Nido de Cuervos: Lo mejor del 2018 en terror y Fantástico

Terminamos ya el año, un estupendo 2018 que nos ha dejado mucho y muy bueno en clave de género y como no podía ser de otra forma, ha llegado la hora de recopilar lo que para nosotros ha sido lo más destacado. Broche de oro para un gran año también para Nido de Cuervos, donde la web sigue creciendo día a día, gracias al gran trabajo de un equipo excelente y por supuesto, a todos los lectores que nos seguís a diario de manera cuasi religiosa. Sin más dilación, os dejamos con nuestro TOP 10 del 2018 y por supuesto, nos vemos el año que viene.

Crítica: Aquaman

Reivindico este Aquaman Ragnarok como parte del Universo Cloverfield y como homenaje a ‘Warlock, el brujo’. Puede que al lector le resulte extraña esta primera frase pero creo que al menos para la persona que escribe estas líneas es la mejor forma de definir la última y en cierto modo decepcionante película de James Wan. Y digo decepcionante porque tras habernos dejado con ‘Fast & Furious 7’ y con permiso de ‘Mad Max: Fury Road’ una de las mejores y mas excesivas películas de acción de los últimos años, el director no acaba por ofrecer con ‘Aquaman’ lo que esperábamos de ella: Otro excesivo espectáculo lleno de acción que desprecia todo tipo de lógica y leyes físicas.

Crítica: The Lesson

Educación E-D-U-C-A-C-I-O-N, “acción y efecto de educar. Crianza, enseñanza y doctrina que se da a los niños y a los jóvenes. Instrucción por medio de la acción docente”. Esta es la definición que la RAE nos da para este magno término que, a día de hoy, está muy cerca de perderse. Todos los que estamos mínimamente cerca de algún tipo de docencia, sabemos que la cosa pinta mal. Planes de educación orientados a eliminar el pensamiento crítico de los alumnos. Alumnos con nulo respeto a la autoridad del docente. Profesores con constantes crisis de ansiedad. Todos estos temas se tratan en “The Lesson”, los abusos que se dan a nivel vertical en los colegios e institutos.

Crítica: A Ciegas

Nos debía una Netflix, una bien gorda, después de hacernos perder el tiempo sobremanera con el enésimo tostón telefilmero sobre las miserias de internet. Si “Cam” (Daniel Goldhaber, 2018), viene a ser el producto tipo del Netflix low cost que intenta mirarse en el espejo de Blumhouse, que no suele salir bien y del que hay que huir como del mismísimo diablo, “A Ciegas” (“Bird Box”, Susanne Bier, 2018) representaría como nadie la otra cara de la moneda, la del Netflix más ambicioso que no escatima en recursos para intentar ofrecer el mejor producto de género posible. Y he de decir que en esta ocasión y pese a la presencia de una Sandra Bullock que no es santo de mi devoción, la nueva película de Susanne Bier me ha supuesto, quizás, la última gran sorpresa agradable de este 2018.

Crítica: The Appearance

La segunda y nueva película de Kurt Knight es toda una experiencia de afilados contrastes. Un agigantado paso evolutivo respecto a su ópera prima “We All Fall Down” (2016) que curiosamente destaca por su cuidada puesta en escena, todo lo contrario de aquel, su debut, en el que en ocasiones costaba diferenciar la delgada linea que separaba lo profesional de lo amateur. “The Appearance” no es nada sospechosa en este sentido, presentándose como un filme muy cuidado en lo visual, donde se palpa el mimo puesto en cada secuencia para dotar al conjunto de la obra de una grandilocuencia, de pega si se quiere, pero que funciona perfectamente como conductora elemental, gracias a la cual canalizar toda esa serie de atmósferas tan propias de este tipo de híbridos bastardos a medio camino entre el cine de terror y el de espada y brujería.

Crítica: Cadáver

Hay una suerte de cadencia en el cine de género relacionado con las posesiones que tiene siempre el mismo discurso: todo está inventado. En torno a esto, parece que producir nuevos filmes tiene que entrar en una serie de secuencias inequívocas que nos lleven al paroxismo de ver una y otra vez las mismas escenas con los mismos guiones y las mismas resoluciones. Afortunadamente, esto no es cierto, y no deja de ser más un mantra que persigue desenfocar la naturaleza de algunas cintas que han sido capaces de dar una vuelta de tuerca al subgénero y que se han convertido en excelentes ejemplos de que usar las mismas herramientas puede dar lugar a productos muy interesantes. “La autopsia de Jane Doe” (2015) representó una nueva forma de tratar los convencionalismos con una artesanía muy cuidada y centrar el foco del guion en aquello que sucede con un cuerpo que ha estado poseído y ahora debería estar muerto.

Crítica: Megalodón

Uno de mis vicios más lamentables es la literatura de bichos comiéndose gente, subgénero que acostumbra a ser adaptado con bastante regularidad por el cine mainstream debido a su gran capacidad de generar (En teoría, claro) pingues beneficios a sus productores. Y cual muñeca matriuska, dentro de este subgénero hay uno que ha alumbrado una cantidad de carroña fílmica que hace difícil que cualquier película donde asome la criatura en cuestión sea tomada en serio.

"La Maldición de Hill House", Flanagan y Netflix obran el fenómeno televisivo del año

Y un día la habitación roja se abrió. Ninguno de los que estábamos allí éramos conscientes de lo que aquello implicaba, solo sentíamos el irrefrenable deseo de traspasar una puerta que aún no estaba definida. Ninguno de nosotros sabíamos reconocer la realidad cuando el tiempo se empeñaba en detenerse y engañarnos, pero una cosa era la inconsciencia y otra el deseo de dar un paso por delante de un umbral que invitaba al engaño de una forma tan descarada. Optamos por ser inconscientes y entrar en un mundo donde el rojo no era un color. Lo hicimos todos juntos pero, por separado cada uno de nosotros soñaba con algo diferente. La realidad sobrevino justo cuando la puerta roja se cerró.

Crítica: The Farm

Sinceramente esta película me ha descolocado. Y lo ha hecho porque la cinta escrita y dirigida por Hans Stjernswärd parece un burdo remake de la película ‘Verano Rojo’ de Carles Jofre, cinta que no pasa de discreta pero que a lado de ‘The Farm’ parece una obra maestra el género y sobre todo porque todavía no tengo claro si esta película es una autentica tomadura de pelo o una elaborada pero fallida metáfora acerca del maltrato animal que ha sido financiada por algún grupo pro derechos de los animales.

Crítica: El Pacto

Que brillante envoltorio para algo tan vacío. Que trabajo tan excelente en lo que a la ambientación, fotografía y banda sonora se refiere para un guión tan poco original y por momentos flojo y forzado. El debut de David Victori en la pantalla grande es tan llamativo en su forma como decepcionante en su fondo. ‘El Pacto’ es una cinta que va de más a menos, que se ve bien aunque acaba resultando excesivamente larga y por desgracia no es la película que muchos esperábamos.

Buscamos un /a colaborador/a para la campaña 2019

Terminamos ya pronto este maravilloso 2018 cinéfilo, pero la rueda no se detiene y Nido de Cuervos mucho menos. Tras las recientes bajas de nuestro estimado Sr.Bateman y de Karrie-Yo, desde el Nido sobrevolamos los oscuros rincones de la comunidad cinéfila en busca de nuevas aves de mal agüero (en sentido figurado, claro) que puedan complementar el equipo de la web. Si nos conoces, nos adoras y crees que puedes encajar en lo que hacemos, no dudes en ponerte en contacto con nosotros en nuestra dirección de correo habitual: nidodecuervosweb@yahoo.es Tú puedes ser ese pajarraco que buscamos.

Crítica: Heavy Trip

Pensaba empezar esta crítica con solo dos palabras, con ‘Oportunidad perdida’. ¿Por qué? Porque sinceramente creo que la cinta de Juuso Latio y Jukka Vidgren responde a esa idea, porque sinceramente creo que ‘Heavy Trip’ es una oportunidad perdida para hacer una película excesiva, alocada y políticamente incorrecta (Hay alguna pincelada de esto último pero de una manera muy tímida, sin la malicia necesaria) acerca de un grupo de death, trash, metal, etc, etc… en busca de su primer concierto, pero he de reconocer que esta cinta tiene algo que consigue hacer que la veas con una sonrisa (O al menos con media sonrisa) en la cara durante todo su metraje y eso sinceramente, es mucho mas difícil de conseguir de lo que parece.

Crítica: 13 Cámaras

El voyerismo es sin duda, uno de los delitos más comunes entre nosotros. Pero me parece que es muy fina la línea que no hay que pasar… La línea entre el delito y algo “inocente”. Según la RAE, un voyerista es quien “disfruta contemplando actitudes íntimas o eróticas de otras personas”. Yo nunca he hecho eso, diréis. Bueno, puede, o puede que no. ¿Cuántas veces cuando nos sentamos en una terraza lo hacemos de cara a la gente para “ver”? Claro está, eso no es un ámbito privado, es la calle. Aunque esto me parece un poco subjetivo. Sí, es la calle, pero la gente está haciendo algo para ellos mismos a para quienes les acompañan. Están leyendo, conversando, besándose… Y tú les miras, les quieres mirar, te entretiene. Otro día te asomas al balcón a fumar y miras, miras desde arriba, sin que te vean sin que sepas que estás ahí. Vemos como en antena triunfan una y otra vez formatos televisivos tales como Gran Hermano, cuyo único atractivo es ver cómo vive e interactúa un grupo de personas. Voyerismo puro y duro, pero legal. Y ahí está el matiz, en que la persona observada sea consciente y esté de acuerdo con la situación.

Crítica: Anon

Anon, abreviatura de anonymus, utilizada en poemas u otros escritos para indicar que el autor es desconocido. Tan interesante concepto es utilizado por Adrew Niccol como título para su nueva película como director y guionista, para una película protagonizada por Clive Owen y Amanda Seyfried, dos actores que ya no son lo que eran y cuyo nombre produce al menos para la persona que escribe estas líneas una pereza increíble.

Crítica: Satan´s Slaves

Cierro los ojos y escucho una pequeña campana. Con pocos recursos, mucho ingenio y alguna que otra licencia narrativa, el director indonesio Joko Anwar nos deja una más que apreciable cinta de terror que hará las delicias de los espectadores aficionados al género. La gran baza de Anwar es la de que teniendo una historia que no brilla precisamente por su originalidad (La película posee la estructura de una historia clásica de fantasmas), este consigue sacarle el máximo provecho dosificando para ello una buena ración de sustos y dejando toda una serie de escenas muy conseguidas.

Crítica: Cube

Seis personas encerradas en habitaciones cuadradas, no tienen idea de cómo han llegado hasta allí, no saben por qué están ahí, no se conocen entre ellos, una serie de trampas mortales les están esperando y sólo cooperar puede ayudarles. No, no estoy hablando de SAW, que, aunque os parezca raro (y que me perdone mi dios Wan), la idea ya estaba pillada y poco hay nuevo bajo el Sol, aunque en su día sí que lo había y su nombre era “Cube”. “Miedo, paranoia, sospecha, desesperación…” Esto es lo que ponía en los carteles promocionales de la película. Y cumplió con lo prometido.

Crítica: La Leyenda de la Mansión del Infierno

Doce son los años de diferencia entre que Shirley Jackson escribiera ‘La maldición de Hill House’ y Richard Matheson hiciera lo propio con ‘La casa infernal’, novela esta última considerada por autores como Stephen King como una de las obras mas terroríficas acerca de casas encantadas jamás escrita y que según comenta Rodrigo Cortes, director de ‘Luces rojas’ entre otras, en el programa de Todopoderosos dedicado a Richard Matheson, sienta las bases para ‘El Resplandor’ y el hotel Overlook. A pesar de que las obras de Jackson y la de Matheson se alejan en cierta medida en su fondo, la novela de Jackson tiene un componente romántico y obsesivo, algo que se puede observar en el personaje de Eleanor y la forma en la que esta repite casi constantemente eso de ‘los viajes acaban en encuentros de enamorados’ a lo que hay que sumar la manera en la que la autora describe los fenómenos paranormales que ocurren en la casa como algo casi secundario, pero no en su forma ya que ambos autores encierran a cuatro extraños (A los que finalmente se suman dos personas mas en el caso de la obra de Jackson) en dos grandes mansiones con la idea de investigar los extraños sucesos que ocurren en tan famosos lugares. De alguna manera ambas obras parecen influenciadas por la leyenda de mansión Winchester que hace poco conoció un muy decepcionante acercamiento de la mano de los hermanos Spierig, en el caso de la novela de Jackson por la compleja estructura de la casa y en el de la de Matheson por el origen Belasco, hijo ilegitimo de un fabricante de armas.

Crítica: Venom

Una de las frases que mas me marcaron cuando era pequeño y sobre la que vuelvo de forma reiterada es aquella que escuché en un programa infantil en plena moda por colorear películas: ‘Por favor, impidan que los americanos coloreen las películas de Charlot’. A día de hoy casi me veo en la obligación de actualizar esa frase: ‘Por favor, impidan que los americanos continúen rodando películas de superhéroes si no tienen nada interesante que contar’. No tengo nada en contra de este género, de hecho para mi ‘Los Vengadores: Infinity War’ es una de las mejores películas del año. El problema viene cuando se ruedan películas que no tienen nada que ofrecer, cuando por diferencias creativas el director elegido o bien es sustituido o bien decide no seguir adelante con el proyecto, cuando los productores están demasiado presentes en el montaje final de la película porque hay que hacer que esta llegue al mayor público posible. En definitiva, cuando nos llegan cintas como ‘Black Panther’, ‘Ant-Man’ o esta ‘Venom’, películas prescindibles cuya única justificación es la de ser productos destinados a dar a conocer personajes y lugares (Wakanda) que al final forman parte de un universo mayor.

Crítica: La Cueva

Que levanten la mano los que se hayan metido en algún fregado alguna vez por culpa de un “No hay huevos”. Ya… Eso pensaba. Pues eso es lo que les ocurre a los protagonistas de esta historia. Un poco de “No hay tal”, con un mucho de tontería, más otro tanto de venirse arriba, igual a liada de peli de terror asegurada. Realmente, no sé si calificar a este tipo de películas como terror. No hay ningún elemento paranormal. No hay fantasmas, ni espíritus, ni maldiciones, ni slasher alguno… Sólo está en juego la estupidez humana frente a la inteligencia humana. Aunque pensándolo bien, sí, la estupidez humana puede llegar a unas cuotas tales que dar miedo se queda corto.

Crítica: Boarding School

“Boarding School” es la opera prima en el genero de Terror de Boaz Yakin como guionista y director neoyorquino. Colaborador de Eli Roth en sus primeras entregas de la trilogía de “Hostel” (2005), es más conocido por su exitoso debut en Sundance en 1994 como ganador del Trofeo de Cineasta. Esta historia empieza con un ritmo similar a “El Laberinto del Fauno”, Jacob es como Ofelia, ambos esconden un secreto que les impide encajar. Vemos que está trastornado por pesadillas recurrentes, afectando a su madre y haciendo a su padrastro un aliado. Luke Prael es un joven actor que se destaca entre los otros adolescentes de esta historia, porque Jacob es complejo, su identidad desdibujada se va visualizando de manera sutil, hasta que el secreto del clímax hace que la historia dentro de la historia tenga sentido. Me pareció un trabajo similar a la línea de Emile Hirsch y sus guiones arriesgados que ha desarrollado desde su corta edad. Es una historia retorcida desde cualquier ángulo, pero no alcanza la intensidad para madurar ese morbo.

"Sitges 2018", final de cobertura. Nos vemos el año que viene

Ha sido una experiencia maravillosa, como siempre. Cincuenta y cinco entradas después, de entre ellas, treinta y nueve críticas de películas exhibidas en el festival, damos por concluida la cobertura de este año, de una de las mejores ediciones que se recuerdan y al que hemos querido rendir nuestro particular tributo cuervil desde estas páginas, haciendo lo que nos gusta, escribir sobre cine. Nos sangran los dedos, pero hemos disfrutado desde la primera hasta la última palabra escrita y como siempre, agradeceros a todos los lectores y amigos del blog, por haber depositado un año más vuestra confianza en nosotros para empaparos un poco de lo que ha sido Sitges 2018 los que no habéis tenido oportunidad de asistir, o de contrastar opiniones los que sí.

Crítica: Dragged Across Concrete

El dilema moral tiene su máxima expresión siempre que nos planteemos si el fin justifica los medios. Muchas veces no vale pensar que eso depende del fin y de los medios. Todos sabemos que muchas veces la elección se tiene que hacer en cuestión de un segundo y si tenemos tan claro que el fin es el correcto, nos olvidamos de lo cuestionable de los medios. ¿Nos hace peores personas saber que no estamos actuando bien en un determinado momento, si eso hace que logremos que un montón de gente pueda vivir más feliz? ¿Y si no eres tú quien actúa mal, pero no pones objeción en que lo hace alguien cercano porque sabes que lo que finalmente se conseguirá, es beneficioso para todos? Pero ¿qué pasa con los damnificados que dejamos por el camino para conseguir ese propósito, por muy altruista que sea? Dura elección esta. Todos en la vida nos veremos en esta tesitura más de una vez. No tengáis ninguna duda, sea cual sea la decisión que tomemos lo pasaremos mal. La culpabilidad siempre estará presente en cualquiera de las dos decisiones que tomemos así que me temo que lo que finalmente calibraremos serán las consecuencias personales que todo esto implica.

Crítica: Await Further Instructions

Todas las historias tienen relación con el número 9. De una u otra manera este número está presente en todos y cada uno de los episodios de la serie creada por Reece Shearsmith y Steve Pemberton. La serie que mezcla de manera notable el terror, con el suspense, el humor y el drama bien podría ser considerada como la base utilizada (Aprovechándose de su éxito y de ser considerada una serie de culto) por el guionista Gavin Williams y el director Johnny Kevorkian para su ‘Await further instructions’ cinta interesante pero que realmente no aporta nada nuevo a la idea de ‘vamos a encerrar a un grupo de personas dentro de una casa sin que sepan que está pasando fuera’, ya que en líneas generales todo resulta demasiado conocido, demasiado visto y salvo alguna idea, no hay nada en ella que la haga brillar por encima de otras propuestas similares. Si no fuera por su duración y porque ni Shearsmith ni Pemberton aparecen en ella, ‘Await futher instructions’ bien podría ser un episodio (de los flojitos que también los hay) de ‘Inside No. 9’.

Crítica: Luciferina

A Dario Argento se le ocurrió la idea de rodar una trilogía de películas de terror protagonizada por tres brujas: Mater Suspiriorum, Mater Tenebrarum y Mater Lacrimarum, para dar forma a “Suspiria” (1977), “Inferno” (1980) y “La Terza Madre” (2007), a cual más disparatada, por cierto, pero esa ya es otra película. El caso es que el cineasta Argentino Gonzalo Calzada ha tenido una de esas ideas que de tan originales, podrían pasar por suyas, si el tal Argento no nos sonara un poco a más de uno, rodar una trilogía de terror protagonizada por vírgenes, siendo “Luciferina” la primera de ellas y cinta que nos ocupa. Después vendrán, dicen, las dos restantes: “Inmaculada” y “Gótica”. “La trinindad de las vírgenes” se ha llamado este ambicioso proyecto de cine de terror argentino.

Crítica: Muere, Monstruo, Muere

A los monstruos les queremos muertos. No es necesario que estén enterrados pero sí muertos. Hay monstruos que, incluso formando parte de nuestra vida para que no perdamos de vista la realidad de la humanidad, es mejor que estén muertos. Los monstruos de peluche no son monstruos. Un monstruo no es adorable, un monstruo es feroz y los que habitan en nuestra mente son los más peligrosos porque llega un momento de nuestra existencia donde se convierten en algo muy real. Si tenemos suerte de identificarlos a tiempo, somos capaces de enfrentarlos y matarlos. Si coexisten con nosotros con un camuflaje perfecto, estamos jodidos, cuervos. Si los monstruos somos nosotros, apretad los dientes, cerrad los puños y repetid “muere, monstruo, muere”.

Crítica: La Noche de Halloween (2018)

Digámoslo así, directamente, desde el principio y sin necesidad de rodeos absurdos, sin anestesia, como si de un cuchillo de Michael Myers se tratara mientras se clava en alguna de sus víctimas, en alguna de las niñeras de Haddonfield. Si ‘La noche de Halloween’ (‘Halloween’) no tuviera el morbo de ver a Jamie Lee Curtis retomar el papel de Laurie Strode, de volver a Nick Castle con una máscara puesta, si John Carpenter no estuviera detrás de la banda sonora de esta película (Junto con Cody Carpenter y Daniel A. Davies. Temas como ‘The shape and Lauire fight’ o ‘The shape hunts Allison’ tienen una gran potencia aunque da la sensación de que en la película, en algunos momentos, se les podía haber sacado mucho mas juego), si no se cumplieran cuarenta años de la cinta original o si la película de David Gordon Green no estuviera llena de guiños a aquella y que salvo alguna licencia harán las delicias de los aficionados a la cinta original, esta no pasaría de ser otra discreta secuela de la saga iniciada en 1978 por Carpenter (Donde este dejó claro su amor por ‘El enigma de otro mundo’ de Christian Nyby y Howard Hawks), no pasaría de ser otra película que se ve, se disfruta en mayor o menor medida y se olvida.

Crítica: Lords of Chaos

Para alguien que ha crecido al son de las sonoridades más extremas y oscuras del metal, alguien que cayó rendido automáticamente a los pies de un genero tan fascinante, repleto de épica y sentimiento como el black metal con apenas unos pocos gemidos de ultratumba del amigo Attila Csihar contenidos en ese magistral pedacito de historia viva denominado “De Mysteriis Dom Sathanas”, álbum debut y obscena influencia de todo un séquito de acólitos que terminarían escribiendo en sangre, alma y arte, la génesis de un estilo musical que más allá de controversias varias, nos ha dejado una larga colección de auténticas obras de arte musicales, una película como “Lords of Chaos”, más que una cita obligada, era una cuestión existencial.

Crítica: Tous Les Dieux Du Ciel

El festival de Sitges siempre tiene una carta escondida, un as en la manga a descubrir, un pequeño tesoro enterrado en el bosque dentro de una vieja caja metálica ornamentada con óxido y teñida de tierra. En estos casos, no se trata de saber buscar, en estos casos, es la suerte, el azar o el destino, los únicos responsables de que uno se tope casi sin quererlo, con una película como la que nos ocupa y es que lo nuevo del cineasta francés Quarxx, para quien suscribe, no es solo la gran sorpresa, también una de las mejores películas que se han exhibido en la edición de este año, certamen de inusual nivel muy acorde con la fantástica cosecha que nos está dejando este inolvidable 2018 en clave cinéfila.

Crítica: Nightmare Cinema

No podía faltar en el festival de Sitges de este año, la antología de terror de rigor. La cinta elegida en esta ocasión ha sido “Nightmare Cinema” (sin olvidarnos tampoco de “Ghost Stories”), presentada con gran simpatía y cercanía, como siempre, por un ilustre de la talla de Mick Garris. El gran reclamo de esta nueva colección de relatos de terror reside en su impresionante alineación de estrellas del género de hoy y de ayer. Cineastas tan clásicos como el propio Garris o Joe Dante, se combinan con directores más contemporáneos como David Slade, Alejandro Brugués y Ryûhei Kitamura. Añadamos a la mezcla un par de nombres ilustres en el plano actoral, como son los de Mickey Rourke o Richard Chamberlain y ya tenemos el cebo puesto y la caña preparada. Ahora solo falta que piquen.

Crítica: Piercing

La secuencia inicial de “Piercing” es toda una declaración de intenciones y la mejor manera de definir y entender la nueva película de Nicolas Pesce, quien adapta aquí la novela homónima de Ryû Murakami. El cineasta vuelve a poner de manifiesto su obsesión tanto por las mentes desequilibradas como por la figura materna y aborda aquí de nuevo, ideas ya tratadas en su anterior película y ópera prima “The Eyes of My Mother” (2016), si bien es cierto que lo hace desde latitudes diametralmente opuestas a las exhibidas en la película de hace un par de años. “Piercing” se aleja en buena medida de la crudeza y enfermiza atmósfera de “The Eyes of My Mother” para destaparse como una cinta de terror bastante más accesible y que tiene en el humor negro, negrísimo, una de sus principales herramientas narrativas.

Crítica: Assassination Nation

Tengo más de 3000 amigos en Facebook, casi 2500 personas siguen mis insta-stories cada día. Todos los días tengo al menos 40 followers más en Twitter y, ufffff, empieza a dar vértigo tanta responsabilidad. Entended que considero a toda esta gente mucho más que fans, para mí son amigos y me gusta compartir con ellos mi día a día porque me siento acompañada y porque ellos confían en mi criterio para vestir, para comer, para maquillarme, para ver películas, series , para escuchar música y para pensar. Muchos amigos se compran lo que yo me compro y creo que mi labor es más que social porque siempre les aconsejo bien. Cuando me levanto grabo mi rutina de mañana, hago unboxings con ellos de lo que me compro en el súper. Les enseño la leche que bebo, lo malo que es el azúcar, cómo preparo el arroz, incluso la marca de tampones que más absorbe. En la hora de la comida, tuiteo los pensamientos que me vienen. Con la tripa llena se me ocurren mejores cosas. Suelo subir una media de 3 fotos a instagram que replico en Facebook, aunque para elegir esas tres fotos, suelo hacerme una media de 30 al día, siendo sincera. Mis amigos me quieren y me respetan. A los haters no les hago ni puto caso. Sólo me fijo en lo positivo, sé que siempre podré contar con todos los que me queréis.

Crítica: I Think We´Re Alone Now

Vivimos en un mundo en el que se valora cada vez más la socialización a todos los niveles, personal y profesional. A nivel profesional, no hay más que ver la tendencia actual de trabajar en coworking, espacios compartidos para fomentar el intercambio de contactos entre diferentes sectores. De ahí el controvertido slogan “Thank God It is Monday”, que dejaré sin comentarios. El networking tiene incluso un valor cuantificable a nivel comercial (¿cuántos contactos tienes en Linkedin?). Ahora vienen con un paso más, los Coliving, espacios compartidos de vivienda. Individualmente también estamos siendo valorados por nuestras conductas hacia los demás (¿qué valoración tienes en Uber?). Por suerte, quiero creer que todo esto es una moda pasajera que desaparecerá en los próximos años. Espero que luego la tendencia sea la de trabajar aislados, quien sabe si en una cabaña en el bosque, lejos de la compañía y de las opiniones del resto. Protegidos del constante contacto otros seres humanos y, principalmente, de la contaminación de medios tan tendenciosos como las redes sociales o el whatsapp, que de forma inconsciente manipulan nuestras decisiones y conductas. “I Think We Are Alone Now” (2018) trata principalmente de la soledad y la tristeza, como sentimientos intrínsecos al ser humano.

Crítica: Ederlezi Rising

Poca ha sido hasta la fecha la aportación del cine balcánico al género fantástico o de terror. Cine, este, que tuvo su momento de “gloria” y máxima repercusión con la controvertida (y estupenda, por cierto) “A Serbian Film” (“Srpski Film”, Srdjan Spasojevic, 2010), película que terminó incluso sobrepasando los propios límites del entretenimiento cinematográfico, para entrar a formar parte de bochornosos debates sobre supuesta moralidad dignos de un tribunal medieval. Otro cineasta serbio, Mladen Djordjevic, lo había intentando antes con su “Zivot i Smrt Porno Bande” (2009), pero apenas consiguió generar ruido entre los aficionados más afines al género y al cine de corte más extremo. Hoy toca hablar de una nueva intentona, no de generar polémica, ya que se trata de un género tan poco sospechoso en este sentido como es la ciencia ficción, pero sí de utilizar algún que otro oportuno reclamo para vender un cine de género, el Serbio, que rara vez termina llegando al aficionado de a pie.

Crítica: Freaks

Dícese del freak, a la persona extravagante, rara o fanática. Si tenemos que hacer caso a dicha definición, existen tantos potenciales freaks como individuos, pues lo que para unos es normal, para otros puede ser una extravagancia, una rareza o un fanatismo. Es por tanto este, uno de esos términos tan idiotas y tan nuestros que hemos acuñado en una más de nuestra larga lista de idioteces y en esa incapacidad marca de la casa, de no entender (y en muchos casos, no aceptar), todo aquello que se sale de lo que nosotros mismos entendemos por “normalidad”, sin darnos cuenta de que es precisamente la diversidad, la que sin duda sea una de nuestras más destacables cualidades como especie. Lástima, como digo, que la estupidez aun lo sea más.

Crítica: The Dark

Lo de “The Dark” de Justin P. Lange es la crónica de una muerte anunciada. Demasiados presagios en contra para la ópera prima de un director que no ha tenido en cuenta toda una serie de factores que invitaban a apuntar hacia otra parte para su debut cinematográfico. Pero claro, en el cine de terror todos conocemos las normas y aun así, las seguimos incumpliendo una y otra vez. En el slasher, por ejemplo, sabemos de buena tinta, que todo aquel que folla, muere. Y venga a follar... lo de Justin P. Lange es un poco lo mismo, y no me refiero a sus hábitos sexuales precisamente. Tres simples señales por las que jamás, debería haber rodado una película como esta, que os cuento después de la pausa.

Crítica: Apostle

Hablar de Gareth Evans es hablar de “The Raid” (2011). Cuando alguien rueda una película como aquella, es complicado quitársela de encima por más méritos futuros realizados. Pascal Laugier siempre “cargará” con “Martyrs” (2008), Robert Eggers con “La Bruja” (2015) o Ari Aster con “Hereditary” (2018). Dulces losas que en uno u otro momento de sus respectivas carreras, tendrán que soportar sobre sus espaldas. Evans entró por méritos propios hace siete años en esta bendita lista de damnificados, pero si Laugier demostró hace poco con “Ghostland”, que puede existir vida inteligente más allá de “Martyrs”, lo de Evans con “Apostle”, su nueva película, es poco menos que una revelación antropológica.

Crítica: The House That Jack Built

Una casa es una coraza, un vientre materno hecho de hormigón, madera y cemento en el que sentirnos seguros y proteger aquello que nos desampara ahí fuera: nuestra vulnerabilidad. En casa encerramos el pasado, nos resguardamos del presente y desafiamos al futuro. Curiosamente, encerrados en casa es donde nos sentimos libres. Somos libres entre cuatro paredes, con el oxígeno limitado y no demasiado margen de movimiento. Y esto ocurre porque nosotros hemos construido esos muros sobre base de errores rectificados una y otra vez con lo que consideremos aciertos. Los aciertos impregnan cada ladrillo, cada baldosa, cada trozo de madera y aluminio y hacen que vivamos en paz. Lo lógico, por tanto, es que uno de nuestros objetivos en la vida sea el de construir la casa que consideramos perfecta para nosotros. Jack también lo cree.

Crítica: Nancy

‘Nancy’ es sin duda alguna una de esas películas donde los actores y la premisa están muy por encima del resultado final, una de esas películas que a pesar de tener muchos elementos a su favor no acaba por ofrecer lo que se espera de ella. Es cierto que ‘Nancy’ se ve bien, que su ritmo pausado no cansa pero su directora y guionista parece que no es capaz de profundizar en el drama de los protagonistas, especialmente en el de sus personajes femeninos quedándose muy en la superficie. El salto del cortometraje al largometraje de Christina Choe aunque apunta maneras no es todo lo satisfactorio que nos gustaría.

Crítica: Overlord

“Overlord” era sin lugar a dudas una de las películas más esperadas de la edición del festival de Sitges de este año. ¿El motivo? Un nombre propio, el de J. J. Abrams. El propietario de Bad Robot productions se ha convertido, con permiso de Jason Blum, en la marca por antonomasia del género, generando una sobredimensionada expectación sobre todos aquellos proyectos en los que participa, ya sea detrás de las cámaras o en labores de producción. La marca Abrams se asocia a calidad y la realidad, es que pocas han sido las ocasiones en las que el apellido de la familia ha quedado en mal lugar. Mucho ha llovido desde que el Newyorkino se sacara de la manga la mejor serie que ha dado nunca la televisión: “Perdidos” (“Lost”, 2004-2010). Desde entonces, su carrera se cuenta por éxitos, tanto de crítica, como de negocio. “Overlord” era por tanto, la apuesta segura de Sitges 2018.

Crítica: Superlópez

El de la adaptación cinematográfica de “Superlópez”, mítico cómic patrio creado por el gran Jan (Juan López Fernández) allá por 1973, es un buen ejemplo (otro más) de lo que yo vengo denominando la moda de “el enano gruñón”. Básicamente, quejarse con y sin razón, de todo aquello que tiene que ver con el género, por, supuestos amantes del género. Siempre hay una excusa, siempre hay un argumento, por ridículo que este pueda sonar, cuando se trata de tirar piedras sobre el propio tejado o, al tejado del vecino, que mola más. Recuerdo los litros de bilis que corrían por las benditas redes sociales cuando apareció la primera imagen oficial de la película con Dani Rovira metido en el pijama del superhéroe. Desde ese mismo instante, muchos ya tenían la excusa, el argumento, para la enésima cruzada contra eso que supuestamente les gusta. Los más avispados, incluso tenían ya las críticas escritas pendientes de publicación.

Crítica: The Night Comes For Us

Han pasado ya casi diez años desde que The Mo Brothers (Kimo Stamboel / Timo Tjahjanto) dieran forma al barro de aquella demoledora “Macabre” (2009), cinta de terror indonesia que bebía directamente del movimiento que lo estaba petando en la vieja Europa por aquel entonces: el nouvelle horreur vague. De toda aquella serie de grandes títulos de terror extremo que nos regaló le france, los Mo supieron subirse al carro recogiendo buena parte de la esencia de aquellos, amén de otras influencias evidentes del cine americano tanto en la propia “Macabre” como en posteriores trabajos. Volverían a reencontrarse cinco años más tarde para rodar “Killers” (2014) reverso siniestro del thriller americano de escuela Fincheriana, aunque es un año antes cuando Tjahjanto codirige junto a Gareth Evans el brutal segmento de “V/H/S 2” titulado “Safe Haven” y es esto lo que realmente nos interesa, ya que Evans tenía ya en su haber una de las más impactantes cintas de acción y artes marciales que se hayan rodado hasta la fecha, evidentemente, hablamos de “The Raid” (2011).

Crítica: Mandy

La visión lejana de una melena negra ondeante, acompasada Siempre por el viento que forma círculos y Deja una sensación de quemazón en lugar de alivio, es oscuridad. EL aire enrarecido en un paisaje rojo, violeta y árido sólo complica, nunca libera porque se compone de pequeñaS motitas de metal que forman la Diferencia entre dos mundos. Y eL amor, malditos cuervos, el amor anida entre esos dos mundoS, poniendo huevos, creando y destrozando toDo. La muerte y la vileza son conocedoras de estos hechos, por eso utilizan el amor para crear sus propios héroes y sus propios villanos. Porque la muerte tiene su contraparte y Panos Cosmatos lo tiene absolutamente claro.

Crítica: Clímax

Me encanta bailar. Cuando lo hago, me siento libre, creativa, fuerte, sensual. Poderosa y llena de energía. Si bailo con más gente que creo que siente exactamente lo mismo que yo, creo que puedo comunicarme con mi cuerpo mejor que con mi palabra. Si esto pasa, voy como una moto, voy a por todas y bebo, bebo mucho porque aún me desinhibo más y mi mirada brilla buscando otros ojos fulgentes que me entiendan. Quiero que pongan la música más alta, mucho más alta. No quiero escuchar a nadie hablar, solo quiero oír la música. Joder, prefiero que se revienten los tímpanos antes que escuchar charlas intrascendentes. Bebo y bebo, tanto que suelo perder el control, tanto que incluso podría abrirme en canal con una sonrisa en los labios o hacerlo contigo, porque ya no siento nada. Entones comienza la verdadera fiesta.

"Sitges 2018", palmarés completo y la controvertida Climax se hace con el máximo galardón

La excitante y provocadora ‘Climax’ gana en Sitges 2018 

El Premio Especial del Jurado es para ‘Lazzaro Felice’, que también obtiene el Premio de la Crítica, mientras que Panos Cosmatos se lleva el Premio al Mejor Director por ‘Mandy’ 

El palmarés de la 51ª edición de Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya ha estado muy repartido. El realizador Gaspar Noé y Climax han convencido al jurado de la sección Oficial, que la ha galardonado con el premio a la Mejor Película. El Premio Especial del Jurado ha recaído en la fábula fantástica Lazzaro Felice, que se ha llevado dos galardones más, el Premio de la Crítica y del Jurat Carnet Jove. Por su parte, el realizador Panos Cosmatos se ha proclamado el mejor director por Mandy. 

"Sitges 2018", Ron Perlman y Pam Grier imprimen acción y complicidad en Sitges

Ron Perlman y Pam Grier imprimen acción y complicidad en Sitges 

‘Apostle’, ‘La sombra de la ley’ y ‘Climax’ han sido las tres apuestas de la Sección Oficial 

Sitges 2018 ha encarado su segundo día con el actor Ron Perlman, que ha inaugurado el programa del Sitges Pitchbox incluido en las actividades dedicadas a la industria durante el Festival. Además, tras las emociones vividas en la gala inaugural, el protagonismo de hoy ha recaído en la premiere mundial de La sombra de la ley, del director Dani de la Torre, y el estreno europeo de la producción de Netflix, Apostle. Por otra parte, hoy el día se cerrará al ritmo de Gaspar Noé y su última provocación cinematográfica, (Climax) y la entrega del Premio Màquina del Temps a la actriz Pam Grier, una de las grandes divas del cine de acción. 

Crítica: Aterrados

He quedado aterrada con esta obra de Demián Rugna, desarrollo de tres historias entrelazadas en una misma vecindad. Como el guionista/director confiesa, la idea original vino de dos eventos: la incomodidad de un vecino con su ruidosa remodelación y un corto suyo denominado “Tienen Miedo” (2002). La evolución de su cine es impresionante si tenemos ese referente inicial, fue muy grato evidenciar la originalidad de la historia y los elementos detonantes. Destaco la puesta en escena donde se evidencia la construcción de personajes conjunta entre actores y director, permitiendo una narrativa multivocal con un elenco veterano, tan poco frecuente en el cine de terror contemporáneo. Es grato observar representaciones con carácter como Bette Davis (Que Pasó con Baby Jane -1962) y Tony Collete (Hereditario -2018), más allá del glamour constante de la saga de “Conjuro” con sus jóvenes protagonistas, luego de la acertada elección de Vera Farmiga.

Crítica: What Keeps You Alive

Nada como ver una película sin tener ningún tipo de expectativa para evitar así las ilusiones tóxicas. Empecé a ver “What keeps you Alive” (2018) sin saber de qué iba la historia, algo raro ya que hoy en día es muy fácil tragarse un tráiler sin querer, y me sorprendió para bien durante buena parte de su duración. Dirigida por el canadiense Colin Minihan, la película nos mete en un survival tenso y con buen ritmo, aunque todo sea dicho, no exento de ciertas incoherencias. La historia nos muestra que las apariencias engañan y que no te puedes fiar ni de tu propia pareja. De hecho, en ocasiones es a la persona más querida y cercana a quien más debemos temer, porque es la que más daño físico y psicológico nos puede ocasionar.

"Sitges 2018", Tilda Swinton y "Suspiria" emocionan en la gala inaugural

Tilda Swinton y ‘Suspiria’ emocionan en la jornada inaugural de Sitges 2018 

La actriz británica recoge el Gran Premi Honorífic en una intensa gala inaugural 

Ni Stanley Kubrick hubiera imaginado un guión tan elaborado como el que ha preparado Sitges para inaugurar su 51ª edición. Tras una mañana en la que los niños han sido los protagonistas con la tradicional sesión de cine dedicada a las escuelas, la tarde ha dejado paso a las emociones y a la fantasía con la proyección de Suspiria, la versión del clásico de Dario Argento dirigida por el realizador italiano Luca Guadagnino. El día ha culminado en el momento en el que la actriz británica Tilda Swinton ha recibido el Gran Premi Honorífic, durante la celebración de la gala inaugural con la que Sitges 2018 ha iniciado su odisea espacial. 

"SItges 2018", DARK presenta Await Further Instructions, Dead Night y la saga Wolfcop

DARK presenta Await Further Instructions, Dead Night y la saga Wolfcop en el Festival de Sitges

DARK, canal producido y distribuido por AMC Networks International Southern Europe y el único en España dedicado íntegramente al género del terror, está presente en la 51º edición del Festival de Sitges con cuatro contenidos que harán las delicias de los aficionados del género. El canal presenta, en colaboración con RedRum - Tema Distribuciones, ‘Await Further Instructions’ - película británica dirigida por Johnny Kevorkian – y ‘Dead Night’ – que cuenta con la presencia de la icónica actriz de películas de terror Barbara Crampton –así como la emisión de la saga ‘Wolfcop’ al completo.

Crítica: Animal

Amor, dinero y salud. Dicen que estas son las tres cosas fundamentales para alcanzar la tan ansiada felicidad y no seré yo quien ahora venga a decir lo contrario, pero sí me atreveré a reducir un tanto la ecuación, para quedarme casi con exclusividad con lo tercero. El dinero es reemplazable, el amor, aunque esto pueda sonar angosto desde un punto de vista folclórico, también. Al final es la salud lo único que escapa realmente a nuestro control, siendo en muchas ocasiones, una pérdida irremplazable, fatal en los casos más desafortunados. Y este es el catastrofista, aunque real mensaje de fondo de “Animal”, producción argentina dirigida por un Armando Bo mucho más conocido por su faceta de guionista, suyos son en parte libretos de éxitos tales como “Birdman” (2014) o “Biutiful” (2010) de Alejandro G. Iñárritu y quien aquí, repite similar registro dramático con respecto a su anterior trabajo “El Último Elvis”, 2012).