Crítica: El Príncipe de las Tinieblas

Y para finiquitar la denominada Trilogía del Apocalipsis del maestro Carpenter (Ted Bundy ya nos trajo “La Cosa” hace un tiempo y recientemente, Max Cady hizo lo propio con “En la Boca del Miedo”), llevamos hoy a análisis, su tercera punta de tridente y título que posiblemente sea, uno de los más aterradores de la filmografía del cineasta Neoyorkino,así como una de sus pocas incursiones en el cine demoníaco: “El Príncipe de las Tinieblas” (solo volvería a repetir con “Pro-Life”, su contribución a la segunda temporada de la serie para televisión “Masters of Horror”). 

Como suele ser habitual en el cine de Carpenter, “El Príncipe de las Tinieblas” es mucho más que una simple película de terror, también es una herramienta de denuncia y un reflejo socio-cultural del momento en el que se engendró. La cinta, estrenada en 1987, pone sobre la mesa, detrás de una fórmula aparentemente convencional a modo de relato de terror apocalíptico, interesantes paralelismos con la sociedad estadounidense de aquel momento, además de dar una perspectiva totalmente única y diferente del cine demoníaco,algo que por supuesto, tan solo al alcance de una mente brillante y visionaria como la de John Carpenter. 

Es precisamente el enfoque que da Carpenter al folclore cristiano, el mayor rasgo de identidad de “El Príncipe de las Tinieblas”, pues por primera vez, éste es tratado desde un punto de vista científico, no religioso. Bueno, en realidad de ambas formas, pues la película hace gala en todo momento de una deliciosa dualidad o ambigüedad entre las dos disciplinas, proceso durante el cual, se intenta dar luz con la ciencia, a todas las sombras del oscurantismo religioso. Incluso llega a cuestionarse el supuesto origen de Dios y del diablo, a los cuales se les otorga origen extraterrestre (no olvidemos la fuerte influencia que tiene la obra del escritor Nigel Kneale en el cine de Carpenter). 

De esta manera, cobra forma un relato donde la espiritualidad, es explicada a base de física cuántica, donde la figura del diablo, se entiende no como un ente sobrenatural, sino como un organismo vivo. La ciencia sobrepuesta a la fe, esa es la fórmula maestra de la ecuación, encarnada en dos personajes principales: un profesor de ciencias y un cura, interpretados por Victor Wong (“Golpe en la Pequeña China”) y Donald Pleasence (“Halloween”) respectivamente. Juntos, ayudados por un grupo de estudiantes universitarios, intentarán descubrir el secreto que esconde un misterioso recipiente relleno de una extraña sustancia verdosa que escondía una antigua orden religiosa llamada “La orden del sueño”, en las profundidades de una iglesia. 

Ese es el punto de partida de la obra, narrada en un formato que ni era nuevo para Carpenter (ya lo había utilizado en su cinta de 1976 “Asalto a la Comisaria del Distrito 13”), ni que sería la última vez que utilizaría (volvería a hacerlo veinticinco años después en “Fantasmas de Marte”), el de los asedios. Es decir, un grupo de gente atrincherada en un espacio interior, que debe hacer frente a una amenaza exterior. Con este recurrente modus operandi, Carpenter aprovecha la ocasión para arremeter contra la iglesia y contra las voces autoritaristas. La iglesia, en “El Príncipe de las Tinieblas”, ha ocultado el descubrimiento del recipiente durante dos mil años haciendo gala de su habitual transparencia y honestidad (tan podrida institución, volvería a ser objeto de la crítica del cineasta en la genial “Vampiros” de 1998). 

Si echamos la mirada atrás y nos fijamos en el año de estreno de la cinta, veremos que 1987 es el año en el que Ronald Reagan se dirige abiertamente a sus compatriotas y el mundo abre los ojos ante uno de los mayores azotes del hombre de finales del siglo XX: el SIDA. No es difícil pues, ver los paralelismos del virus en la película (muchos la entendieron en su momento como una clara metáfora de la enfermedad). Y es que en “El Príncipe de las Tinieblas”, el diablo no deja de ser un organismo que infecta a otros y además lo hace, a través de fluidos (por la boca) y muchas veces en contextos sexuales. No deja de ser curioso en este sentido, como todas las infecciones que se dan en la película, son siempre entre personas del mismo sexo (en clara alusión a la creencia de por aquel entonces, de que el SIDA era una enfermedad que se daba exclusivamente entre homosexuales). La única infección que se produce entre dos personas de distinto sexo, se lleva a cabo entre una mujer blanca y un hombre negro, lo cual podría hacer referencia a otro taboo de la sociedad norte americana: el sexo interracial. Volviendo al tema del SIDA, hay que fijarse en el brillante desenlace de la cinta (nada que envidiar al que se marcó el maestro en “En la Boca del Miedo”), en otra clara alusión a la enfermedad y a la paranoia que ésta, producía en la sociedad. 

Si nos acordamos de “La Cosa”, también podríamos encontrar estos paralelismos con el virus, pues en el remake de 1982 de la película de Christian Nyby y Howard Haws, una población compuesta íntegramente por individuos del mismo sexo, eran infectados a través de la sangre. 

Otra problemática social abordada en “El Príncipa de las Tinieblas”, podría ser la de la vivienda, ya que en 1983, treinta y cinco millones de estadounidenses vivían en la pobreza, dando como resultado un incipiente crecimiento de los vagabundos, los cuales, tienen un peso específico en la cinta (liderados por un escalofriante Alice Cooper), y volverían a tenerlo un año después, en la siguiente película de tito John: “They Live”, con ese barrio chabolero bautizado como “Justiceville”, como punto neurálgico. 

Volviendo a la película en si, hacer hincapié en esa dualidad anteriormente comentada, a la teoría de que cada partícula, tiene una partícula contra opuesta. Por lo tanto, si existe un Dios, debe existir un anti-Dios. A lo largo del filme, un objeto hace gala de presencia en innumerables ocasiones y Carpenter le dedica un buen puñado de composiciones: un espejo. Dicho espejo, es la constante utilizada por el director, para hacer continua alusión a esta dualidad: Científico, cura. Ciencia, religión. Dios, diablo. Todas ellas, imágenes especulares. 

A nivel visual, no estamos ante una producción donde los efectos especiales tengan tanto peso como en otros trabajos de Carpenter, pero estos, como suele ser habitual, están perfectamente resueltos cuando la ocasión lo requiere, con algunas caracterizaciones para el álbum de cromos del aficionado al género como la descomposición en cucarachas de uno de los científicos y sobretodo, la posesión final, aterradora y sin duda, la imagen por excelencia de un filme donde destaca también, la inquietante fotografía y el gran partido que se le saca a los claroscuros en otro claro ejemplo de esa constante búsqueda por enfrentar a los opuestos, también en lo formalmente estético. 

Mención aparte tendríamos que hacer a la hora de hablar de la partitura de la obra, sin lugar a dudas, una de las mejores composiciones de una filmografía, la de Carpenter, plagada de ellas. En esta ocasión, a dúo con el maestro Alan Howarth (poco menos que una eminencia en la materia), Carpenter construye una banda sonora sombría y envolvente, que además, tiene más protagonismo que nunca y es que lo raro en “El Príncipe de las Tinieblas” es que ésta quede muda. Pese al abuso en su utilización y lejos de cansar o saturar al espectador, la siniestra tonadilla, rica en matices, se integra de manera cuasi mística con la acción, complementándola como rara vez se había visto antes. Es imposible entender “El Príncipe de las Tinieblas” sin su mimética banda sonora. 

Es en el reparto, donde quizás encontramos la peor parte de la película. Un año antes de su concepción, en 1986, Carpenter estrena otro título mítico, esta vez, en clave de humor: “Golpe en la Pequeña China”. De ella, recupera para “El Príncipe de las Tinieblas” a dos de sus protagonistas: Victor Wong y Dennis Dun. Dos rostros demasiado vinculados a la gloriosa majadería protagonizada por Kurt Russell que chirrían demasiado en una obra tan genuínamente de terror como la que nos ocupa. Especialmente hiriente es el caso de Dennis Dun, quien operando en el mismo tono cómico que ya mostrara junto a Russell, desentona en todas y cada una de sus apariciones haciendo gala de un humor tontorrón imposible de ensamblar en esta ocasión, por más que Carpenter tenga la mano rota en el arte de conjugar humor negro con terror (quizás sea “Vampiros” el mejor ejemplo de ésto).

Si bien el papel protagonista no está del todo mal en manos de un atípico personaje Carpentiano como al que dio vida el actor Jameson Parker, interprete muy popular en los ochenta gracias a la serie detectivesca “Simon & Simon”, si hablamos del personaje femenino, la cosa no sale tan bien parada. Lisa Blount, quien desgraciadamente falleció hace cuatro años, es otro buen ejemplo de que Carpenter tiene muchas virtudes, pero escoger al elenco femenino, no sería una de ellas. La srta.Blount (pese al inmenso peso específico que tiene su personaje en la película), se une junto a actrices como Amber Heard (“The Ward”), Sheryl Lee (“Vampiros”), Julie Carmen (“En la Boca del Miedo”), Kirstie Allie (“El Pueblo de los Malditos”) o Meg Foster (“They Live”), al selecto club de “palos interpretativos”, ninguna de ellas, a la altura de las circunstancias. 

En definitiva, “El Príncipe de las Tinieblas” es una de esas películas de Carpenter (como en otras tantas ocasiones), que como el buen vino, ha ido ganando con el paso de los años. Infravalorada e incomprendida en su momento a demostrado, con el transcurrir del tiempo, que estamos ante un trabajo nuevamente, adelantado a su tiempo que sigue brillando veintisiete años después de su puesta de largo. Un visionado difícil, pues Carpenter lleva su sello al extremo y se recrea (valga la redundancia) a la hora de recrear atmósferas mientras cuece la carne a fuego lento pero con temple, esperando el momento adecuado para acrecentar las brasas y empujarnos a ellas (en éste sentido, me recuerda mucho a “The Lords of Salem” de Rob Zombie), pero muy recomendable, pues si se consigue conectar con la propuesta, más allá del efectivo horror al uso que ofrece, esconde un fascinante número de matices a (re)descubrir. 

La curiosidad: Carpenter firmó su guión para la película como Martin Quatermass, en homenaje a la obra de su idolatrado Nigel Kneale. 

Lo mejor: La historia, su enfoque y su brillante resolución. Y por supuesto, la brutal banda sonora. 

Lo peor: Su climax, algo decepcionante teniendo en cuenta las altas cotas de erotismo alcanzadas en los juegos preliminares, y algunas elecciones del casting.