. En cuanto al film, un ritmo más o menos tolerable, no es un bodrio aunque tampoco una locura, se puede ver. Ayudan la escenografía, ligeramente imperfecta aunque bastante atrayente, como los trajes marcianos y la nave espacial, de color plateado y bien construida. Como sucede en otros films de aquél tiempo, mujeres con vestidos ajustados con hiperminifalda, tacos altos y peinados del año cincuenta. 

Por otra parte, el argumento es simple, no muy complejo, sin complicaciones de historias laterales. Es una película para ver con cierto tono evocativo, por la símpatía que puede tener un film de ciencia ficción con elementos de otra época que quieren pasar por modernosos por su diseño, hoy ampliamente superados. Yo creo que ése es el mayor interés que puede despertar. Nacida en Chatham , Nueva York, nuestra actriz Marguerite Chapman trabajaba como operadora de centralita telefónica en White Plains, cuando su apabullante belleza fue descubierta y le granjeó la oportunidad de seguir una carrera como modelo hasta que firmó para la prestigiosa agencia de modelos John Robert Powers Agency, que la puso en contacto con la 20th Century Fox en Hollywood. Películas como “La tentación vive arriba” o “La promesa verde” le dieron de comer como secundaria y la convirtieron en un personaje conocido y querido por el público, con la que se contó para participar en innumerables colaboraciones televisivas. Como anécdota, Chapman fue seleccionada inicialmente para desempeñar el papel de "Rose anciana" por James Cameron para su épica Titanic pero la mala salud le impidió aceptar la oferta. Aún así, nuestra Chapman tiene, por su contribución a la industria cinematográfica, su propia estrella en el Hollywood Walk of Fame en el 6290 de Hollywood Boulevard. 

Abbott y Costello van a Marte (EE.UU. 1953 Charles Lamont): Los peculiares y celebérrimos por aquel entonces personajes de Lester y Orville lanzan en esta producción de Universal International Pictures un cohete de forma accidental destinado a Marte pero, en vez de parar allí, llegan a Nueva Orleans en pleno carnaval del Mardi Gras. Después de la confusión son obligados por el malvado ladrón de bancos Mugsy y su compañero Harry, los contrahéroes, a viajar a Venus, donde encuentran una civilización entera de mujeres, bellas amazonas que no han visto un hombre en cuatro siglos pues fueron desterrados. La peli tuvo bastante éxito y el tándem volvió a repetir hasta cansar. Entre las amazonas destacaba una mujer pequeña y atractiva, Mari Blanchard, actriz poco afortunada, hija de un magnate del petróleo y una psicoterapeuta , que sufrió de poliomielitis severa desde los nueve años, por lo que se le truncó la carrera de baile que pretendía seguir. Durante varios años trabajó duro para rehabilitar sus miembros con deporte y natación e incluso llegó a realizar ejercicios en el trapecio en el circo de los hermanos Cole. Se graduó en Derecho pero en contra de sus padres, se incorporó a la Agencia Conover como modelo de publicidad y , al mismo tiempo, fue promovida por el famoso caricaturista y escritor de Al Capp , convirtiéndose en la inspiración para uno de sus personajes " L'il Abner ". 

Fue descubierta por la Paramount y firmó un contrato, aunque casi siempre acabó haciendo pequeños secundarios sin miga hasta que (junto a Victor Mature) hizo de protagonista en The Veils of Bagdad ( 1953). Después de eso, todo fue cuesta abajo de nuevo. Burt Lancaster, co -productor y estrella con Gary Cooper, de la excelente Veracruz ( 1954 ), había pedido a Mari como su protagonista , pero la Universal negó la libertad de contrato para United Artists y le prohibió a aceptar el papel lucrativo que tantísimo había esperado y deseado y que al final hizo Denise Darcel . En nuestra peli hace de líder-reina bellísima de las venusianas y es con diferencia lo mejor de la cinta, con sus voluptuosas formas y un escote de órdago. Años después, Mari Blanchard enfermó de cáncer y murió en 1970 a la temprana edad de 47 años. 

Cat Women of the Moon (EE.UU. 1953 Arthur Hilton): Una expedición espacial al mando del Comandante Laird Grainger, aterriza sobre la cara oculta de la Luna. La navegante Helen Salinger, interpretada por Marie Windsor, guía la expedición hacia una cueva en la que descubren un mundo habitado por mujeres gato que han eliminado a los hombres de su especie. Las mujeres gato revelan que atrajeron a Helen telepáticamente hacia ellas. Planean robar la nave para regresar a la Tierra y liberar a las mujeres terrícolas del poder masculino. Para ello, deben seducir a los hombres para que estos les enseñen a pilotar la nave. 

La peli empieza en el interior de una nave rumbo a la Luna, en la que vemos a cuatro astronautas y una mujer en un habitáculo espacial de cartón piedra donde experimentan los efectos de la gravedad. Inmediatamente recuperan la normal lucidez mental y movilidad y tras una descacharrante conversación con el centro de mando terrestre propia de La Hora Chanante y su Retrospecter aterrizan en una zona determinada de la luna señalada por la científica y se dirigen a una misteriosa gruta donde logran encontrar O2 y una civilización exclusivamente de mujeres-nos va sonando el tema, eh?- que han usado su telepatía para, desde la luna, atraer a Helen y su tripulación para hacerse con su nave, pirarse todas a la Tierra y dominarla apoderánose de la mente de las terrícolas. 

Serie B pura y dura, corta, divertida a rabiar y fricaza, se rodó para ser exhibida en 3D. En esta cinta efectivamente tenemos una guapísima actriz en un papel menos peleón que los anteriores pero igualmente entrañable, el de Marie Windsor, de verdadero nombre Emily Marie Bertelson, y nació en Marysvale (Utah). Altísima y Miss Utah, estudió teatro bajo las órdenes de Maria Ouspenskaya, y tras varios años trabajando como operadora telefónica, actriz teatral y radiofónica, además de extra en el cine, empezó a actuar en largometrajes en 1947. 

Su primer papel destacado llegó junto a John Garfield en Force of Evil, interpretando a la seductora Edna Tucker. Windsor también tuvo actuaciones de importancia en filmes de cine negro tales como The Sniper, The Narrow Margin, City That Never Sleeps y The Killing, de Stanley Kubrick, en el papel de la intrigante esposa de Elisha Cook Jr.. 

Posteriormente trabajó en la televisión y tras retirarse de la interpretación, se dedicó a la pintura y a la escultura. 

A destacar en la peli, junto a la bellísima Windsor, los descuidados y simpáticos efectos especiales de la época, los dialogos imposibles usando palabros pseudocientíficos, el rollo seductor guarruno de las selenitas y un trío que puede entreverse con Helen y dos miembros de la tripulación. Tela marinera... 

Project: Moonbase (EE.UU 1953 Richard Talmadge): Estamos en el futuro, el año 1970. Los Estados Unidos están construyendo bases en la Luna, y envían para supervisar las tareas a una coronel y dos oficiales. Pero uno de ellos resulta ser un agente de una potencia enemiga, y la operación entera, así como el destino del mundo libre, corren grave riesgo. La coronel Briteis está interpretada por Donna Martell, actriz estadounidense de cine y televisión que comenzó su carrera en el cine en 1947 cuando fue elegida para el western Apache Rose, protagonizada por Roy Rogers y Dale Evans. Continuó haciendo apariciones en toda la década de 1940 gracias a la firma de un contrato con los estudios Universal. En la década de 1950, la carrera de Martell se desplazó hacia los programas, series y películas de televisión hasta que su carrera terminó oficialmente en 1963, pero hizo una breve reaparición en 1983 en la TV movie “Grace Kelly”. Donna Martell sirvió sin duda como inspiración para personajes fuertes femeninos en roles espaciales futuros. Como anécdota, también trabajó con Abbott y Costello ( en A. y C. contra el asesino, de 1949).

This island Earth (EE.UU 1955 J.M.Newmann): También conocida como “Regreso a la Tierra”, es hoy una película de culto que no paso por España. El doctor Meachan (Rex Reason) y otros científicos, como la Doctora Ruth Adams, la hermosa Faith Domergue, son invitados por los habitantes del planeta Metaluna (je,je,je) para que les ayuden a encontrar uranio, un mineral imprescindible para la supervivencia de su planeta. Pero los doctores descubren que el propósito de sus anfitriones no es otro que invadir la Tierra. Sólo Exeter (Jeff Morrow), un científico de Metaluna, parece estar en contra de la invasión que representa en gran parte el terror al desarrollo nuclear y al tema de la lucha espacial de otras potencias en los 50.

La peli es bastante regulera, con un claro y por momentos pesado, mensaje antibelicista, en la que está bastante conseguida la atmósfera espacial en sus escasos escenarios que rozan lo infantil a base de imaginativos y sorprendentes efectos visuales. 

Nuestra heroína es la sensual, curvilínea y morenaza Faith Domergue, que nació en Nueva Orleans, con sangre criolla , pero principalmente de origen irlandés . Fue adoptada cuando tenía seis semanas de edad. Tuvo su primer flirteo con la profesión de actriz cuando aún estaba en la escuela, en el escenario del Teatro Hayden Bienaventuranza. Justo después de su graduación sufrió una lesión que la desfiguró en un accidente de coche y pasó 18 meses sometiéndose a una cirugía plástica intensiva. En 1941 fue redescubierta por un cazatalentos de Warner Brothers, y firmó un contrato simplificando para Hollywood su nombre como “Faith Dorn ". Protagonizó un gran escándalo cuando participó en una fiesta de estudio en la que se mezclaban los ingenuos menores de edad junto a los hombres ricos o influyentes a bordo de la Cruz del Sur, un yate propiedad del multimillonario Howard Hughes. Hughes,21 años mayor que ella, se encoñó rápidamente de la adolescente y compró su contrato de Warner Brothers por $ 50.000 y la contrató para el estudio de su propiedad , RKO Pictures. Su relación continuó hasta 1943, hundida por varias indiscreciones de Hughes con estrellas como Lana Turner , Ava Gardner y Rita Hayworth. Despechada, recuperó su apellido y trabajó en infinidad de películas y después en la tele. Como anécdota destaquemos que después de hacer varias películas en Italia (y casarse por tercera vez , con el director asistente y productor teatral Paolo Cossa en 1966 ) ), retomó el género de terror en “La casa de los Siete Cadáveres” de 1974 , en la que hace de estrella de películas de terror que despierta a los fallecidos después de leer el libro Tibetano de los Muertos. Toma ya!!!. Fanática del fantástico y el terror fue en este género en el que siempre brilló. 

La invasión de los ladrones de cuerpos (EE.UU. 1956 Don Siegel): Ningún género reflejó mejor las tensiones sociales, la paranoia, el miedo y la histeria contenida, de los años cincuenta, fundamentalmente en los USA, que la ciencia ficción. En esta década se consolidan las bases del género, dando al director y creador la posibilidad sin embargo de que bajo esa apariencia de ficción, puedan ocultarse mensajes subliminares dirigidos a una sociedad manipulada por los Poderes del Estado.En esta peli, unos extraterrestres se apoderan de los cuerpos y las mentes de los habitantes de una pequeña población convirtiéndolos en seres obedientes y pasivos. Este planteamiento pronto deriva al thriller de la mano de un fabuloso Siegel, que se basa en un relato de J. Finney guionizado por D. Mainwaring, quien fue despedido de la RKO por sus simpatías políticas en plena “Caza de brujas”. 

La película roza lo perfecto, con una capacidad de avanzar a base de pequeños detalles que muestran el espíritu de una comunidad cerrada rural americana de la época. Siegel muestra primero lo convencional, lo “normal” para introducir el terror en el seno mismo de la familia, el núcleo de cualquier comunidad. Ese terror es velado, sutil y nada estrambótico, y ahí radica precisamente gran parte de lo inmenso de la película. Se nos muestra cómo ninguno estamos a salvo, cualquiera de nosostros, en nuestras familias, en nuestros pueblos está expuesto al mismo, un terror silente y discreto que se adueña de lo más íntimo de una persona y de su propio cuerpo externo. 

El productor de la cinta, W. Wanger, se empeñó en introducir un prólogo y un epílogo que pecan quizás de pacatos, pero que no logran ensombrecer la inmensa y talentosa manera de trabajar del director, que con pocos medios consiguió uno de los mejores thrillers de la historia, con una tensión permanente y un final espeluznante. 

La Novela de Jack Finney ha dado mucho juego al séptimo arte, por eso 22 años después del film de Siegel, Philip Kaufman hizo un brillante remake "La invasión de los ultracuerpos". En el 93, Abel Ferrara realizó otro remake, un poco peor, "Secuestradores de cuerpos", y en 2007 se ha hecho el tecer remake "Invasión", con una Nicole Kidman no para todos los gustos. 

A pesar de todo, me quedo con el clásico, con su capacidad de seducir, enganchar, intrigar y aterrorizar. 

En nuestra peli tenemos una heroína, Dana Wynter, que interpreta a Elizabeth Driscoll, que trabaja para el Departamento de Salud de San Francisco con el protagonista de la película, Matthew Bennell. Comparten una relación platónica y nunca se revela si estuvieron anteriormente implicados emocionalmente más allá. Elizabeth tiene un novio, Jeffrey, una de las primeras personas en ser absorbido por las vainas. Dana, hija de un cirujano nació en Berlín y creció en Inglaterra. Cuando tenía 16 años su padre fue a Marruecos, donde acabaron viviendo. Wynter, más tarde se matriculó como estudiante de pre-medicina en la Universidad de Rodas ( la única chica en una clase de 150 niños) y también hizo sus pinitos en teatro. Después de un año de estudios regresó a Inglaterra y abandonó sus estudios de medicina para labrarse una carrera como actriz. Empezó en una obra de teatro en Hammersmith , cuando un agente estadounidense la fichó como representante. Se fue a Nueva York el 5 de noviembre de 1953,donde tuvo más éxito que en Londres , actuando en cine y en la televisión ( Robert Montgomery Presents (1950) , Suspense ( 1949 ), Studio One ( 1948 ), entre otros ). En Hollywood la preciosa actriz de ojos oscuros, esbelta y cautivadora apareció en más de una docena de películas y trabajó en la televisión en la llamada "Edad de Oro ". Destacan además de en esta gran cinta, sus participaciones en las películas Aeropuerto, Luces de rebeldía y Sangre sobre la tierra. 

Fire Maidens of outer space (EE.UU. 1956 Cy Roth): Peli británica en la que un grupo de astronautas exploran la décimo tercera luna de Júpiter hallando nada más que la supuestamente mítica civilización de la Atlántida, que está compuesta-¿lo adivinan?- únicamente por mujeres que danzan sensuales a los compases de la música de Borodin. Entre tanta belleza extraterrestre destacan a lo bestia, dos de ellas, Susan Shaw como Hestia y Jacqueline Curtis como Duessa. La primera, Susan Shaw tuvo una carrera más prolífica, rubia encantadora, encarnaba el ideal de mujer frágil y de femme fatal a la vez Es madre del actor Mark Colleano que pasó a protagonizar junto a Rock Hudson “Hornet's Nest” como un joven italiano de 14 años de edad. Jacqueline Curtis, por su parte pasó a la historia del Cine por esta peli de 1956, Lady of Vengeance de 1957 y The Camp on Blood Island en el 58. Bellas, atrevidas y con carácter ambas ejemplifican a la heroína extraterrestre de los 50 a la perfección.

Planeta Prohibido (EE.UU. 1956 Fred M.Wilcox): Inspirada en "La tempestad", de William Shakespeare, como otras muchas cintas de diferentes géneros, la peli nos muestra cómo a principios del siglo 23, el Crucero de los Planetas Unidos C-57D es enviado al planeta Altair IV para saber qué ocurrió con una expedición enviada 20 años antes. El Comandante John J. Adams (Leslie Nielsen) contacta al Dr. Edward Morbius (Walter Pidgeon), filólogo, quien le advierte que se mantenga alejado, pero se niega a dar una razón. Al aterrizar, la tripulación conoce a Robby el robot, que les lleva a la casa de Morbius, que explica que un año después de la llegada de la expedición, alguna fuerza desconocida hizo desaparecer a casi todos los de la expedición y vaporizó su nave cuando los últimos supervivientes trataron de escapar. Sólo él, su esposa (que más tarde murió por otras causas), y su hija bebé sobreviveron. Morbius teme de que la misma suerte puedan correr la tripulación del C-57D. La hija de Morbius de diecinueve años de edad, Altaira (Anne Francis) al igual que la Miranda de Shakespeare, ha crecido sin saber de cualquier hombre, excepto su padre y es muy curiosa, por lo tanto, para aprender acerca de las relaciones humanas. Como era de esperar, y visto que la chavala no es un craco sino un bellezón, varios oficiales están más que dispuestos a ayudar con su educación, pero el comandante Adams los mantiene a raya. Para la única secuencia en que se ven los monstruos del Id se emplearon técnicas de animación gentileza de la casa Disney, así como para los disparos de las armas de los protagonistas. Anne Francis es la primera actriz que aparece en minifalda en una gran producción, por lo que en varios países se prohibió la película. El hecho de que Anne apareciese descalza en todos las escenas tampoco ayudó mucho, dadas las calenturientas mentes de los censores. En España se estrenó 11 años después de filmada, en 1967.

Francis entró en el mundo del espectáculo a temprana edad, trabajando ya como modelo desde los cinco años para ayudar a su familia durante la Gran Depresión, e hizo su debut en Broadway a la edad de 11 años. Fue especialmente conocida por su actuación en el clásico de ciencia ficción que nos ocupa y que sigue siendo una de las cintas de ciencia ficción de culto y por el de detective privada en la serie de televisión de la ABC Una rubia peligrosa (Honey West, 1965 – 1966) personaje por el que ganó un Globo de Oro como mejor actriz en una serie de televisión y fue nominada para el premio Emmy.En esta película, sus adorables y hermosos rasgos ejemplifican a la perfección el lado más inocente de nuestras heroínas espaciales, sus inquietudes (que albergan deseos carnales, cosa que a la censura le importó menos que su caminar descalzo) y sus ganas de conocer lo desconocido. Es la heroína curiosa e inocente en mi lista.

Queen of outer space (EE.UU. 1958 Edward L. Bernds): Tres astronautas estadounidenses y el profesor Konrad realizan una misión rutinaria cuando su nave es atacada, desviada de su rumbo y acaba estrellándose en Venus, donde al contrario de lo que se creía saber, la gravedad y la atmósfera son asombrosamente parecidas a las de la Tierra. Tras descubrir que en ese planeta sólo viven mujeres, son hechos prisioneros, pues la reina odia a todos los hombres y, además, cree que son espías que están preparando una invasión. La reina no es otra que la MARAVILLOSA Zsa Zsa Gabor. En esta barata y cutrona muestra de lo que iba a ser la serie B de tomo y lomo los hombres son unos cabestros mujeriegos que se asustan de todo lo que hay en el planeta hasta que aparecen Ellas, y entonces se acaba el miedo y empieza la calentura. Ellas son, como mandaba la norma, bastante bobaliconas y calientabraguetas. La Gabor, que no puede estar más guapa, al igual que sus hermanas, fue introducida por su madre en el mundo de los espectáculos de «varietés» y en 1936 ganó el concurso de Miss Hungría. 

En 1941 se mudó a Hollywood en busca de un futuro mejor, le precedía con éxito su hermana Eva, quien había obtenido un papel en la película Forced Landing. 

El apogeo de Zsa Zsa en el cine fue durante la década de 1950. Debutó de la mano del conocido director Mervyn LeRoy en Lovely to Look At (1952). Participó después en películas como We're Not Married! junto a Ginger Rogers y Marilyn Monroe, en The Story of Three Loves de Vincente Minnelli y en El rey del circo junto a Jerry Lewis y Dean Martin. En 1953, rodó en Europa otra comedia, El enemigo público número 1, protagonizada por el cómico Fernandel. 

Seguramente su papel de mayor entidad (como co-protagonista) fue junto a José Ferrer en el filme Moulin Rouge (1952) de John Huston, biopic sobre el pintor Toulouse-Lautrec donde encarnó a la cantante Jane Avril, amiga y musa del pintor. El mismo Huston llegaría a afirmar que Zsa Zsa era «como actriz, digna de crédito». 

Zsa Zsa sumó a su historial cinematográfico otros dos títulos ahora legendarios: Lili (1953), película musical protagonizada por Leslie Caron, y la obra maestra de Orson Welles Touch of Evil (Sed de mal, 1958), con un brillante reparto que incluía a Charlton Heston, Janet Leigh y Marlene Dietrich. 

Zsa Zsa llegó a trabajar en el cine hispano y también aceptó trabajos en filmes de serie B. Dotada de gran sentido del humor, en su madurez llegó a parodiarse a sí misma en breves papeles en Pesadilla en Elm Street 3 (1987) y Agárralo como puedas 2 1/2 (1991). 

Aquí, en esta peli de serie B es la heroína malvada, sin escrúpulos, seductora (es imposible resistirse a ese vestuario a lo Norma Duval pero en carnes de una diosa), vamos, como a mí me gustan las heroínas... 

El pueblo de los malditos (G.Bretaña 1960 Wolf Rilla): Inexplicablemente, los habitantes de un apacible pueblo pierden el conocimiento durante unas horas. Poco después se produce otro extraño e inquietante fenómeno que parece estar relacionado con aquel desmayo: muchas mujeres del pueblo descubren que están encintas. Agentes del gobierno supervisan estos embarazos para investigar si existe o no relación entre lo sucedido y el preñazo colectivo (con el dinero de los contribuyentes, ay...). Cuando las madres paren a sus criaturas, curiosamente todos nacen rubios como querubines, casi albinos, con unos enormes e intensos ojos azules. Pero esto no es todo: parecen estar dotados de una brillante e increíble inteligencia. Conforme cumplen años, los niñitos se van revelando como seres inhumanos carentes de cualquier valor moral y parecen actuar en grupo mentalmente, como si de los miembros de una colmena se tratara. Basada en la novela de John Wyndham, Carpenter volverá a hacer una adaptación estupenda, maravillosa y muy, muy inteligente en 1995. En esta versión clásica, la protagonista, Anthea Zellaby, está interpretada por la actriz británica Barbara Shelley, que llegó a ser conocida como "La Primera Dama del Horror británico" y es fundamentalmente conocida por su trabajo en la Hammer, especialmente en maravillosas películas de Terence Fisher hoy casi olvidadas como The Gorgon (1964), Dracula, Prince of Darkness (1965), Rasputin, the Mad Monk (1965), o Quatermass and the Pit (1967) entre otras. Su primera película fue la producción inglesa Mantrap, también dirigida por Fisher, tras la que participaría en algunos filmes italianos antes de volver a Inglaterra con Cat Girl, un remake de bajo presupuesto de La Mujer Pantera de Jacques Tourneur. Shelley tenía ese toque de mujer rural, guapetona y sana que encantaba en la época, siempre a la sombra de un marido superior, pero en esta cinta supo impregnar a su personaje de unos matices más que interesantes... Por eso está en mi lista. Y porque la censura no cayó en la mofa a la inmaculada concepción de la mitad del censo que a día de hoy, sigue siendo un peliculón. 

Barbarella (francia-Italia, 1968 Roger Vadim): Barbarella fue una historieta de ciencia-ficción francesa creada por Jean-Claude Forest, cuya protagonista se convirtió en una de las más destacadas heroínas y quizás la primera del género fantaerótico, que tuvo su esplendor en los 60 y 70. Gozó de una adaptación cinematográfica en 1968, un musical en 2004 y una nueva versión de la historia, hecha para la televisión francesa dirigida por Nicolas Winding Refn que nos llegará este mismo 2014. El mago de los bodrios ensalzados, Dino de Laurentis ("Conan, el bárbaro", "Dune", "Red Sonja", "Flash Gordon") apadrinó esta película de ciencia ficción pop donde el rosa, el plástico y la tela de peluche cobran protagonismo a la sombra de la guapa entre las guapas. 

El presidente Dianthus (Claude Dauphin) del planeta Tierra, en el año 40.000, le encarga a Barbarella (Jane Fonda, una de mis heroínas espaciales preferidas) salir en búsqueda del doctor Durand-Durand (Milo O'Shea), que habita en el planeta Lithion. Al llegar su nave se estrella. Es rescatada por un habitante de SoGo (la ciudad del mal), Mark Hand (Ugo Tognazzi), un ermitaño, quien la seduce y la convence de tener una relación sexual con él. El coito es un acto desconocido para Barbarella, ya que para entonces los terrícolas usan píldoras para obtener orgasmos. 

En un intento por escapar, Barbarella se estrella nuevamente y se encuentra con otros prisioneros esclavizados. Para poder continuar con su misión ella seduce a su vez a un ángel ciego, Pygar (John Phillip Law), que recupera la capacidad de volar después del encuentro amoroso. Logra llegar a SoGo en brazos de Pygar, es capturada y llevada ante la Gran Tirana (Anita Pallenberg), reina de SoGo, y allí descubre al doctor Duran-Duran convertido en el recepcionista de la Gran Tirana. Barbarella es nuevamente capturada y condenada a morir mediante una máquina inventada por el sabio loco, que asesina a través de provocar enormes orgasmos. Ella luchará por su vida La peli empieza con un strip-tease anti-gravedad en pleno vuelo (enmascarado por los títulos de crédito),mientras Barbarella aterriza en la ciudad de Sogo, donde un nuevo pecado es inventado cada hora. Allí, se encuentra con objetos como la máquina exessive, un verdadero órgano sexual en el que un artista consumado del teclado, en este caso, el propio Durand Durand, puede conducir a la víctima a la muerte por placer, una reina lesbiana que, en su cámara de sueño , puede hacer que sus fantasías tomen forma, y un grupo de señoras que fuma una cachimba gigante que, a través de una pobre víctima que lucha en su globo de cristal, dispensa Essance del Hombre!!!!!!!!!

Strip teases, pecados pop, juguetes sexuales ciberfuturistas, drogas de diseño, ángeles fornidos ciegos y una heroína estelar vestida de Rabanne... 

Si después de leer lo anterior dudan que esta sea una de mis pelis favoritas de todos los tiempos es que aún no me conocen. 

Curiosidades que cualquier friki ocioso como yo adorarán son por ejemplo: 

-Que el personaje malvado toma su nombre de la banda de 1980 Duran Duran, iconos del pop mundial. 

-Las escenas durante los créditos de apertura donde Barbarella parece flotar alrededor de su nave espacial fueron filmados sobre un enorme pedazo de plexiglás con una imagen de la nave debajo de ella. 

-La contraseña del Dildano " Llanfairpwllgwyngyllgogerychwyrndrobwllllantysiliogogogoch " , es el nombre de un verdadero pueblo en Gales , Reino Unido ( como era de esperar , es el nombre de un lugar más largo del Reino Unido ). 

-Barbarella fue el primer personaje de ciencia ficción de cómic que se adaptó a pantalla grande antes que a la pequeña, al revés por ejemplo que Flash Gordon.

-Cuando a Virna Lisi se le negó el papel de Barbarella rescindió su contrato con United Artists y regresó a Italia. 

-SoGo , la ciudad del mal, es una referencia a las ciudades bíblicas de Sodoma y Gomorra. 

-Los nombres " Stomoxys " y " Glossina " , las dos sobrinas del Gran Tirano , en realidad son los nombres de dos especies de moscas (la mosca de los establos y la africana (o tsetsé )). 

-El autor original Jean- Claude Forest basó el personaje de Barbarella en la preciosa Brigitte Bardot - que fue irónicamente la anterior esposa del director Roger Vadim. 

-Barbarella pasa a través de 7 diferentes empotrados en toda la película .

-El traje de Barbarella fue creado por el polémico diseñador Paco Rabanne.

-Esta película está en la lista de las 100 más divertidamente malas películas jamás se ha hecho la lista del fundador del premio Golden Raspberry John Wilson (origen del Razzie).

-La cinta se toma algunas licencias respecto del cómic original: No había Durand- Durand y ningún rayo de la muerte en el cómic original , la ciudad fue construida en torno a un monstruo que eructó gas a través de una serie de conductos , y el Gran Tirano llevaba un parche en el ojo. Las relaciones sexuales de un robot con ella y otro escarceo sexual son ambos omitido de la película, a pesar de que casi todo lo demás es muy fiel al cómic. 

-Existen muestras y fotografías del set que sobrevivieron mostrando imágenes de una escena de seducción entre Barbarella y la reina Negra en una cama. Sin embargo, este material nunca ha aparecido en ninguna copia de la película. QUÉ PENA!!!! 

-Sophia Loren rechazó el papel principal.

- El actor italiano Antonio Sabato fue fichado originalmente como Dildano y de hecho llegó a ejercer como casi juguete en la famosa escena de "sexo manual ' con Jane Fonda. Sin embargo fue sustituido por David Hemmings buscando un tono menos serio. 

-Jackie Lee trabajó en la banda sonora original, escrita por Michel Magne, pero sus canciones fueron retiradas, colando sin embargo el Caro Nome, famosa aria de Rigoletto de Giuseppe Verdi, que no se pensaba incluir. 

Plagada de errores de raccord, (Barbarella en gravedad cero , y su pelo se está cayendo hacia el suelo), con un look loco, mariconcil y muy pop, la peli está en todas las listas de heroínas espaciales y en la mía, siguiendo muy de cerca a la Ripley, es mi segunda preferida. Jane Fonda, miembro de un clan de actores respetadísimos y aún en activo (y guapa a rabiar) nunca ha lucido mejor, más loca, sexy y morbosa que en esta película. Por sus logros actorales ha ganado dos premios Óscar, cuatro Globos de Oro, dos premios BAFTA y un premio Emmy. 

También ha producido y publicado varios vídeos de ejercicios físicos entre los años 1982 y 1985. Fonda, además, ha sido partidaria de varias causas civiles y políticas. Se ha manifestado en contra de la Guerra de Vietnam, así como de la Guerra de Irak. Guapa, sexy y concienciada. ¿Quién da más? 

Y aquí, en Barbarella, en el año 68, el mismo en el que Peter Bogdanovich rodó su “Voyage to the planet of Prehistoric women” (que abrirá la segunda parte de este loco artículo), tomaremos tierra para darnos un respiro. Recomendamos a nuestros tripulantes que abrochen sus cinturones pues abandonamos la gravedad cero a la de ya. 

Continuará...

Crítica: Raze

En la mitología griega, las ménades eran criaturas femeninas estrechamente relacionadas con el dios Dioniso, pues fueron aquellas que lo criaron para, posteriormente, ser poseídas por el mismo. Tras esto, las ménades, convertidas ya en sus discípulas, le rindieron culto al dios del vino para entregarse en cuerpo y alma a la locura, la violencia y el desenfreno. Es precisamente ésta figura mitológica, la que inspira el relato escrito por Robert Beaucage, Kenny Cage y Josh C. Waller para que éste último, haga su debut de largo detrás de las cámaras. 

Crítica: Machete Kills

A Robert Rodríguez no le van los falsos cumplidos: si no te gustó Machete, no te va a gustar Machete Kills, y le importa un rábano. Esta secuela a la peli de acción de 2010 parece existir sólo para dar rienda suelta a su argumento intenso y por hacerle un favor a su buen amigo Danny Trejo, quién hace de héroe lacónico de cara llena de picadas de viruela qué da título a esta obra. Ni siquiera el distribuidor original, Fox; quería secuelas de las aventuras del ex agente federal que nunca conoció bola de fuego que no tuviera que atravesar con la gracia de un águila y la fiereza de un tigre, así que esta entrega de la saga viene a cargo de los buenos muchachos de Open Road.

Crítica: Machete

“Machete” debutó en la gran pantalla en medio de ese experimento cinematográfico titulado Grindhouse, del que formaron parte los films “Planet Terror”, de Robert Rodriguez, y “Death Proof , de Quentin Tarantino. Se trataba de un tráiler de una película inexistente que el mismo Rodriguez había planeado dirigir allá por 1994, cuando rodó “Desperado” y vío en uno de sus actores, Danny Trejo, el actor ideal para ella. Su popularidad fue tal que el realizador y el actor se animaron a crear un largometraje inspirado en el mismo.

Crítica: En Las Afueras de la Ciudad

Una cosa no se le puede discutir a “En Las Afueras de la Ciudad” del chileno Patricio Valladares, y esa, es su capacidad de sorprender, al menos, a todos aquellos que como yo, esperasen de ésta, su película del año pasado (lo digo porque ya está a punto el correspondiente remake americano, dirigido por cierto, por el mismo), un rape & revenge al uso. Y eso, viendo lo visto, ya es un mérito de incalculable valor en una época donde lo que se estila es el más de lo mismo y la ley del mínimo esfuerzo, donde fórmulas arcaicas en evidente decadencia, se siguen explotando hasta límites insospechados para indignación y bostezo, de ese aficionado tipo que lejos de disfrutar una y otra vez marchándose cada año de vacaciones al puñetero Crystal Lake de turno (cosa por otro lado, totalmente respetable, dicho sea), sabe valorar una cualidad harto olvidada en estos tiempos oscuros: la inventiva.

"I Spit On Your Grave 2", trailer de la esperada secuela

 

Tras el éxito cosechado por el remake de "I spit on your grave" en el 2010, Steven R. Monroe vuelve a hacer su particular incursión en el mundo del rape & revenge, con una nueva entrega de lo que parece que va a ser una saga, "I spit on your grave 2".

La teoría es exactamente la misma, por lo que la originalidad únicamente reside en el escenario. Esta vez la violencia se traslada a la gran manzana, y será Nueva York la cuidad elegida para presenciar el espectáculo de sangre y brutalidad que se nos promete en esta segunda parte (tal como hiciera en la primera), porque si algo funciona, ¿para qué cambiar?

La protagonista en este caso es la, prácticamente, desconocida Jemma Dallender ( "Community"), pero tendremos que esperar hasta septiembre para poder verla en acción. La fecha prevista del estreno será el 20 de septiembre en Los Ángeles, siendo cuatro días más tarde (24 de septiembre) cuando se presente al mundo en DVD y Bluray.

Os dejo con el sugerente y revelador trailer de esta segunda parte:

"No One Lives", cuando te sale el tiro por la culata

Con nuevo cartel y con red band trailer estrenado hace unos pocos días empieza su campaña de publicidad de cara al estreno en EEUU el 10 de mayo. Aunque esta película, aquí, en nuestras queridas tierras se presentó en la pasada edición del Festival de Sitges. Sé que los que fueron listos y la pudieron disfrutar se llevaron una grata sorpresa y otros desgraciados como yo se quedaron con las ganas.

El director no es otro que Ryûhei Kitamura conocido por películas/genialidades como Versus, Azumi o ya habiendo dado el salto al mercado americano El vagón de la muerte (The Midnight Meat Train). El guión corre a cargo de David Cohen.

La cinta nos cuenta como una pareja es secuestrada por la típica banda que busca problemas en un bar de carretera. Matan a la fémina de la pareja y entonces es cuando los paletos de pueblo se darán cuenta que el hombre de la relación, Luke Evans, no es lo que parece ser. En el maletero del coche de la pareja descubrirán un doble fondo donde había oculta una joven, Adelaide Clemens. Y aquí niños y niñas es donde empieza lo bueno.


Este no-slasher nos promete sangre y gore del rico y con fundamento. No creo que defraude a los fans de Kitamura ya que aunque haberse vendido, digo, haber traspasado el charco dicen que este trabajo sigue muy en la línea de sus anteriores proyectos en cuanto a lo explícitos y violentos que son. No me enrollo más y echadle un ojo al trailer.

Artículo: Cine sucio

Un grupo de jóvenes enmascarado y con el mismo uniforme entran en un chalet por la noche. En su interior están sus dueños que se ven sorprendidos. Al marido le apalean y a la mujer la violan. La película es “La naranja mecánica” (1971, Stanley Kubrick). Esto podría ser una de las cientos de películas que podrían agruparse en lo que llamo cine sucio.

El concepto de cine sucio sería aquel tipo de películas que muestran asesinatos explícitamente viscerales (“Holocausto Caníbal”), violación extrema y humillación (“Irreversible”), experimentos encarnizados (“Cromosoma 3”), snuff movies (“El fotógrafo del pánico”) y drogas (“Réquiem por un sueño”). Como factor en común tienen que los protagonistas sufren o proporcionan dolor, en ocasiones con deleite, saña e incluso placer.

Está claro que los límites de lo que puede definirse como cine sucio los pone en ocasiones el propio espectador, según le haya impresionado psicológica o moralmente la película que ha visto. Por ejemplo, para mí la violación masculina de “Defensa” (1972, John Boorman) me impacto de tal manera que no la he vuelto a ver de nuevo desde entonces, mientras que la escena en la que el doctor Lecter le da de comer al policía sus propios sesos en “Hannibal” (2001, Ridley Scott) me resulta soportable y una pequeña muestra de cine sucio.

Entonces, he dicho que cine sucio es una muestra de asesinatos explícitamente visceral. Un ejemplo es el remake de “Las colinas tienen ojos” (2006, Alexandre Aja), donde podemos ver como una familia es acechada en medio del desierto por unos indeseables mutantes caníbales. La escena en la que uno de los acechadores roba el cadáver de la madre y los hijos lo encuentran comiéndoselo es insana para cualquier espectador. Un momento del filme que provoca asco y rabia. Imaginarse que nos pudiéramos encontrar con una situación así es traumático. Esta es una perfecta muestra de cine sucio.

Cine sucio también es aquel donde se produce violación extrema y humillación. Subdividida encontraríamos filmes donde hay violación (“El manantial de la doncella”), otros donde se da esclavitud sexual (la trilogía de Olga, compuesta por “White Slaves of Chinatown”, “Olga's Girl” y “Olga's House of Shame”) y llegando a violación y venganza (“No moriré sola”, “La violencia del sexo”, “Ángel de venganza” o “Lápiz de labios”).

Experimentos encarnizados sería la siguiente clasificación de cine sucio. El mayor exponente es David Cronenberg quien nos ofreció enfermizas cintas como el remake de “La Mosca” , “Scanner” o “Vinieron de dentro de...”.

También enfermiza y por tanto cine sucio es “Henry, retrato de un asesino” (1986, John McNaughton) donde se sigue la mente de un homicida en potencia incapaz de controlar sus impulsos. Al basarse en una historia real resulta aún más repulsiva. En esta línea también tenemos “Ocurrió cerca de su casa” (1992, Rémy Belvaux, André Bonzel y Benoît Poelvoorde) en donde un asesino en serie y ladrón es seguido a todas horas por un equipo de televisión que registra todas sus reflexiones para mostrarlas en un documental, al tiempo que el psicópata prosigue con sus criminales actividades. Estas cintas podrían agruparse en el género de snuffmovie.

Otro cine sucio nos muestra el mundo de las drogas, como “El viaje” ( “The Trip”, 1967) de Roger Corman, escrita por Jack Nicholson y con Peter Fonda, Susan Strasberg, Dennis Hopper y Bruce Dern en su reparto. Todo un viaje de colorines, música rock, luces de neón, sueños de tortura, chicas desnudas, un enano y efectos de cámara para dar una sensación incómoda y mostrar los efectos del LSD o otra droga dura al espectador. De los directores claves en los viajes de LSD de la época fueron el brasileño José Mojica Marins (“À meia noite levarei sua alma”) y el chileno Alejandro Jodorowsky (“El topo”). Más actual y una de las mejores películas que muestran los efectos de las drogas y los fármacos es “Réquiem por un sueño” (2000). En el filme de Darren Aronofsky se nos narra la historia de Harry (Jared Leto) y su madre (Ellen Burstyn). Éstos tienen sueños muy distintos: ella está permanentemente a dieta esperando el día en que pueda participar en su concurso televisivo preferido; la ambición de Harry y su novia Marion (Jennifer Connelly) es hacerse ricos vendiendo droga y utilizar las ganancias para abrir un negocio propio, pero nunca tienen el dinero suficiente para ello. A pesar de todo, Harry y Marion no se resignan y harán lo inimaginable para conseguir la vida que anhelan.