Crítica: El Precio de la Venganza

MISTER MOLOKO NOS HABLA SOBRE EL CÓMO NO, VIOLENTO NUEVO TRABAJO, DEL CINEASTA NIPÓN ADOPTADO POR HOLLYWOOD RYUHEY KITAMURA

---

Siempre me he preguntado el motivo por el que los directores asiáticos, por muy prestigiosos que sean, nunca acaban de integrarse del todo dentro de la industria del cine norteamericano. Hasta el mismísimo Akira Kurosawa declinó en los años setenta trabajar en una producción estadounidense ya que pensó, no sin razón, que su filosofía de trabajo no era compatible con los modismos e injerencias de los grandes estudios. Tal vez por ello en 1993 muchos dimos saltos de alegría al enterarnos de que mi admirado John Woo estaba a punto de estrenar una película norteamericana protagonizada por Jean-Claude Van Damme y producida por el mismísimo Sam Raimi. Aunque la crítica en su momento la trató con cierto desdén, yo disfruté muchísimo con “Blanco humano” (1993) igual que lo hice, con sus más y sus menos, con los ocho títulos consecutivos que dirigió en suelo norteamericano. 

---

“un claro ejemplo de ese estilo Kitamura en el que thriller, terror y casquería son los grandes protagonistas de la función” 

---

Tras el fracaso de “Paycheck” (2003), Woo decidió poner fin a su etapa americana para marcharse a su país y dirigir esa maravilla llamada “Acantilado rojo” (2008). Menos suerte tuvieron compatriotas suyos como Ringo Lam, Tsui Hark o Ronny Yu que, a pesar de algunos éxitos puntuales, retornaron a Hong Kong con más pena que gloria. Otro caso sería el de los japoneses Hideo Nakata y Takashi Shimizu, ambos artífices de obras referenciales dentro del J-Horror, los cuales, ya en suelo norteamericano, no pasaron de dirigir remakes y secuelas de sus películas más conocidas. A la espera de ver que es lo que sucede con el coreano Bong Joon-Ho y su “Mike 17” protagonizada por Robert Pattinson o de algún compatriota suyo (el audiovisual coreano está de moda) que parece decidido a seguir los cantos de sirena de Hollywood, la historia parece indicarnos que los directores asiáticos viajan siempre con el billete de vuelta ya preparado. Y es que los mecanismos bajo los que funciona la gran industria no son fáciles para nadie. 

En este estado de las cosas sorprende mucho la carrera de Ryûhei Kitamura, un realizador que desde 2008 se ha sabido labrar una carrera a medio camino entre su Japón natal y occidente. Probablemente la clave de su éxito radica en su capacidad de adaptación, tanto argumental como narrativamente, al mercado potencial al que van dirigidas sus películas. Si un espectador visualiza “Lupin y el corazón púrpura de Cleopatra” (2014) y “Nadie vive” (2012), jamás pensará que al mando de ellas está el mismo director: mientras la primera es un live action que cuenta con la inmensa mayoría de pros y contras habituales en este tipo de productos pensados fundamentalmente para el mercado asiático, la segunda es un thriller que, aunque muestra unas dosis muy generosas de violencia, no deja de ser un producto confeccionado para un espectador occidental medio ávido de emociones. Kitamura se adapta al entorno como un camaleón y ello, unido a que se mueve a la perfección en producciones de presupuesto medio-bajo, ha motivado que haya sido capaz de crearse una sólida e interesante carrera en Norteamérica. 

El realizador nipón se dio a conocer con “Azumi” (2003), una irregular traslación a la gran pantalla de un exitoso manga seinen. Las buenas sensaciones que dejó la película en su distribución internacional motivaron que el realizador decidiera trasladarse a los Estados Unidos para dirigir “El vagón de la muerte” (2008), adaptación de uno de los cuentos incluidos en los “Libros de sangre” de Clive Baker. La película, que a mí personalmente me gusta mucho, nos mostraba a un director con pulso narrativo, una innegable capacidad para crear imágenes epatantes y muy poca autocensura a la hora de mostrar violencia y gore. El resultado final fue lo suficientemente bueno como para que, a partir de ahí, Kitamura pudiera alternar producciones niponas con otras norteamericanas (todas englobada dentro del thriller y el terror). Precisamente “El precio de la venganza” (2022), que ha pasado sin pena ni gloria por las carteleras de nuestro país después de ser presentada en la sección Midnight X-Treme del pasado Festival de Sitges, es un claro ejemplo de ese estilo Kitamura en el que thriller, terror y casquería son los grandes protagonistas de la función. 

---

“Una cosa si debemos reconocerle a la película: su capacidad para optimizar los recursos propios del entorno y, gracias a ello, ofrecernos una historia con un genuino sabor Tex Mex” 

---

La película nos explica como tres delincuentes, tras un frustrado y violento atraco a una casa de empeños, se dan a la fuga no sin antes secuestrar a una joven que estaba en el local de casualidad. Perdidos por las carreteras de Nuevo Méjico, los atracadores y la chica, ante la amenaza de un control policial, deciden refugiarse en una granja. Lo que no sospecharán es lo que les aguarda dentro. 

Una cosa sí debemos reconocerle a la película: su capacidad para optimizar los recursos propios del entorno y, gracias a ello, ofrecernos una historia con un genuino sabor Tex Mex. Durante el visionado de “El precio de la venganza” olemos el polvo, percibimos la presencia de la frontera, degustamos esa América profunda de granjas perdidas en medio de la nada y habitadas por personas rudas y curtidas. Es la américa de las botas de piel de serpiente, de los inmigrantes ilegales, de la violencia gratuita… y todo ello está tan bien recreado que como espectadores tenemos la sensación de que el director, que nació en Osaka, es alguien oriundo de Alburquerque o Santa Fe. La plasmación de una atmósfera creíble y el rodar desde una perspectiva visceralmente física y tangible es el mayor mérito de una película que, desgraciadamente, no nos aporta mucho más a lo que poder agarrarnos. Siendo completamente honestos, “El precio de la venganza” no es más que un brebaje en el que se han utilizado un montón de ingredientes. El problema es que, parafraseando al bueno de James Bond, el guion no los ha mezclado bien (tal como se hacía, por ejemplo, en “Barbarian” (2022)) sino que se ha limitado a agitarlos sin demasiado sentido y con poca delicadeza. El resultado, sin ser del todo indigesto, desgraciadamente se parece más a un batido de Hacendado que a un producto de coctelería. 

La película contiene atracos violentos, sangre y tripas, diálogos y personajes pseudo tarantinescos, home invasions, mad doctors random, torture porn, rednecks deformes y psicópatas, una final girl… toda una serie de ítems que, bien integrados, nos podrían haber dado como resultado una serie B de lo más resultona. El problema es que a la hora de la verdad ninguno de ellos acaba de funcionar del todo bien. Honestamente creo que el principal hándicap de la película está en un guion, obra del propio Kitamura y de Christopher Jolley, muy plano y que se nutre de todos los tópicos habidos y por haber. Aquí Kitamura se muestra como un guionista mediocre que llena la película de deus ex machina, personajes espantosamente definidos, situaciones absurdamente inverosímiles y explicaciones (el origen del odio del doctor por el prójimo) que ni se entienden ni tienen puñetero sentido. En cambio, el Kitamura realizador sabe generar una atmósfera creíble, gestiona bien las situaciones de suspense, utiliza correctamente el espacio escénico y no renuncia a ofrecernos generosas dosis de gore para deleite del aficionado. Esa bipolaridad entre la estructura de la historia y la puesta en escena juega en contra de la película y lastra un producto que, con una estructura argumental más cuidada, podría haber resultado muy interesante. Desgraciadamente sólo de atmósfera y gore no vive el hombre. 

---

“el principal hándicap de la película está en un guion, obra del propio Kitamura y de Christopher Jolley, muy plano y que se nutre de todos los tópicos habidos y por haber” 

---

Del reparto destacan un Stephen Dorff en plan crepuscular y un Vernon Wells que se encuentra en su salsa (y sobreactuando que es gerundio). Debo reconocer que la carrera del primero es una de las más raras y desaprovechadas del Hollywood moderno. Alguien en cuya filmografía se alternan, entre muchas otras, una película de John Waters, un videoclip de Britney Spears y la tercera temporada de esa maravilla llamada “True Detective” (2019) merece todos mis respetos. Los demás cumplen y poco más.

Cuando me enfrenté a la película me esperaba encontrarme al Kitamura que me sorprendió muy gratamente con “El vagón de la muerte” (2008), “Nadie vive” (2012) y “Blanco perfecto” (2017). Todas estas películas ofrecían propuestas relativamente sencillas que estaban resueltas con criterio y en las que percibías unas claras sinergias entre la historia que se contaba y la capacidad del realizador para narrar y filmar la violencia. Creo que en el caso de “El precio de la venganza” no se han sabido gestionar una serie de ingredientes que, al final y por paradójico que resulte, han dado como resultado una historia manida y bastante previsible. ¿Es entretenida? Digamos que no aburre. Se nota que detrás de ella hay un director interesante que maneja bien los resortes del género y que ofrece un producto que, a la postre, resulta digno. Eso sí, uno no puede evitar la sensación de oportunidad perdida.