Crítica: Perros de Paja

Todas las veces en las que me he decidido a hablar sobre un remake, he intentado centrarme en él de forma exclusiva dejando de lado comparaciones con la obra original. Para el caso que nos ocupa, no voy a hacer esto, pues pienso que el auténtico interés de esta revisión de “Perros de Paja” (“Straw Dogs, 2011), reside precisamente en algunas diferencias significativas con respecto al clásico de Sam Peckinpah. De la misma manera, aviso que, a diferencia de lo que suele poder encontrarse en mis escritos, esta vez no puedo garantizar la NO presencia de los fatídicos SPOILERS, así que si alguien no ha visto ninguna de las dos películas, igual debería replantearse la lectura de esta crítica (a no ser, por supuesto, que dicho lector/a, sienta una necesidad biológica, romántica incluso, de conocer en este mismo instante, mis impresiones sobre el tema y no pueda resistir la idea de pasar por alto semejante oportunidad, lo cual, es perfectamente entendible).

Después de esta pequeña advertencia y posterior brabuconada de absoluto trasfondo cómico (por si a alguien, le han quedado dudas), señalizar también cuan sabios son nuestros progenitores, cuanta razón tenían nuestros padres cuando nos decían aquello de “cuando seas mayor verás las cosas de otro modo”. Y digo esto, porque rebobinando hacia mis tiempos mozos, el recuerdo que me viene de “Perros de Paja” es el de aquella película del pusilánime cobardica al que se le cepillaban la parienta en sus narices... recordaba a la cinta de Peckinpah como una dura crítica a la cobardía. Nada más lejos de la realidad. Tras revisionar esta, antes del remake de Rod Lurie (padre de aquel entretenido cuento carcelario protagonizado por un maduro Robert Reford de titulo “La Última Fortaleza”), mi visión del asunto es totalmente diferente, en mi opinión, “Perros de Paja” es pura y dura apología al civismo.... PERO, vistas las dos versiones, igual no estaba tan equivocado en mi percepción inicial sobre la cinta de Peckinpah.

Para los que no lo recuerden, la historia gira entorno a los Summer, David y Amy, un matrimonio estadounidense de ciudad que se muda a la vieja casita de adolescencia de esta en un remoto pueblecito de Inglaterra para que David, tenga la tranquilidad necesaria para escribir su libro, un documento a caballo entre ficción y realidad sobre la batalla de Staningrado. Una vez instalados, contratan a un grupo de ciudadanos del pueblo (entre ellos, un antiguo novio de Amy) para que les arreglen el tejado del cobertizo. La tensión entre el matrimonio y el grupo de obreros irá en aumento alimentada por el choque entre los modales de ciudad de Sam y las costumbres autóctonas de los lugareños.

“Perros de paja” en su nueva versión, es en apariencia, un remake muy fidedigno respecto al original, sin llegar a los extremos de por ejemplo, lo visto en la “Psycho” de Gus Van Sant, si es cierto que la estructura de ambos filmes es muy parecida, salvando las diferencias temporales, por supuesto y aquí, aprovecho ya para darle la primera palmadita en la espalda a Rod Lurie por lo bien que ha conseguido adaptar la historia original a la idiosincrasia actual, actualizando el rol de algunos personajes y situaciones, como por ejemplo el de un personaje tan vital para la historia como es el de Tom Heddon que en su momento interpretara Peter Vaughan y al que ahora coge el relevo el incombustible James Woods (“Vampiros”), reconvirtiendo al agitador de masas alcohólico y malcarado del pueblo que pudimos ver en 1971 en el ex entrenador del equipo local de fútbol (incluso más virulento que su predecesor) del remake del pasado año.

Pero si bien un primer vistazo ofrece dos visiones muy parecidas de la misma historia, en realidad, detrás de estas se esconden dos ídem de matices bien distintos. Esto, se evidencia sobremanera si nos centramos en la figura del personaje principal, David Summer. Y no hablo solo en términos interpretativos, es una obviedad que James Marsden, por muy bien que lo haga (que lo hace), no es Dustin Hoffman, uno de los mejores actores que ha dado nunca esto del cine (y voy a pasar por alto lo de poner ejemplos porque no acabaríamos). Solo decir que lo que hace Hoffman en su versión, está al alcance de muy pocos elegidos y Marsden, repito, haciéndolo muy bien, no es uno de ellos.

“Eres un cobarde, los dos lo somos” le dice Amy a su esposo en un momento del filme original. Esta afirmación, la comparto al 100% si hacemos referencia al David de Hoffman. Realmente, pienso que éste, intenta esconder dicha cobardía, amén de una evidente inutilidad a todos los niveles más allá del ámbito de su trabajo, bajo el telón de sus supuestos modales de urbanita culto y ejemplar. Es más, no solo es un tipo cobarde, también tiene un serio problema de sociabilidad, es una persona extremadamente introvertida, con todo lo que ello conlleva.

En cambio, el David de Marsden, a mi parecer, no tiene ni nada de cobarde, ni de introvertido, todo lo contrario, es un tipo abierto, sociable y de exquisitos modales, incluso con ese punto de ingenuidad que a veces, viene de fábrica junto con la educación. Un tipo íntegro de los pies a la cabeza.

Pese a estas diferencias de perfil, ambas versiones del personaje se ven abocadas al mismo desenlace, aunque por distintas motivaciones. El primero, para intentar demostrarse a si mismo y a su mujer, que no es ni el inútil, ni el cobarde que los dos saben que es, y esto se ilustra a la perfección en cierta frase de éste en la secuencia final cuando David lleva a su casa en coche a Jeremy Niles, la cual, deja bien claro que todo lo acontecido, se ha debido tan solo a un acto arbitrario y no a una convicción (la sonrisa de Hoffman no tiene precio, por cierto). Mientras que David (Marsden), todo lo que hace, nace del sentido común, lo hace por principios, porque cree que es lo correcto. Por lo tanto, el primero lo hace por falta de criterio, en primera instancia y por egoísmo después, para sentirse mejor consigo mismo y el segundo, por altruísmo.

Por supuesto, no se si esta diferencia de fondo del personaje, es algo premeditado por parte de Rod Lurie o si bien, tan solo es una percepción mía en base a las dos diferentes interpretaciones. En cualquier caso, creo que es un detalle interesante a tener en cuenta y sobre el cual vale la pena reflexionar.

Existen otras diferencias, como por ejemplo, una de las cosas que mas me gustaban del filme original, la ambigüedad de algunos personajes. Ésta, existe en ambas versiones, solo que reside en diferentes personajes. Si bien en la película de 1971, este rasgo era copado por Amy Summer, interpretada de forma brillante por una angelical Susan George, produciendo una desconcertante sensación en el espectador, pues uno no sabía muy bien si esta le resultaba simpática o antipática, de aparente inocencia en muchos tramos del filme, nos mostraba de forma fugaz su lado más oscuro en ocasiones puntuales, por supuesto, el zenit de esto se encuentra en la mítica secuencia de la violación. Resulta complicado, delimitar donde termina la violación y comienza el adulterio, ambigüedad en su estado más puro.

Con la Amy del 2010 (encarnada por Kate Bosworth), todo está mucho más claro, aquí no hay posibles dobles lecturas, es una puta imbécil (con perdón), además de una fulana de cuidado. Punto. A la secuencia donde se desnuda delante de los obreros me remito. Queda muy claro que lo hace por despecho después de haber discutido con su marido (con la Amy de Susan George, tan solo hablamos de una desafortunada casualidad) y claramente, es el hecho que desencadena la posterior violación, en la cual, también es mucho más palpable la poca resistencia de la mujer a los deseos de su supuesto violador, Charlie (Alexander Skarsgard), su ex novio, personaje que también se nutre de esta ambigüedad, manteniendo este rasgo en las dos películas, si bien es cierto, que en el remake, este tiene mucho más peso y protagonismo en la historia, pudiendo hablar incluso de trío protagonista.

Este intercambio de anfibologías también atañe al grupito de sinvergüenzas que trabaja para los Summer. Peckinpah dejó muy claro en los primeros compases de su obra, que estos eran mala gente, tipos de pasado oscuro y capaces de llevar a cabo cualquier tipo de fechoría, cosa que en el remake, no ocurre. Uno no tiene, hasta el tramo final del filme, la certeza absoluta de hasta donde son capaces de llegar estos y es precisamente este, otro de los grandes aciertos del remake, pues aleja a la historia de los tópicos del género al difuminar los roles de villano. Esto se traduce en grande dosis de intriga e incertidumbre y alimenta de forma certera el in crescendo de la trama.

Si hablamos de incomodidad y su consiguiente capacidad para transmitir ésta al espectador, pienso que no hay contienda posible entre ambas versiones, la victoria por KO se decanta de forma fulminante del lado de la película de 1971. Con esto, no quiero decir que el remake no consiga transmitir esta sensación, por que lo hace, pero a otro nivel. Y para explicar esto, por supuesto, me valgo de otra mítica secuencia, la de la caza. ¿Que cazaba David en 1971? Perdices. ¿Que caza David en el 2011? Ciervos. Ni que decir tiene, que la vida de una perdiz es tan valiosa como la de un ciervo, pero, a ojos del ser humano, seguramente sea más doloroso o triste, ver morir a un mamífero de tan considerable tamaño y entrañable como pueda ser un ciervo, que a un pequeño plumífero al que nos solemos comer a la cazuela, ¿no?, pues a mi, personalmente, me produjo mucha más tristeza y rabia la secuencia de la perdiz que la del ciervo. Porque ya no es la muerte del animal en si misma, es la intensidad del sentimiento que se transmite al espectador una vez esta es canalizada por el personaje de David. Y es que el de Hofmann desprende en ese preciso instante, tal pateticismo, ilustra con tanta fidelidad, las miserias del personaje, capaz de arrebatarle la vida a un animal con una total falta de propósito, incluso a su propio pesar, por el mero hecho de seguirle el juego a los cazadores, que hiela la sangre. En el remake, la secuencia es mucho menos dura, triste, si, pero lejos de colocar la espada de Damocles sobre la cabeza de David, lo único que consigue es que sintamos su tristeza y su inmediato arrepentimiento. Mismo acto, distintas sensaciones, por lo menos, en intensidad.

Esto se puede extrapolar a cualquier otra situación de la película a excepción, quizás, de las que tienen a Tom Heddon como partícipe, algo más corrosivas a manos del personaje interpretado por James Woods.

Otra diferencia significativa entre los dos títulos, la perdida en el remake de otra de las señas de identidad del filme original: el lenguaje no verbal. Y es que la cinta de Peckinpah es todo un prodigio en este aspecto. En su capacidad de contar cosas sin mediar palabra alguna, tan solo con gestos, con miradas delatoras, con pequeños silencios que se antojan eternos... esto es para enmarcarlo y enseñarlo en las escuelas de cine. Dicen que a veces, una mirada puede doler mucho más que un hachazo, este, el mejor ejemplo. Por supuesto, en el remake este tipo de lenguaje no existe, el “Perros de Paja” de Lurie se mueve por otros derroteros, los actuales. Muchas más líneas de guión, mucha más palabrería, mucha más charla de almohada, pero menor mensaje, al menos, menos directo y mucho más disipado.

Curiosamente y en contra prestación, esa actualización de pautas cinematográficas, beneficia claramente al remake en el tramo final del filme (no me atrevería a llamarlo en la parte de la VENGANZA, de la misma manera que no me atrevo a catalogar a “Perros de Paja” como un “rape & revenge” al uso, pues de entrada, habría que discutir largo y tendido sobre esa supuesta violación y, en cualquier caso, la posterior venganza viene dada por la casualidad, no como una consecuencia. Esta parte, luce mucho mejor y sobretodo, se muestra mucho más consecuente con lo que un aficionado al terror puede esperar en una película de dicho género. Mucha más acción, mucha más contundencia, mucha más violencia gráfica y en definitiva, mucho más “cine de género”, si bien es cierto que la transición o metamorfosis del personaje de David, se antoja mucho más brusca y a todas luces menos creíble, que en la versión setentera. Aunque, más curioso aún y como última diferencia entre las dos películas, la mirada final que le dedica Amy a David, todo un homenaje a ese lenguaje no visual del que os hablaba. Lo dicho, una furcia de cuidado.

Si tengo que elegir, yo me quedo con la de Peckinpah, pero sin desmerecer para nada un remake, el de Lurie, que cumple con creces y no solo no desvirtúa al original, sino que lo complementa, algo que siempre se le debe exigir a un producto de esta naturaleza y que por desgracia, no siempre se consigue en estas tan de moda “revisiones”.

A favor del remake: La posibilidad de disfrutar de uno de los clásicos de siempre desde la misma perspectiva pero bajo una óptica de muy diferentes tonalidades, James Marsden, quien pese a lo complicado de la empresa, consigue estar a la altura de las circunstancias y un tramo final, con mucho más “punch” que en el original.

En contra: Evidente. La ausencia de Dustin Hoffman, quien pese a su baja estatura, tiene una sombra muy alargada y la perdida de una de las señas de identidad del filme original, el lenguaje no verbal.