Nuestro buen amigo Rubén Arnaiz, nos hace llegar el tráiler en exclusiva de “Ríos Revueltos”, el segmento que escribe y dirige Enrique Diego, y que junto a “Sandra Munt el Ídolo de Bokrug” del propio Rubén Arnaiz, conforman el interesante proyecto titulado “Doble Sesión”. "Ríos Revueltos" es un mediometraje en clave de western post-apocalíptico, que nos contará la historia de dos hombres, dos amigos solitarios que sólo se tienen el uno al otro y que ya no esperan nada de la vida, hasta que sucede algo inesperado que cambia su relación drásticamente. La primera versión del montaje ya casi ha concluido y la duración será de unos 40 minutos.
Como ya os hemos ido explicando, “Doble Sesión” pretende hacer su particular homenaje a aquello de "sesión continua" o "programa doble", es decir: dos películas por el precio de una, aunque ésta práctica haya desaparecido hace muchos años de los cines españoles.
En Nido de Cuervos esperamos ansiosos el día del estreno de “Doble Sesión”, y aprovecho la ocasión para felicitar y desearle lo mejor a Rubén Arnaiz por el nuevo proyecto que se trae entre manos, se trata de la segunda parte de “Sandra Munt el Ídolo de Bokrug”, titulada “Sandra Munt y la Sociedad Thule”, y ésta vez se tratará de un largometraje unitario. Las dos historias de Sandra Munt irán por separado, aunque estarán relacionadas, “Sandra Munt y la Sociedad Thule” también estará ambientada en el mundo de H.P. Lovecraft, el famoso escritor norteamericano de relatos y novelas de terror. “Sandra Munt y la Sociedad Thule” empezará su producción a finales de 2012.
A continuación os dejo con la sinopsis oficial de “Ríos Revueltos” (“Troubled Rivers”), y abajo tenéis su respectivo tráiler:
"Ríos Revueltos" es una historia de amistad y de venganza. Dos amigos, polos opuestos, que acabarán enfrentados en un contexto salvaje y desolador. En un mundo futuro post-apocalíptico, el callado “Largo” y el hablador “Candolini” vagan sin rumbo por los desiertos caminos de las ciudades destruidas. No tienen futuro, ambiciones, ni mucho menos objetivos. Pero un acontecimiento inesperado dará un giro a sus vidas, y su relación se convertirá en un juego de ratón y gato de imprevisibles consecuencias...
Hoy os traemos un bocado germánico bastante suculento. Se trata de una cinta independiente de terror titulada “Cannibal Diner”, está dirigida por el director alemán Frank W. Montag, y aunque la cinta no cuente con un argumento demasiado original, en lo que a survival se refiere, no deja de ser interesante que Alemania se sume a hacer éste tipo de cine, y viendo el tráiler y el póster que se han currado, me atrevería ha decir que todo les está quedando bastante apañado. Chicas en apuros, un bosque frondoso, una fábrica abandonada y un grupo de caníbales…con estos ingredientes ya nos podemos hacer una idea bastante clara de lo que pasará en la película, ¿pero que más da?, esto es como mezclar harina, azúcar, chocolate y huevos, siempre es agradable zamparse un buen trozo de pastel de chocolate.
Según palabras de Mario von Czapiewski, escritor y co-productor de “Cannibal Diner”, la cinta llegará a los cines alemanes en cuanto consiga su distribución internacional, y eso se calcula que será a finales de éste 2012 y principios de 2013. Entre su reparto, tal vez cabría destacar que una de las protagonistas será Kristiana Rohder, la candidata a Miss Universo que presentó Alemania en el 2010. La banda sonora vendrá de la mano de la banda americana de rock “Demon Boy”, cuyo tema principal de la cinta será uno titulado “Little Red Riding Bitch”. Actualmente “Cannibal Diner” se encuentra en etapa de edición, pero ya podéis ver el traíler al final de éstas líneas.
Kati (Alexandra Lesch) es una joven modelo que se dirige a la fiesta de cumpleaños de su hermana pequeña Celine (Lara Baum). Tanja (Kristiana Rohder), la mejor amiga Kati, y otros amigos han decidido montar la fiesta en un campamento cercano a los frondosos bosques. Pero durante la preparación de la fiesta, las chicas son atacadas por unos extraños. Kati, todavía va en camino hacia el lugar de acampada, pero el bosque y las malas indicaciones que le da un vagabundo que se encuentra por la carretera, hacen que Kati se pierda. Se encuentra perdida hasta que llega a una antigua fábrica abandonada, donde un clan de caníbales ya está preparando la fiesta, en donde el plato principal serán sus amigas…
Cuando la gente se entera que he ido al cine a ver esta película me mira con cara de WTF??? También los hay que me miran mal o con desprecio (a esta gente ni caso. El mejor desprecio es no hacer aprecio).
Pues bien, yo siempre respondo lo mismo: Dwayne “The Rock” Johnson.
Me declaré absoluto fan de este hombre desde que lo vi debutar en el cine con la correcta ‘El Regreso de la Momia’ (‘The Mummy Returns’, Stephen Sommers, 2001). Al parecer no fui el único al que le encantó este musculoso caballero, ya que tan solo un año después la Universal Pictures le pagó una pasta gansa por encabezar la producción de aventuras ‘El Rey Escorpión’ (‘The Scorpion King’, Chuck Russell, 2002), -un spin off de su anterior película- con la única finalidad de que el enorme ex luchador de wrestling y ahora actor se luciera. Y vaya si lo hizo.
“The Rock”, o Dwayne Johnson, que es como le gusta que le llamen ahora, no ha perdido el tiempo, ya que desde que debutara con el carismático personaje Rey Escorpión no ha parado de trabajar en Hollywood. Además, al contrario que otros compañeros de profesión, Dwayne Johnson no le hace ascos a nada, y lo mismo lo vemos en la última y más adrenalítica película de acción, como por ejemplo ‘A Todo Gas 5’ (‘Fast Five’, Justin Lin, 2011) que en la comedia más tontorrona, véase ‘Papá por sorpresa’ (‘The Game Plan’, Andy Fickman, 2007), -sí también la he visto, ¿qué pasa?-
Pero, ¿hay algo más en esta simpática aventura aparte de Dwayne Johnson? Bueno, también tenemos a uno de los mejores actores que podemos encontrar, el gran Michael Caine, el cual parece que se lo pasa pipa y a uno de esos secundarios que siempre cumple, pero que, por primera vez, a mí no me ha gustado, Luis Guzmán.
En cuanto al chico joven y su compañera, pues bien gracias, ahí están (mejor ella que él).
Siendo sinceros, no es una gran película (eso ya está clarísimo antes de verla), pero tampoco es del todo desdeñable. Es entretenida y cuenta con un despliegue de efectos especiales importante, a veces incluso hasta tiene gracia y recuerda a esas películas que se programaban en sesión doble para toda la familia.
En definitiva, no es una película para el recuerdo, pero es lo suficientemente válida como para pasar un rato agradable, además, estoy convencido de que a los niños sí les puede encantar.
Yo ya espero con ansias la nueva de “The Rock”, que esta vez, sí que promete acción a raudales.
Lo que más me ha gustado: Dwayne Johnson y los efectos especiales.
Lo que menos me ha gustado: el final. Muy flojito.
La dichosa crisis financiera ha llegado al cine, y no me refiero al descenso de las ventas de las entradas de cine, ahora no es momento de ponerse pesimistas, me refiero a que la crisis ya es la protagonista, y la principal causante, de argumentos como el de esta película que os traigo hoy. Se titula “Axed” y es un oscuro thriller británico e independiente, que dirige y escribe Ryan Lee Driscoll bajo la producción de Shining Light Productions, y que a pesar de ser una gran desconocida, fue galardonada el año pasado con el premio al Mejor Guión en el Bram Stoker International Film Festival de Whitby, Reino Unido, en donde recibió numerosas críticas positivas por parte de los asistentes.
“Axed” (que significa “Despedido”, aunque imagino que el título también hace un juego de palabras con “Axe” que es “hacha”) trata sobre un hombre de negocios y padre de familia estricto, que debido a la crisis se queda sin empleo, pero en vez de apuntarse a la oficina de empleo más cercana con el fin de cobrar el paro o de encontrar un nuevo trabajo, como haría cualquier hijo de vecino, decide llevarse a su esposa e hijos a una apartada casa en el campo para sacar toda su rabia sobre ellos y también sobre su ex jefe. Actualmente la cinta acaba de ser adquirida por Imagination Worldwide para encargarse de su distribución. Abajo tenéis el tráiler, pero cuidado que es de los que enseñan demasiado.
Desde que el mundo se ha metido en una crisis financiera, Kurt Wendell ha sido vapuleado hasta la médula. Su trabajo siempre ha sido su estable, y era lo único que le mantenía cuerdo. Pero ahora se lo han quitado todo, le han despedido…
Incapaz de decirle a su familia la terrible verdad, Kurt decide hacer algunos recortes en su hogar. Les pide a sus hijos que no vayan a la escuela y a su esposa que pida un día libre en el trabajo, y conduce a toda la familia a un lugar remoto, lejos de la civilización con el fin de pasar un día diferente y familiar en el campo. Lo que ninguno se imagina es lo que tiene reservado para ellos...
El problema de la gente cortita como yo, es que por prescripción médica, debemos mantenernos alejados de determinadas experiencias. Si hablamos de cine, pues intentar evitar aquellas películas que le obliguen a uno a leer en exceso entre líneas o buscar las explicaciones que no nos han querido (o no nos han podido) dar, en el interior de nuestra hueca cabezota, donde la mayoría del tiempo (y aquí hablo a título personal), lo único que hay son culos, adolescentes quemando iglesias y una bebida alcohólica, no destilada, de sabor amargo que se fabrica con granos de cebada u otros cereales cuyo almidón, una vez modificado, es fermentado en agua y frecuentemente, aromatizado con lúpulo. Tetas, culo, sangre. Eso lo entiendo. Matar, follar, alienígenas viscosos. También. “Mira lo que ha hecho la guarra de tu hija”, “El viento arrastra una voz cruel” o “Dame, dame, no pares, no pares…”. Esto también lo proceso medianamente bien. ¿El límite? Fácil. “Blade Runner”. Más allá de la obra maestra de Scott (quien por cierto, creo que se ha dormido en los laureles en estos últimos años), “no sabe, no contesta”. Si amigos, “Blade Runner” es mi límite intelectual. Un paso más hacia el abismo del conocimiento y no entiendo NADA. Pese a esto, pese a no entender, las disfruto como cualquier otro hijo de vecino, la ignorancia también tiene sus ventajas, y es que algunas veces, es mejor no saber.
“Love”, la nueva película del amiguete William Eubank, haría que mi médico de cabecera, me diese unos buenos azotes en el culo, me pellizcase la mejilla y me dijese: “niño malo Rector, niño malo”, al tiempo que se quita la bata y se desabrocha el liguero… ¿veis lo que os decía sobre el fondo de armario de algunos? Bien, “Love”. Con eso estábamos. Vale. Encasillarla si se hacerlo. A la nueva cinta de Eubank, la meteríamos en el saco de la denominada por algunos, “ciencia ficción intelectual o filosófica”. ¿Cómo se identifica una película de “ciencia ficción intelectual o filosófica”? Fácil. Cuando al terminar el visionado de uno de estos filmes, te giras hacia la persona que tienes al lado, le preguntas si le ha gustado y este/a, se estira, bosteza y emite algún tipo de sonido extraño por la boca. No lo dudéis amigos. Cuando esto pase, tenedlo claro. Todo lo que pase a partir de ese punto, diga, o haga, pura fachada. Por que tu compañero/a, tampoco ha entendido una mierda. Luego, entre los dos y tras mucho exprimir las cuatro neuronas puestas en común, puede llegarse a algún tipo de conclusión mínimamente coherente para que los dos podamos irnos a dormir, con la conciencia tranquila. De no ser así, de no alcanzar ese estado de tranquilidad emocional con nosotros mismos, siempre podemos refugiarnos en el “Dame, dame, no pares, sigue, sigue…”. No tranquilizaremos la conciencia, pero la ensuciaremos, que para el caso, también vale.
“Love”. Un astronauta queda aislado en una claustrofóbica estación espacial cuando de la noche a la mañana (acertados palabros, hablando del espacio), se interrumpen todas las comunicaciones con la base terrestre. A partir de ese instante, su única preocupación será mantener activos el máximo tiempo posible, los recursos de mantenimiento de vida.
Angustioso relato de terror en el espacio que poco o nada tiene que ver con lo que solemos asociar a este tipo de cuentos. Aquí no hay héroes galácticos, amenazadoras criaturas alienígenas, explosiones, sexo interracial, bombásticos viajes interestelares, palomitas cayéndonos sobre la entrepierna ni nada que se le parezca, no amigos, aquí cogemos por los cuernos a un terror mucho mas cercano, mucho más mundano, mucho mas real. La soledad. La película de Eubank, juega con esa necesidad innata del ser humano (en unos más que en otros, todo sea dicho) de interrelacionarse con otros y de las consecuencias originadas de tal privación. Precisamente, es la gran capacidad del filme, de transmitir esta sensación de soledad que sufre el personaje principal, a las carnes del espectador, el elemento clave a partir del cual, este, se involucra en la historia y de paso, se convierte también, en la mayor baza de la película. En este sentido, la gran atmósfera de aislamiento lograda, tiene mucha culpa de ello. Y cuando hablo de “aislamiento”, no me refiero desde un punto de vista físico (que también), sino emocional. Y, si hablamos de “aislamiento”, a la cabeza nos tiene que venir aquella estupenda “Buried”. La diferencia entre el título de Cortés y “Love”, es que en el primero, el protagonista, SOLO tenía miedo a morir, mientras que aquí, el miedo no es tanto a morir, sino a morir SOLO.
Con una puesta en escena preciosista y una banda sonora hipnótica (no olvidemos que el proyecto nace a partir de la idea de filmar un documental sobre la banda de música independiente “Angels & Airwaves” que finalmente, terminó derivando en largometraje), acompañaremos al solitario astronauta Lee Miller, en su lucha diaria por mantener la cordura, aferrándose a los recuerdos de su vida en la tierra. Por supuesto, hay algo más. En el ocaso de la historia, Miller descubrirá (y nosotros con él), la auténtica naturaleza de los hechos acontecidos.. y ahí es donde se complica la cosa, pues esta revelación, lejos de dar sentido a una historia, que hasta ese punto y pese a su marcado ritmo lento, mantiene alimentada la llama de nuestro interés, lo único que consigue es poner sobre la mesa más interrogantes y otras tantas dudas sobre la credibilidad del relato. Cosa, que sin que sirva de precedente, en esta ocasión no debe atribuirse a posibles limitaciones intelectuales del espectador, sino a las limitaciones narrativas del autor, quien en mi opinión, y después de hilvanar durante ¾ de película, una historia bastante maja (absorbente incluso), termina haciéndose, como se dice vulgarmente, la picha un lío, y se casca una explicación que no se la creen ni en su casa. ¿Conclusiones? Bueno, ahí está la trampa, pues dada la naturaleza de “Love”, cada uno puede sacar las suyas propias y todas pueden ser válidas, pero la sensación que le queda a uno después del visionado, es la de haber visto un producto inacabado, pedante incluso en su tramo final, y en definitiva, una experiencia algo menos intelectual de lo que a simple vista pueda (o quiera) parecer.
Renuncio al curro YA, y me meto en el primer cohete que salga hacia el espacio para jugar a los astronautas: La idea, la soledad palpable, la gran belleza de algunas imágenes y su banda sonora.
Mejor que me quedo donde estoy, que más vale malo conocido que bueno por conocer y para algo están los monos: Su excesivo ritmo lento, sus muchos interrogantes a nivel argumental y el insatisfactorio desenlace propuesto por el autor.
Durante los primeros y sorprendentes minutos de “The human centipede 2, Full sequence” me vino a la cabeza como podría llamar a este tipo de películas. Metasecuela. Películas dentro de películas.
Metasecuela por que no es que en esta segunda parte aparezcan referencias a la historia predecesora o la trama de esta continúe narrándose, no, no… es que se refieren directamente a “The Human Centipede” (la primera parte) como una película comercial, es decir un producto, rodado y editado en video, película sobre la cual gira “The Human Centipede 2, Full Sequence”. Auto homenaje? Pajilla mental? Estafa? Tomadura de pelo? Obra maestra? Hay opiniones de todos los tipos.
Para entender esta pirueta argumental lo mejor es empezar contando como empieza todo esto: Martin, nuestro personaje protagonista, es un autentico freak, pero de los de verdad, y esto digo por lo que se ha abusado (y corrompido) el termino. Martin es un retarded con graves trastornos mentales: un padre que abusaba de él, una madre tan o mas loca que el mismo con la que vive en un barrio marginal (esto nos lo imaginamos a tenor de su vecino de arriba)… vamos, la ya habitual historia del psicokiller de postín, en resumen.
No sé de dónde ha sacado Tom Six (el director) al actor que da vida a Martin, pero estoy seguro de que cuando lo vio en el casting debió empezar a bailar encima de la mesa; es muy difícil encontrar un tipo más desagradable, repugnante y con más aspecto de enfermo mental que Laurence R. Harvey: una especie de lagarto bizco con cuerpo escombro, precisamente lo que requiere el personaje, y este señor logra el súmmum con su “actuación” o lo que sea que hace en la película.
Pero eso de hacer tan creíble a un personaje como Martin da mucho miedo, siempre nos quedara la duda de si Laurence R. Harvey es una actor increíble o realmente esta tan chalado como nuestro querido protagonista, además el hecho de que no hable en toda la película no ayuda a pensar bien de todo esto. Me gustaría pensar que hay maquillaje detrás de su aspecto en la película.
Por si todo esto fuera poco, Martin como no podría ser de otra manera, tiene un trabajo de mierda. Aprovecha las horas de su puesto de guardia de seguridad de un aparcamiento para ver películas, pero sobre todo hay una película que tiene a Martin obsesionado y que no deja de ver una y otra vez. Seguro que ya lo habéis adivinado, es fácil; esa película es “The Human Centipede”.
Aquí es cuando uno se plantea las intenciones de Tom Six con esta segunda parte. Para mí está claro, la única intención es básicamente multiplicar por un millón todo lo visto (y lo no visto) en la primera parte, como dice el dicho: queríais mas sopa? Pues tomar ciento treinta y ocho tazas.
El sr. Six se debió decir a si mismo que para que desperdiciar todo un guión para, simplemente, darle asteroides a una historia que ya estaba escrita? De eso nada, le daba pereza escribir un guion nuevo, y como supongo tampoco quería hacer un remake tal cual, ha tirado por el camino del medio: un tipo se obsesiona con la primera película y decide que tiene que emularla, que eso de tener un ciempiés humano tiene que ser la ostia y se pone manos a la obra.
Y esto es “The Human Centipede 2”. Martin fabricándose su propio ciempiés humano. El metraje tiene dos grandes partes: la recolección de “patas” para su ciempiés de las cuales se nutre básicamente en el aparcamiento donde trabaja con la inestimable ayuda de una barra de acero y una segunda parte, que es la “construcción” del ciempiés.
El principal problema es que Martin es subnormal. Aunque “el casting” de candidatos para integrar su ciempiés humano no se le da demasiado mal, a la hora de unir los cuerpos con la técnica del culo-boca es cuando empiezan las adversidades. El pobre Martin no tiene ni idea de lo que es un bisturí, ni la anestesia, ni los puntos de sutura ni las extirpaciones, ni falta que le hace. Nuestro héroe solo necesita una maleta llena de viejas herramientas, martillos, alicates, y una grapadora que sustituirá a los sobrevalorados puntos de sutura, para realizar su pequeña obra homenaje a su película favorita.
El resultado os lo podéis imaginar… bueno, no. No podéis. Os lo aseguro.
Hacía tiempo que una película gore no me hacia apartar la mirada, y “The Human Centipede 2” lo ha conseguido en más de una ocasión. El resultado es una autentica salvajada, una monstruosidad de película, muy incómoda, enferma y sórdida.
La cantidad de autenticas burradas y atrocidades que Martin comete para construir su ciempiés debería provocar alguna que otra risa, pero no amigos, lo que acabamos viendo en pantalla lo cierto que es no tienen ni puta gracia.
Puntualizo esto último: esto lo digo desde el punto de vista generalista, los verdaderos fans de los mas enfermo, desquiciante y repugnante del cine si sabrán valorar el nivel cáustico que tienen algunas escenas (no os perdáis detalle en una escena en la que participan una embarazada y un acelerador), aunque como digo, a un público en general no solo no le hará gracia sino que le horrorizara. Ni que decir tiene que yo si me reí con algunas escenas.
Si tuviera que valorar la película como tal, no le daría más de un tres o un cuatro como puntuación. No tiene apenas guion, algunas situaciones son totalmente absurdas, SPOILER como el hecho de que nuestro protagonista logre contratar a la actriz protagonista de la primera parte haciendo llamadas a sus agentes de Hollywood sin decir una sola palabra; o que esta viaje a Londres, se monte en el coche con el hombre-iguana Martin y se meta en un almacén abandonado creyendo que la ha contratado Tarantino para su última película (¡!!??). FIN SPOILER
La cosa es que Tom Six no quería hacer una película sesuda, ni siquiera tenía pretensiones de película como tal. Tom Six pretendía incomodar, perturbar y sobretodo provocar, tanto al espectador como a la prensa. Y lo ha conseguido, y muy certeramente además. Por lo tanto la valoraré como una película que cumple totalmente el cometido para el que fue hecha, como una sucesión de situaciones e imágenes con mucha fuerza visual, cosa que ayuda que este producida en blanco y negro. Tiene además, un más que decente trabajo de dirección.
Se trata de una película seria, no es una película de Troma, por decir algo, hecha para que el personal se eche unas risas, es un film incómodo, enfermizo, escatológico y sobre todo brutal, pero no es una película vacía.
Aunque su guion si es realmente algo vacio; las tomas, el trabajo artístico del actor protagonista, la dirección y demás la sitúan muy por encima de la media de este tipo de películas.
Yo no esperaba prácticamente nada de ella y me ha salvado, fílmicamente hablando, este primer mes y pico de 2012 (gracias Rector!), el cual si no he me habéis visto mucho por aquí, ha sido por qué no tenía mucho (bueno) que decir sobre casi ninguna película.
Si os gusta el cine extremo no podéis dejar de ver “The Human Centipede 2”.
La directora de “American Psycho” regresa con “The Moth Diaries”, una cinta cuyo tráiler se ha hecho mucho de esperar, y que adapta la novela de Rachel Klein que se publicó en 2002. La película pudo verse en Sitges el año pasado y ahora se estrenará de manera limitada en algunas salas de los Estados Unidos.
Tal y como hizo con la estupenda “American Psycho” de Bret Easton Ellis, la cineasta ha adaptado la novela homónima de Rachel Klein, se trata de una revisión de esos clásicos cuentos de terror gótico, que cuenta una historia de horror con una atmósfera escalofriante y mucha profundidad emocional, pero la cosa no queda ahí, también es una historia de vampirismo ambientada en un internado femenino que parece un castillo encantado, y en donde los deseos carnales, las obsesiones, la atracción lésbica, y la paranoia alimentada por la lectura vampírica de la novela “Carmilla” de Le Fanu, están a flor de piel.
Si os suena la cara de la protagonista, Lily Cole, es porque la hemos podido ver en “The Imaginarium of Dr Parnassus”, además de trabajar como modelo y de ser la estrella de “Phantasmagoria: The Visions of Lewis Carroll”, la que será la primera película dirigida por Marilyn Manson. En el reparto también cabe destacar la participación de Scott Speedman a quien hemos visto en “Los Extraños” y en las dos primeras entregas de “Underworld”.
“The Moth Diaries”, cuya traducción significa “Los diarios de la polilla”, se estrenará en algunos cines de USA el próximo 20 de Abril, para España no hay fecha de ningún tipo, pero como siempre, ya nos encargaremos de verla sea como sea, porque yo no me la pienso perder, y para ir abriendo boca, abajo tenéis el tráiler.
La adolescencia es y será siempre una época de confusión emocional, sobretodo si la pasas en un ambiente cerrado. Tras el suicidio de su padre, Rebecca (Sarah Bolger) , es internada en una elitista residencia femenina. La joven plasma sus pensamientos en un diario, cuyas páginas se centran en Lucie (Sarah Gadon) , su compañera de cuarto. Su relación da un vuelco con la llegada de una nueva estudiante, Ernessa (Lily Cole), cuya amistad con Lucie pronto despertará rumores de todo tipo, Lucie caerá bajo el influjo de Ernessa, que la consume física y emocionalmente, hasta el punto de llevar a Rebecca a la sospecha de que Ernessa es un vampiro. ¿Hay algo de verdad en todo ello o estará Rebecca deslizándose hacia la locura?...
Hoy os traigo una cinta colombiana que cuenta con un argumento que me ha llamado bastante la atención, se titula “Wake Up and Die”, en los países de habla hispana es conocida como “Volver a Morir”, está escrita y dirigida por el colombiano Miguel Urrutia y fue presentada en la nominación oficial del XXVI Festival de Cine de Bogotá.
Una localización. Dos actores. Y un hecho que se repite una y otra vez. Esa es en pocas palabras la descripción de “Wake Up and Die”, una película de terror psicológico y muchas muertes, o al menos una, la de una mujer que tras una noche bastante movida, se despierta desnuda sin saber dónde se encuentra. A su lado, un hombre atractivo y aparentemente cariñoso. Pero ella tiene una extraña sensación, sabe que va a morir, pero no entiende ni cómo ni por qué. La escena de su asesinato se repetirá una y otra vez y, pero en cada una, encontrará un nuevo detalle que podría salvarle la vida. Y donde el espectador será su cómplice.
Leyendo el argumento se podría decir que esto es algo así como una mezcla entre “Durmiendo con su Enemigo”, “Atrapado en el Tiempo” y un buen baño de sangre (y por cierto, un póster con un diseño muy bonito pero que me recuerda horrores a uno de "Let Me In"). “Wake Up and Die” esta protagonizada por Andrea Montenegro y Luis Fernando Bohórquez. Se presentó en USA el año pasado y de momento no se conocen más fechas de estreno. Como siempre, abajo tenéis el tráiler.
Camila despierta al lado de un desconocido tras haber disfrutado de una noche de sexo y alcohol, pero apenas empieza a conocerlo, inesperadamente, él la asesina. Este es solo el principio de la historia. Camila, regresa en el tiempo justo al momento en que despierta y los hechos se repiten en bucle, muriendo inevitablemente una y otra vez. Pero en cada ocasión adquiere información que le permitirá sumergirse en la oscura y apasionada mente del asesino para intentar salvar su vida…
No puedo ocultar mi pasión por el cine de Tony Scott, un hombre del que decían que era el hermano tonto de Ridley y que ahora parece ser están al mismo nivel de inteligencia, -pero no porque Tony haya espabilado, sino porque Ridley se ha dormido-.
No puedo estar más en desacuerdo con esta perniciosa e insensata afirmación.
Tanto el cine de uno como el del otro me deja pegado a la butaca y no me suelta hasta que acaba el viaje (y por lo general me hace vibrar).
Incluso las películas más flojas de estos hermanos me logran entretener y algunas hasta me pueden fascinar como por ejemplo la floja ‘Fanático’ (‘The Fan’, Tony Scott, 1996), una película que reconozco que es un tanto endeble pero que sin embargo me gusta (cierto es que Robert De Niro tiene mucho que ver en todo ello).
O si no, el ejemplo más claro que puedo poner: ‘La Teniente O’Neil’ (‘G. I. Jane’, Ridley Scott, 1997), película floja donde las haya pero con la que yo me lo paso pipa.
Vamos, que me encanta el cine de los Scott y que disfruto muchísimo con sus películas incluso cuando los guiones son nefastos o casi inexistentes.
Éste podría ser el caso de la para mí genial ‘Déjà Vu’ (‘Déjà Vu’, Tony Scott, 2006), y por qué genial, muy sencillo, porque desde el mismo momento en que da comienzo logra captar mi atención poderosamente, y hasta que finaliza, no deja que aparte la mirada ni un solo segundo de la pantalla, e incluso logra que me emocione con lo que me cuenta, y no precisamente por su historia de amor, la cual es de risa, sino más bien por sus alucinantes secuencias de acción y sus asombrosos efectos especiales (porque recordemos que eso es a lo que hemos venido, -y no a ver una historia de amor intertemporal-).
Sí, hemos venido a eso y eso es lo que vemos, y de qué manera. Solo por la secuencia inicial ya merece la pena haber pagado el dinero de la entrada (y el del DVD –los que lo hemos comprado-). Toneladas de gasolina se gastaron en esa increíble explosión la cual será recordada como una de las más espectaculares de todos los tiempos.
Además de la citada secuencia inicial, también me gustaría destacar aquélla otra en la que el bueno de Denzel Washington mantiene una persecución a coche en el presente pero viendo el pasado (que es donde se encuentra el villano de la función), sí, suena raro para los que no la hayan visto, pero qué pasada de secuencia.
En definitiva, un blockbuster de calidad, entretenidísimo, con una historia que te atrapa desde el minuto uno, unos efectos especiales de primer orden y un reparto de lo más acertado.
Sí, lo sé, me he emocionado, pero es que este tipo de películas me llegan.
Lo que más me ha gustado: todo excepto...
Lo que menos me ha gustado: ...sus desajustes de guion.
Estaba yo el otro día haciendo la compra en el supermercado, cuando me percaté que en la nevera de alimentos preparados había algo nuevo, algo de colorines metido en una elegante bandeja negra que llamó mi atención, al acercarme vi que se trataban de dos tipos de bandejas, las dos de sushi, una de la variedad maki (los redonditos rellenos) y los nigiri (los alargados con el pescado encima), aunque estaban en la nevera de alimentos frescos, observé que aquello de fresco tenía poco y que incluso algunos langostinos de los nigiri habían saltado de su pertinente montañita de arroz, sospecho que en un fallido intento de escapar de aquella bandejita de plástico que le apresaba. Así que no tardé en alejarme de allí con mi cestito, cual Caperucita Roja huyendo del lobo feroz, no sin antes pensar: que Dios se apiade del insensato que decida meterse un nigiri en la boca.
Y mira tu por donde, que hoy descubro lo que ocurrió con esas bandejas de sushi, todo esto ha quedado bien documentado y filmado en “Dead Sushi”, la nueva película del famoso director japonés Noboru Iguchi (“The Machine Girl”, “RoboGeisha”). Según el tráiler aquí habrá: Acción sushi!, Erotica Sushi! y Sushi violencia!, ¿Y todo eso que significa? Pues trajes de artes marciales salpicados de sangre, sushis psicópatas que te matan desde dentro y desde fuera, chicas niponas en bikini, mutaciones de humano a pescado, y en general mucha locura, mucha caspa y mucho pescado crudo. "Dead Sushi" esta protagonizada por la actriz de artes marciales, Rina Takeda y Shigeru Matsuzaki. Abajo tenéis el traíler, os advierto que está cargadito de wasabi, así que tened preparada una buena jarra de agua.
La hija de un gran chef de sushi, intenta seguir los pasos de su padre y comienza a trabajar a sus ordenes. Incapaz de seguir sus drásticas enseñanzas, la chica huye de casa y encuentra trabajo en unas termas. Allí llegan como clientes los altos cargos de una empresa farmacéutica, para probar la especialidad gastronómica de la casa, el sushi. Pero también les sigue un antiguo investigador de la compañía que, traicionado y desfigurado por culpa del presidente, decide vengarse inyectando en el sushi una sustancia que no solo le da vida, sino que le convierte en sushi asesino!. El virus del sushi se comienza a expandir por los humanos, convirtiéndoles en zombis sedientos de sangre. La chica deberá utilizar todos los conocimientos transferidos por su padre y frenar el caos que ha creado el sushi…
La mejor directora de cine de acción de todos los tiempos, Kathryn Bigelow, con la ayuda de su entonces marido James Cameron en el guion, realiza la que para un servidor es la más interesante película de esta estupenda directora estadounidense: ‘Días Extraños’ (‘Strange Days’, 1995).
La película da comienzo con uno de los mejores planos secuencia de toda la Historia del Cine. Unos atracadores entran en una tienda, roban el dinero de la caja y se marchan mientras se lían a tiros con la policía. Suben a la azotea de un edificio y saltan del mismo a otro edificio... hasta que el último atracador cae al vacío (y nosotros con él).
No quiero ni imaginar las dificultades técnicas a las que se tuvieron que enfrentar Bigelow y su equipo, pero desde luego es para quitarse el sombrero.
La pericia técnica demostrada en ese increíble plano secuencia volverá a repetirse más veces como por ejemplo en el alucinante plano secuencia en el que el rapero más famoso de la ciudad, el cual va acompañado de su mejor amigo y dos prostitutas, es detenido por dos agentes de policía que comienzan a ponerse nerviosos hasta que sucede la tragedia (no diré cuál por si hay algún insensato que todavía no ha visto esta maravilla de película).
Nos encontraremos con más, muchos más planos secuencia a lo largo de la función, pero no solo de planos secuencia vive la mujer. Ya que la señorita Bigelow se trabaja muy pero que muy bien una historia (junto a Cameron co-escribe Jay Cocks) por lo general muy bien escrita, pero que falla un poco al desviarse de su trama principal añadiendo por ahí una subtrama de asesino en serie.
Pero obviando ese punto negativo, ‘Días Extraños’ aporta todo un carrusel de sensaciones nervudas, un viaje vibrante al mismísimo fin del mundo, un mundo lleno de furia, caos y destrucción (como debe ser, claro que sí).
Es alucinante cómo los responsables de crear ese Los Ángeles del 2000 plasman semejante universo tan terrible como cercano, un futuro que estaba a la vuelta de la esquina cuando se estrenó la película y que hemos rebasado con creces, pero que sigue siendo igual de caótico y terrorífico tanto ahora como antaño -y sea cual sea la época en la que nos encontremos-.
La fuerza de sus imágenes y de lo que se nos cuenta es innegable, como también lo es que las escenas de acción (por otra parte escasas) son tremendamente vigorosas y enérgicas (vamos, como siempre sucede con Kathryn).
Todo ello sumado a un reparto muy bien dirigido y muy entregado (impresionante Angela Bassett), hacen de esta película de ciencia ficción una de las más interesantes del siglo pasado.
Una joya de culto a visionar una y otra vez. Para deleitarse.
Lo que más me ha gustado: ¿por dónde empezar?
Lo que menos me ha gustado: la subtrama del asesino no está a la altura del resto.
Hace pocas semanas os hablamos de “7500” de Takashi Shimizu, una cinta que contaba como un avión en pleno vuelo era víctima de fenómenos sobrenaturales. Ahora, desde Tailandia y con guión de Kongkiat Komesiri (“Art of the Devil”, “Slice”) nos llega Dark Flight 3D (también conocida como “407 Dark Night”), una cinta que parece tener bastantes semejanzas con la de Shimizu, y es que los fantasmas en avión se han hecho de rogar.
La cinta esta dirigida por Isaara Nadee y protagonizada por la cantante y actriz tailandesa, Marsha Wattanapanich (“Phobia 2”). “Dark Flight 3D” llegara a cines tailandeses el próximo 22 de marzo, los responsables de la película prometen la experiencia más aterradora que jamás hayamos visto (esto lo dudo, pero se agradece el intento) y que hará que nuestros pelos se ericen de prinicio a fin de metraje, así que preparar el equipaje que el vuelo está a punto de despegar. Como siempre, tenéis el tráiler abajo.
La historia de la película se inicia con un accidente de avión ocurrido hace diez años y en el que una joven azafata llamada Sunee, es la única superviviente. Ella insiste que un espíritu vengativo causó el accidente, pero parece desistir de esa teoría gracias a un tratamiento de psicoterapia.
A pesar de los malos momentos que ha sufrido Sunee, reanuda su vida, se siente preparada para volar de nuevo y encuentra un nuevo trabajo en otra compañía aérea. Pero la pesadilla vuelve cuando el avión le resulta familiar y se entera que el vuelo en el que se encuentra es el mismo avión que se estrelló hace diez años, totalmente reparado y pintado de nuevo. Sunee no puede hacer nada, el avión ya ha despegado y se ha convertido en una prisión, los espíritus de los fallecidos tienen ganas de vengarse…
LA MUJER DE NEGRO (James Watkins, 2012) es la última apuesta de la rejuvenecida productora Hammer en las carteleras del mundo entero.
Narra la historia de un joven abogado llamado Arthur Kipps, quien tras la pérdida de su mujer seis años atrás, ha visto como su carrera y vida familiar han sufrido un importante deterioro.
En una última oportunidad para conservar su trabajo, deberá viajar hasta una población para intentar vender una casa cuya dueña ha fallecido recientemente.
Pero desde su llegada al pueblo y su primera visita a la casa, comprobará que algo extraño sucede en el lugar…
Niños que fallecieron y fallecen de forma extraña… la sombra de una mujer vestida completamente de negro que parece observar a Arthur… la historia de una venganza por la dolorosa pérdida de un niño, que poco a poco se abre camino entre los recuerdos…
Todo ello lanzará al protagonista a una espiral de locura contra reloj que pondrá a prueba su valentía, su fe y su futura felicidad junto a su hijo.
LA MUJER DE NEGRO es un propuesta que es de agradecer en los tiempos que corren dentro del género de suspense y terror, donde lo que se estila es el gore más absoluto o las historias de casas encantadas absurdas para adolescentes poco exigentes.
Solo he conocido una única excepción en los últimos tiempos, INSIDIOUS (James Wan, 2011), película de terror con ganas de dar absoluto miedo sin necesidad de vísceras, con un buen guión y una más que sobresaliente puesta en escena.
Pero tras el visionado de La mujer de negro, la sensación que uno tiene es que sus responsables se han quedado un poco a medias entre lo que deseaban hacer y lo que realmente han conseguido.
Dos problemas que adolecen en exceso al producto final, por un lado el actor protagonista, Daniel Radcliffe y por otro, el poco provecho que han sacado a una historia con tantas posibilidades.
He de reconocer que Daniel Radcliffe nunca me ha parecido un gran actor, pero también es cierto que una saga como la de Harry Potter, no dejaba que pudiera lucir en exceso sus, poco a poco, adquiridos progresos interpretativos.
Tampoco ayudaba su constante ida y venida de, salvando a Alfonso Cuaron, impersonales directores que poco o nada debían exigir al joven intérprete.
Es por ello que tenía muchas ganas de ver la película, además de por su enigmática historia.
Quería comprobar en qué momento se encuentra Radcliffe como intérprete actualmente y la verdad es que la respuesta es simple: en un momento flojo, de aprendizaje y largo camino por recorrer si pretende llegar a ser un buen actor.
A pesar de lo que diga la gente, en ningún momento he tenido la sensación de estar viendo a Harry Potter, a pesar de que el doblaje no ayude en esta empresa. Ni tampoco me parece un actor demasiado joven para el papel, al fin y al cabo, en la época que está encuadrada la acción, era normal ser padre a tan temprana edad.
Radcliffe tiene destellos de calidad en momentos muy concretos, pero que rápidamente se olvidan en el conjunto de su interpretación. Lo intenta pero no lo consigue.
A pesar de su fallido primer asalto en el intento por hacernos olvidar al joven mago, es innegable que la apuesta de Radcliffe ha sido inteligente y arriesgada. Si cuida sus pasos y sigue apostando fuerte, tal vez dentro de diez años haya conseguido hacernos olvidar que él, fue quien acabó con el que no debe ser nombrado…
LA MUJER DE NEGRO tenía todos los elementos para haberse convertido en la película de terror del año: fantasmas del pasado, una mansión que encierra secretos ocultos en sus largos pasillos, lugareños supersticiosos y una ambientación sobresaliente. Pero el resultado final, REPITO, está muy por debajo de lo esperado, una pena.
Las secuencias de suspense están realmente conseguidas, muy bien construidas y con el pulso correcto. El problema es que a veces, recuerdan bastante en su planteamiento a las de la ya citada INSIDIOUS y por lo tanto, el espectador siempre espera unas resoluciones como las de aquella, pero que sin embargo, en esta rara vez llegan.
LA MUJER DE NEGRO no se ha vendido como una película de sustos porque no lo es, pero es cierto que le falta echar toda la carne en el asador en algunos momentos.
No sirve de nada generar expectativas y un alto grado de suspense en el espectador, si luego no vamos a resolver las diferentes situaciones de forma correcta y con un buen susto… Faltan sustos. La adrenalina acumulada, pocas veces es liberada.
La película promete mucho más de lo que luego realmente da y en el género de terror, eso es algo imperdonable.
Porque LA MUJER DE NEGRO no es una triste película de serie B o gore, es una muestra de cine de terror clásico, pero que no termina de cumplir su cometido de dar realmente miedo.
Me viene a la mente AL FINAL DE LA ESCALERA (Peter Medak, 1980) una película con no pocos elementos en común. Pero donde la película de Medak conseguía hacerte saltar de la butaca, La mujer de negro te deja con las ganas de hacerlo.
La ambientación de la época, el departamento de vestuario, el equipo de arte y la fotografía son SOBRESALIENTES, con letras mayúsculas.
La dirección de Watkins es correcta, más inspirada en algunos pasajes, cualquier momento dentro de la casa, que en otros, historia personal del protagonista, pero en definitiva, correcta.
El guión a cargo de Jane Goldman adaptando la novela de Susan Hill también es correcto, pero no sobresaliente.
Al comienzo de la historia la información está muy bien dosificada, pero conforme llegamos al final de la misma, el volumen de información es tal, que el espectador puede llegar a perderse. Muestra de que la estructura del guión es mejorable en su tramo central.
Su final pretende ser una mezcla entre sorprendente y hermoso, pero acaba siendo descafeinado. Provocando en el espectador la más absoluta indiferencia.
No sé si es el afán del cine actual por ser excesivamente realista o que a un servidor le guste sacar punta a absolutamente todo, pero algo que no terminó de convencerme en ningún momento por parecerme ridículo, es el hecho de que los aldeanos nunca revelen la historia de la mujer del título al protagonista a pesar de todo lo que está ocurriendo a su alrededor, y que sea éste, quien acabe descubriéndola por su cuenta.
Esto que a priori puede sonar muy bien, está relatado de tal forma que no termina de cuajar, estorbando a la historia en algunos momentos sin conseguir el efecto que realmente pretende, enrarecer la historia.
En definitiva, una película con una factura técnica por encima de la media dentro del género en los últimos años, pero que no termina de llevar a buen puerto sus infinitas posibilidades.
Ya sabemos que en España también hay vampiros, sin ir más lejos, nuestros lectores habituales ya se habrán enterado de que aquí escribe uno de ellos, siempre y cuando se lo permita la luz solar, claro está. Por lo visto, estas criaturas nocturnas sedientas de sangre, han decidido salir de ataúd de una vez por todas y es por eso que nos llega ésta película titulada “Un Nuevo Amanecer”, un drama vampírico y fantástico escrito y dirigido por Sergio González-Román.
La película está protagonizada por Tamara Costa, Ángel de Miguel, Lucía Tortosa, y también contará con la actuación de Emma Caballero, actriz a la que veremos haciendo de villana en “Sandra Munt”, el largo que está filmando nuestro buen amigo Rubén Arnaiz, perteneciente al proyecto "Doble Sesión".
“Un Nuevo Amanecer”, es una coproducción entre Valen Arts, El CirkoFilms y Román Films, y está apunto de ser finalizada, por lo que en breve comenzará la promoción comercial a nivel internacional. El largo, se prevé que durará unos 120 minutos y está ambientado en las oscuras calles y locales de Valencia. Al final tenéis el tráiler.
Daniela una vampira que, tras haber violado las leyes Vurdalak, y cautiva durante más de un siglo, logra huir a la ciudad de Ishalem, donde buscará la protección de su antigua familia. Allí descubrirá la importancia de los valores de la amistad, en su vida, que el paso del tiempo le había hecho casi olvidar…
Un nuevo survival de horror está en camino, se titula “The Mooring” y lo dirige el veterano actor Glenn Withrow, quien debuta como director. La cinta trata de un grupo de chicas enganchadas a las nuevas tecnologías y a las redes sociales, que se apuntan a pasar una temporada en medio de la naturaleza para de algún modo “desintoxicarse”. Pero la aparición de dos acosadores terminará por convertirlo todo en un auténtico infierno.
En el tráiler que tenéis abajo se muestra a las chicas pasándolo realmente mal y luchando por sobrevivir en el bosque, y me gustaría pensar que se trata de un nuevo “rape & revenge” del tipo “La Última Casa a la Izquierda” o la argentina “No Moriré Sola”, pero por desgracia es un dato que se desconoce. Lo que si se sabe es que como reclamo publicitario han optado por utilizar la famosa frase de “basada en hechos reales”, aunque no se refieren a la historia que nos cuenta la cinta, sino a la desaparición de personas en general, ya que según dice el tráiler, cada 40 segundos desaparece una persona en extrañas circunstancias. El guión fué escrito por Glenn Withrow, su esposa Hallie Todd y la hija de ambos Ivy Withrow. La película se presentó éste mes en EFM de Berlín.
Un grupo de chicas adolescentes adictas las nuevas tecnologías se reúne en Idaho para trabajar en un programa dirigido por la psicóloga Nancy. Es un programa para perder dependencia de la tecnología y formar verdaderas relaciones. Su destino es una casa flotante en la orilla de un río, pero pronto se verán forzadas a amarrar en la orilla y acampar en medio de la nada. Durante la noche, una pareja de extraños y agresivos vagabundos que acampan cerca de ellas, se dedica a acosar al grupo. Cuando la pareja parte a la mañana siguiente, Nancy decide dejar a las chicas para intentar conseguir un barco. Pero los vagabundos vuelven, embarcándose en un festín criminal y dando caza a las chicas una por una en los espesos y claustrofóbicos bosques de Idaho.
Tercera y última película de la trilogía Odio, tras “Love Exposure” (2008) y “Coldfish” (2010) del director japonés Sion Sono. Se narra en forma episódica, cinco capítulos; titulados. Haciendo así referencia a la conexión literaria de los personajes y la fijación; mencionada, con una obra de clara crítica social, El castillo de Kafka. Tal y como en la obra, no hay narración lineal y bajo esta premisa, Sion Sono nos traslada mediante juegos temporales y desordenados, sin precisión de tiempo; a las aulas japonesas donde unos personajes que llevan una doble vida nos muestran una sociedad enfermiza.
Una vez se visualiza esto y se visiona la película, sacamos una conclusión clara, Sono quiere mostrarnos el camino de descenso de una mujer pura en prostituta. Que esto ya nos lo habíamos encontrado en otras películas anteriores está claro que si. En versiones mucho menos extremas, menos estridentes; como fuera la obra de Luis Buñuel, “Bella de día”. Pero la estridencia como estética de obra, es el sello claro de este director. Y es en esta cinta, donde le da un toque noir. Tal y como los occidentales nos imaginamos Japón, la película se cubre de neón y de convertir el crimen en arte.
Nos presentan a la detective Yoshida (Miko Mizuno,) que está investigando un crimen bastante perturbador. Un maniquí mutilado que ha sido rellenado, cual pavo de acción de gracias; con secciones de un cuerpo humano que se está pudriendo. El barrio donde lo encuentran no es precisamente la zona alta, sino el barrio de prostitutas.
Aquí Yoshida se pondrá a desgranar el caso para encontrar al asesino. A la par, en una historia paralela, tenemos un típico matrimonio esposo dominante-mujer sumisa con Kanji Tsuda como marido y Megumi Kagurazaka como Izumi, la mujer; que viste de sirvienta y está dedicada a hacer todo lo que su esposo le pide. Que no te creas que es un señor ignorante, no… es un reputado novelista al que la monotonía ha ganado la batalla y que cree que su mujer es una posesión suya que debe satisfacerle, aquí no hay dobles sentidos que valgan. Izumi, como cualquier mujer normal; se encuentra atrapada en una vida aburrida en la que no quiere estar pero de la que no puede escapar; y como cualquier mujer normal se busca un hobby. Las películas porno, por lo que fuera, ha acabado ahí. Mucha casualidad y mucha imaginación. Pero bueno, ahí conoce a una señora prostituta, Mitsuko (Makoto Togashi); que además, está obsesionada con el libro antes mencionado. El castillo. Y con esta yuxtaposición de personajes, donde las mujeres puras se convierten en putas y las prostitutas son mujeres modélicas, se crea un link entre las dos que abre el verdadero camino hacia la liberación de las personas.
¿Qué esperar de Guilty of romance? Mucho barroquismo, eso por supuesto. Mucha locura, donde una protagonista en su búsqueda por el placer sexual se muestra como una experiencia mística, espiritual. Sion Sono tiene una facilidad para rodar sin caer en las burdas imitaciones. Sus películas tienen una fuerte carga de individualidad y tienen una mirada personal que no deja indiferente. Cierto que la puesta en escena no es tan mágica como la primera película de la trilogía, pero aun así, el humor ácido, la vitalidad, la fuerza que componen “Guilty of Romance”, demuestran que es un verdadero genio.
